Música suave, con ritmo semi lento, de ascendencia jazzera y de estructura hipnótica; así podría describirse al género Trip-hop, tan de moda en los 90s.

Precisamente de esa época y surgida de una de las agrupaciones más identificadas con el género, la canción de esta semana es “The sea”, del álbum “Big calm” de 1998, obra del trío “Morcheeba”.

Podría decirse que la letra de la canción es hiperrealista, en el sentido de que describe de manera muy sencilla y directa, la experiencia juvenil de vacacionar en la playa.

Brighton Beach de Keith Agar. Playa popular en Inglaterra

En la versión en vivo que presento aquí, la pieza comienza con un sonido de guitarra, suavizado mediante un pedal de efectos, a los que momentos después se unen sonidos electrónicos ambientales y la voz de Skye Edwards que, manteniéndose muy modulada, prácticamente monótona y carente de emoción, genera ese cariz hipnótico propio del género Trip-hop.

La versión de estudio es mucho más cercana a la música electrónica, debido a una mayor presencia de sintetizadores, lo cual la hace sonar más sofisticada y más urbana.

Aunque trata acerca de la playa, el verso “The city calls me home”, nos recuerda que esta canción es definitivamente urbana, recomendable para un atardecer acompañado de un cocktail.

Desde la Ciudad más grande del Mundo.

JH

PD: A pesar del nombre, Trip-hop, este género realmente no es muy cercano ni a la música electrónica, ni al hip-hop. Más característico es su tendencia a experimentar, herencia jazzística y a su carácter no pocas veces melancólico.

PD 2: En sus inicios, grupos prominentes del género Trip-hop, hicieron covers de grupos post-punks como “Siouxie and the Banshees” y “The Cure”

PD 3: Algunos grupos de este género suelen utilizar instrumentos, técnicas y equipo de grabación analógicos, lo cual le imprime una tibieza a su sonido que los separa definitivamente de la música electrónica.

PD 4: En esta versión de “The Sea”, el guitarrista y fundador del grupo, Ross Godfrey, utiliza una muy poco común guitarra Fender Jaguar 1962, siguiendo esa tradición de utilizar instrumentos vintage.

Fender Jaguar 1962, modelo muy limitado utilizado en esta versión en vivo de "The Sea"

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Aunque existían desde la década de los 30s, los grupos femeninos (en inglés “girl groups”), tuvieron su apogeo en los 50s y los 60s. La versión más exitosa de estos grupos fue la que contenía tres cantantes (no pocas veces hermanas) respaldadas por excelentes músicos y compositores.

Quizá el ejemplo más reconocible de este subgénero es el de “The Supremes”, trío del cual surgió Diana Ross.

Todos hemos escuchado algún tema de un "girl group". The Supremes

El éxito y la influencia de estos grupos fue enorme; bandas como “The Beatles”, “The Hollies”, The Carpenters” y “Blondie” o artistas como Phil Collins, han hecho covers de canciones de aquellos grupos y el formato ha sido reproducido, con más o menos éxito, desde entonces y hasta la fecha.

La canción de esta semana no es interpretada por uno de estos grupos, pero su sonido, se asemeja mucho a aquellas producciones de principios de los 60s; se trata de “Never forget you” del trío británico “The Noisettes”, aparecida en su disco “Wild Young hearts” del 2009.

La canción habla acerca de un rencuentro amable de una pareja que desde hace tiempo ya ha dejado de serlo y que ocurre sin resentimientos y sin reclamos, lo cual la hace muy peculiar en su tema.

En cuanto a la música, en los primeros 30 segundos domina el ritmo marcado por el sonido del bajo y acentuado por la voz de Shingai Shoniwa, que junto con el rasgueo de guitarra replican casi con exactitud los sonidos de los 60s. Al llegar la primera interpretación del coro puede notarse una salpicadita de modernidad a través del sonido ahora potente, dominante y distorsionado de la guitarra, para que segundos después, al entrar los sonidos de cuerdas (violines y cello), la canción retome su tono retro y así alternadamente hasta el final, pero siempre con un carácter alegre que embona con el mensaje de la letra.

Desde la Ciudad más grande del Mundo.

JH

PD: El éxito del grupo “The Marvelettes” de 1961″Please Mr. Postman”, fue hecho cover por “The Beatles” y “The Carpenters”. Las tres versiones fueron sumamente exitosas

PD 2: Otro “girl group”, “The Shangri-Las” graba en 1964 la canción “Remember (Walking in the sand)”; en la grabación del demo participó un músico de estudio, pianista, entonces desconocido, llamado Billy Joel.

El look de las cantantes influenció a grupos Punk como “New York dolls” y Blondie y la canción Remember (Walking in the sand) fue reinterpretada por “The Go-Gos” y “Aerosmith”.

PD 3: En 1982, Phil Collins grabó un cover de la canción “You can’t hurry love”, originalmente grabada por “The Supremes”, logrando llegar al #1 de las listas por primera ocasión.

PD 4: Un clásico del género, “Be my baby” (Por cierto, la primera canción reseñada en este blog), ha sido retomada entre muchos otros por, John Lennon, “Kenny and the Electrics”, Charly García, “Blue Oyster Cult”, Linda Rondstadt, “Maroon 5” y su sonido a influenciado o inspirado canciones y respuestas en músicos como “The Beach boys”, Bruce Springsteen, Asia, “Meat loaf”, Billy Joel, “King of Leon”, Eddie Money, Amy Winehouse y hasta por “Lady Gaga”.

Es con esta canción que el legendario productor Phil Spector impulsó definitivamente el “Wall of sound”, técnica de grabación de su invención que le daba a las canciones un sello distintivo que destacaba en la radio AM y en las rockolas (“Jukeboxes”) y que ha sido retomado por muchos artistas desde entonces y generado grandes temas del Rock.

PD 5: El éxito “Dancing in the street” interpretado a dúo por David Bowie y Mick Jagger, es otro cover, esta vez al éxito de “Martha and the Vandellas” de 1964, que también llegó al primer lugar de las listas.

PD 6: En la canción de esta semana el sonido de la guitarra de Dan Smith, que le da un toque de modernidad a la pieza, proviene de una poco usual guitarra Dipinto. Dan Smith mezcla equipos modernos y antiguos y gusta de experimentar con nuevos sonidos.

Guitarra Dipinto como la utilizada por Dan Smith en la canción de esta semana

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser

El artista del cual tomaremos la canción a reseñar en esta ocasión, es ampliamente conocido y sus obras más destacadas provienen de la conjunción de su inspiración, su piano y su voz.

Sin embargo, la canción de esta semana no es ni la más conocida, ni la más exitosa, pero logra expresar perfectamente un sentimiento, utilizando una sencilla metáfora y una estructura musical simple.

Se trata de “You’re my home” proveniente del disco “Piano man” de 1973, de Billy Joel.

La canción fue escrita por Joel como regalo de San Valentín para su esposa de entonces, debido a que no tenía dinero para un regalo y habla de la seguridad que le daba la relación a Joel, equiparándola con el sentimiento de estar en un Hogar.

Pennsylvania Turnpike - Uno de los lugares mencionados en la canción

La versión en vivo del álbum “Songs in the attic” suena más cálida que la versión de estudio y nos permite imaginar a Joel como en sus inicios, tocando ante pequeñas audiencias.

En los primeros nueve segundos la introducción corre a cargo de la melodía armonizada entre dos guitarras acústicas, a las que se luego se une la voz de Joel, para cantar los primeros cuatro versos; al llegar el coro, se incorporan el bajo eléctrico y el piano.

La segunda estrofa transcurre sobre la melodía original llevada por las guitarras y el piano, hasta que poco a poco, la voz de Joel y su cómplice, el piano, toman el liderazgo, imprimen la emoción y establecen el mensaje, durante la tercera estrofa y el puente musical.

La última parte de la canción, compuesta por el segundo coro y la última estrofa, regresa a la melodía original, en la que mediante notas del piano y una pausa enmarcada entre dos intervenciones de la batería, se va preparando el gran final, en el que sin decirlo explícitamente, Joel le dice a su esposa: Te amo.

Desde la Ciudad más grande del Mundo.

JH

PD: Billy Joel, de ascendencia Judía, nació y creció en N.Y.

A la par de tener excelentes maestros de piano y para poder defenderse de los vecinos que lo molestaban debido a su gusto por la música, aprendió a boxear, logrando 22 victorias a nivel amateur, pero, retirándose cuando sufre una fractura de nariz.

PD 2: A partir de ver a “The Beatles” por televisión en 1964, Joel decidió ser músico profesional participando en diversos grupos y siendo músico de estudio desde los 16 años, a partir de 1965. Sin embargo, su carrera como solista comenzó hasta 1971 con un contrato leonino y una pésima producción de su primer LP, lo cual, lo llevó a tener que mudarse a Los Angeles en donde tuvo que conformarse con tocar en una especie de Piano Bar. Es en esa etapa donde compone “Piano man” y con base en giras y contando con un poco de suerte, fue descubierto por Columbia Records que le produjo y lanzó, el disco que lo llevaría al éxito: “Piano man” en 1973.

PD 3: Joel no guarda buenos recuerdos de su estancia en Los Angeles, su regreso a Nueva York fue como un renacimiento y lo refleja así en canciones como “Say goodbye to Hollywood” y N.Y. state of mind”

PD 4: Joel dejó la preparatoria cuando al reprobar algún examen, le faltaron los créditos suficientes para graduarse; la razón por la que reprobó fue que no pudo levantarse para ir al examen debido a que había estado haciendo presentaciones nocturnas. 25 años después, Joel envió a su preparatoria algunos ensayos y trabajos con los que logró obtener su diploma de preparatoria.

PD 5: A partir de “Piano man”, Billy Joel logró una carrera excepcional, ganando premios (a pesar de que nunca ha sido del gusto de los críticos y de que han sido públicas y notorias sus discrepancias con ellos), vendiendo más de 150 millones de discos y logrando quitarse la etiqueta de baladista, con discos como “Glass houses”, de 1980, en el que logra montarse en la ola del estilo “New Wave” o con obras más profundas y críticas como “Pressure” y adoptando exitosamente nuevos medios, como MTV, para llegar a nuevas audiencias.

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Un amigo que sigue de vez en vez este blog, me comentó que debería reseñar música más reciente. Estimo que una buena canción es parecida a un buen vino, tiene que reposar y pasar la prueba del tiempo; por lo que no siempre hay material para comentar acerca de la música nueva.

Y sin embargo, al ver los conciertos recientes de los grandes festivales, como Glastonbury,  Isle of Wight o Montreux, encuentro que existen muchas bandas que logran emocionar a miles de fanáticos y que tienen proyectos interesantes, que tal vez algún día se convertirán en leyendas.

Es así que, en esta ocasión, platicaremos acerca de una canción publicada en septiembre del 2010 llamada “Bang bang bang”, que abre el disco “Record Collection” de “Mark Ronson and the Business Intl”

Aunque los teclados y sintetizadores son los instrumentos que predominan en esta pieza, no puede considerarse estrictamente como música electrónica, en parte por el gusto de Ronson de grabar con instrumentos reales y no con sampleos electrónicos.

La canción puede definirse como pop bailable que tiene intercalado un rap interpretado por Q-Tip. El sonido de la parte vocal pop, tiene una leve evocación de Buggles y su “Video killed the radio star” y es precisamente la voz de Amanda Warner la que le da dinámica y personalidad a la canción.

Aparentemente, la letra habla acerca de un conflicto entre un artista y un ejecutivo de la industria de la música…que termina en un imaginario tiroteo: Bang bang bang.

Desde la Ciudad más grande del Mundo.

JH

PD: Mark Ronson se inició como DJ y se ganó un lugar en NY durante los 90s, apoyado en su característica distintiva de mezclar música muy diversa, tanto en géneros como en épocas

PD 2: Su gusto ecléctico para mezclar, que incluía desde el funk neoyorkino, hasta el rock británico, lo hizo lograr incrustarse en el jet set de NY y empezó a contratarse para mezclar en fiestas de celebridades, en una de las cuales conoce al diseñador Tommy Hilfiger quien lo incluye en una de sus campañas publicitarias

PD 3: Mark Ronson es además músico y compositor, lo cual, lo llevó a decidirse a empezar a grabar discos y aprovechando su fama y sus contactos, se rodeó de artistas experimentados y de géneros diversos, para incluirlos en sus producciones

Mark Ronson además de DJ, es compositor e instrumentista. Aquí con otra novel promesa: Lilly Allen

PD 4: Su otra gran faceta es como productor. Sucede que Ronson es hijastro de Mick Jones, guitarrista del grupo “Foreigner”, por lo que buena parte de su infancia y adolescencia vivió inmerso en el mundo de la música, del cual aprendió lo suficiente como para ganar el Grammy al Productor del Año, por el disco “Back to Black” de Amy Winehouse, en el 2008. Como productor, ha participado en no menos de 40 producciones, en las que ha trabajado con artistas como Lilly Allen, Christina Aguilera, Robbie Williams, Adele, Duran Duran, Kaiser Chiefs y Nikka Costa, entre otros.

PD 5: En el 209, la revista GQ señaló a Ronson como el hombre más fashion del año. En el video de la canción de esta semana, puede apreciarse que los trajes cruzados están por regresar; Ronson utiliza dos y los dos son cruzados. Mientras que Amanda Warner nos avisa que para ellas, el look 70s viene de regreso.

La moda 70s viene de regreso

PD 6: Otra célebre canción que se refiere a Bang Bang, es la interpretada por Nancy Sinatra en 1967 y que aparece en la magnífica película “Kill Bill Vol. I”

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser

En 1981, se publicaron un par de discos extraordinarios en los que todavía puede escucharse la grandiosidad musical y la profundidad lírica de los 70s, pero, con un sonido un poco más moderno.

Uno de estos álbumes, trata de reflejar la angustia, pero también la esperanza, derivadas de los vertiginosos cambios que venían sucediendo en la sociedad americana (y en el Mundo en general) desde mediados de los 70s; y lo hace, a través de encontrar un símil con la historia ficticia del Teatro Paraíso, desde su inauguración hasta su completo abandono.

"The headlines read these are the worst of times" / "Las ocho columnas dicen que estos son los peores tiempos"

De este disco podrían salir al menos cinco canciones para ser reseñadas en este blog. En esta ocasión, me he inclinado por “The best of times”, tanto por la belleza como por la atemporalidad de la letra, que igualmente podría describir nuestra actualidad. Es la pista número 5 del lado A (hablando del disco en vinyl) del “Paradise Theatre”, del grupo originario de Chicago, “Styx”.

En lo particular, me gusta la parte de la canción que nos dice que, con otra perspectiva, quizá con más experiencia y sabiduría, podremos apreciar mejor lo que tenemos hoy (ahora):

“Our memories of yesterday will last a lifetime

We’ll take the best, forget the rest

And someday we’ll find these are the best of times

These are the best of times”

“Nuestros recuerdos del ayer durarán toda una vida

Tomaremos lo mejor, olvidaremos lo demás

Y un día encontraremos que estos son los mejores tiempos,

Estos son los mejores tiempos”

Son la voz de Dennis DeYoung y su piano, los sonidos que en su mayor parte llevan el peso de la canción. Después del primer verso (a unos 30” de haber empezado la pieza), entran unos suaves coros y teclados, a cargo de Tommy Shaw. Después de dos versos más, que son todavía en un tono suave, llegan el puente de la canción y el coro principal y entonces, sube la intensidad sonora y emotiva, incorporándose la batería, el bajo y las dos guitarras del grupo.

El punto climático se da justo después, desde el verso que transcribí líneas más arriba y hasta concluir el solo de guitarra de Shaw y los coros a segunda voz, que bien podrían remitirnos a Queen. La intensidad decrece por un momento y permite la apreciación de otro bellísimo verso (“I feel so helpless like a boat against the tide, I wish this summer wind could bring back Paradise” / “Me siento tan desamparado como un bote a la deriva, como me gustaría que este viento veraniego pudiera regresarnos al Paraíso”) y de ahí al final la energía de la canción se mantiene alta, mientras DeYoung nos da el secreto para sobrevivir los tiempos difíciles.

Desde la Ciudad más grande del Mundo.

JH

PD: “Paradise Theatre” es un álbum conceptual que aprovecha todos los elementos para transmitirnos la idea del ciclo: surgir, crecer, resplandecer, decrecer y desaparecer. Desde la portada, la funda, el orden de las canciones, obviamente las letras y hasta la utilización de un mismo tema musical en varias de las canciones

PD 2: En este disco se vuelve a dar el fenómeno tan recurrente en el Rock de la tensión entre talentos. Dennis DeYoung se inclinaba cada vez más por un sonido y una idea más teatral (y accesible), mientras que Tommy Shaw y James Young, los guitarras de la banda, querían quedarse en un sonido rock más progresivo y tradicional. El resultado fue esta magnífica obra, que llegó como álbum al número 1 de las listas, que produjo 5 sencillos y que vendió más de tres millones de copias y que fue el inicio del fin del grupo.

PD 3: Styx fue uno de esos grupos muy exitosos de los 70s, que no pudo contender con la nueva ola de los 80s y que no supo, no quiso o no pudo adaptarse al fenómeno MTV, declinando rápidamente en productividad, creatividad y popularidad

PD 4: También de 1981, es otro gran LP conceptual, de otra exitosa agrupación setentera y que también trata temas como el cambio, la nostalgia y el paso (acelerado) del tiempo, se trata de “Time” de Electric Light Orchestra, que en otra ocasión tendré el gusto de reseñar aquí.

PD 5: Existen ciertas similitudes entre Styx y Queen: Un vocalista con un amplio espectro tonal; una veta rockera y otra teatral (de vaudeville), la forma de utilizar las voces de acompañamiento, los cambios de ritmo y la utilización de momentos fastuosos. Estas similitudes y las obvias diferencias, pueden apreciarse muy bien en el DVD “Caught in the act” de la gira que hizo Styx en 1984.

PD 6: Aunque el Teatro (Cine) Paraíso al que se hace alusión en el disco es ficticio, sí existió un Teatro Paraíso en Chicago

Proyecto del teatro Paríso por John Eberson, 1928

PD 7: La portada del disco nos muestra al Teatro Paraíso en su esplendor (imagen de los buenos tiempos); mientras que la contraportada nos muestra una imagen de abandono y desolación, pero con un pequeño guiño de esperanza: en la marquesina puede leerse: Cerrado temporalmente (los buenos tiempos, siempre pueden regresar).

Metáfora de los buenos y los malos tiempos, con un guiño de esperanza

PD 8: Curiosamente, la película Cinema Paradiso, de 1988, utiliza la misma metáfora que usó Styx, para describir los cambios en Italia.

PD 9: En el video puede verse a Tommy Shaw utilizar una guitarra Gibson Explorer.

En el DVD "Caught in the act", de la gira 1984 de Styx, puede verse a Tommy Shaw tocando una Gibson Explorer como esta

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Una fórmula muy utilizada en Hollywood es producir películas que muestren aspectos de la vida de los adolescentes, a veces de manera muy dramatizada (“Rebel without a cause” / Rebelde sin causa 1955), otras en formato de musical (“West side story” / Amor sin barreras 1961) y muchas llenas de romances de verano y música de moda (“Beach blanket bingo” / Diversión en la Playa 1965, “Grease” / Vaselina 1978).

Películas del género adolescente

Nuevamente, el tema adolescentes

En los 80s, este género se revitalizó con una aproximación más realista y expandiendo un poco los temas. De esa época hay clásicos de este género como: “St. Elmo’s Fire” / El primer año del resto de nuestras vidas, “The breakfast club” / El club de los cinco, “Sixteen candles” / Dieciséis velas, “Footlose”, “Ferris Bueller’s Day Off” / Todo en un día y otras muchas más.

La canción de la semana, en su versión original, le da nombre e inspiración a una de estas películas, se trata de “Pretty in pink” del  disco “Talk talk talk” de 1981, creado por el grupo “Psychedelic furs”.

Divertida película cuyo soundtrack es altamente recomendable

Los “Psychedelic furs” fueron un grupo Inglés, fundado en 1977 por los hermanos Tim (bajo) y Richard Butler (vocalista), de estilo post-punk con toques de art rock y que deben su sonido y su éxito (sobre todo en Europa) a que fueron producidos por gigantes de la industria como Steve Lillywhite y Todd Rundgren.

La letra es la cruda descripción de lo que le acontece a una chica que, buscando aceptación, solamente logra perder su dignidad.

En cuanto a la música, existen dos versiones, la de 1981 en la que predominan las guitarras teniendo como acompañamiento a los teclados y de fondo la voz de Butler y a la batería y la de 1986, que fue parte del soundtrack de la película, en la que predominan la batería y la voz de Butler y en la que se incluye un saxofón que lleva la canción de la categoría de rock duro a la de rock pop, sin perder potencia y ganando en elegancia.

En ambas versiones, queda perfectamente clara la influencia de David Bowie en el estilo vocal de Butler y la influencia de Mick Jagger en algunos de sus movimientos.

Digamos que la versión original transmite la rabia de alguien cercano a la protagonista y la versión de 1986 refleja el drama de la situación. Ambas son excelentes.

Desde la Ciudad más grande del Mundo.

JH

PD: Tanto en Rebelde sin causa como en Amor sin barreras, aparece la guapísima Natalie Wood

Una de las muchas actrices que saltaron a la fama después de participar en una película de temática adolescente

PD 2: El género de películas para adolescentes que (re)surgieron en los 80s, lanzó a una serie de actrices y actores que hoy todos conocemos, entre otros:

Jon Cryer, Patrick Dempsey, John Cusack, James Spader, Kiefer Sutherland, Matt Dillon, Andrew McCarthy, Robert Downey Jr., Rob Lowe, Demi Moore, Charlie Sheen y su hermano Emilio Estevez, Kevin Bacon, Matthew Broderick, Sean Penn, Judd Nelson, Timothy Hutton, Jaso Patric, Jami Gertz, Jennifer Connelly  y Tom Cruise.

Uno de los actores de actualidad surgido de las películas adolescentes de los 80s

PD 3: Como puede verse en el video de la versión 1986 de la canción, en “Pretty in pink” participaron Jon Cryer, James Spader, Andrew McCarthy y Molly Ringwald

Cryer en la actualidad (Alan Harper - "Two and a half men")

Cryer en 1986, en su papel de "Duckie" en "Pretty in pink"

PD 4: Según Richard Butler, el significado original de la frase “pretty in pink” / bonita en rosa, es verse bien desnuda, significado que en la historia adaptada de la película se pierde completamente.

PD 5: Steve Lillywhite productor de la versión original de “Pretty in pink”, ha trabajado en más de 500 grabaciones y ha colaborado con artistas como: XTC, “Siouxie and the Banshhes”, “Dave Matthews Band”, “U2”, “Peter Gabriel”, “Talking Headas”, “Simple minds”, The rolling stones”, Joan Armatrading, Marshall Crenshaw, “Thompson twins”, “Ultravox”, “World party” y Morrisey

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser

A mediados de los 80s, la conjunción entre dos grandes fenómenos musicales, MTV y Michael Jackson, dio como resultado el descomunal éxito del disco “Thriller”; la mejor canción de este disco (y quizá la mejor en la carrera solista de Jackson) es “Billy Jean”.

Simultáneamente, en San Francisco, existía una banda liderada por una cantante de origen indígena, admiradora de Patti Smith^{PD 5}, quien al escuchar la letra de “Billy Jean” se sintió indignada y no dudo en componer una canción en respuesta a la actitud poco comprometida, rayando en lo machista, que muestra el personaje de la canción de Jackson.

Esa respuesta es la canción de esta semana: “Girl in trouble (is a temporary thing)”, del disco “Instincts” lanzado en octubre de 1984 por el grupo “Romeo void”

“Romeo void” se fundó el 14 de febrero de 1979, inspirado en la escena punk de San Francisco y en la fascinación por la espontaneidad y naturalidad de las presentaciones de Patti Smith que presenció Debora Iyall en aquella ciudad. Pero, lo que hizo destacar al sonido del grupo y a que fuese más identificado como un grupo Post-punk o New Wave, fue la inclusión del soberbio saxofonista  y cofundador del grupo junto Iyall, Benjamin Bossi.

Debora Iyall cree que una parte de la letra de “Billy Jean” muestra la típica falta de solidaridad masculina en las relaciones en las que llega un bebé inesperado y en su respuesta, propone una actitud proactiva y positiva para que la chica en este tipo de “problemas”, salga adelante.

“Billy Jean”

“Billie Jean is not  my lover / Billy Jean no es mi amante

She’s just a girl who claims that I am the one / Es solo una chica que dice que soy el elegido

But the kid is not my son / Pero el niño no es mío”

“Girl in trouble (is a temporary thing)”

“There’s no time for her to be afraid / No hay tiempo para que ella sienta miedo

So instead, she takes care of business / Así que en vez de eso, ella se encarga del asunto

Keeps a cool head / Y mantiene la cabeza fría”

La música comienza con un vigoroso ritmo bailable encabezado por la batería y acompañado por un punteo de guitarra tan preciso y limpio que podría confundirse con los típicos teclados tan presentes en la música ochentera; después, del segundo 15 al 75, se da un enriquecimiento en la textura de la canción mediante la incorporación del bajo y el cambio de la guitarra hacia sonidos más alargados (tipo slide) y sobretodo, la incorporación de una muy buena interpretación del saxofón, todos grabados con efectos de eco y que preceden la entrada de la voz de Iyall. El resto de la canción transcurre en un diálogo entre Iyall y el delicioso sonido del saxofón de Bossi.

Desde la Ciudad más grande del Mundo.

JH

PD: Las letras a veces muy fuertes, pero siempre inteligentes e introspectivas, de Iyall y el sonido energético del grupo, hizo que la crítica de su época les diera siempre muy favorables comentarios; la inclusión del saxofón y el sofisticado uso de la guitarra los separaron de la etiqueta Punk y la ausencia de teclados hacen que su sonido no sea tan fácilmente identificable con la década de los 80.

PD 2: La voz y estilo interpretativo de Iyall hizo que se le comprara constantemente con Deborah Harry (vocalista de “Blondie”),
mientras que por el tono de sus letras y la fuerza de sus presentaciones en
vivo hicieron que también la identificaran con Chrissie Hynde (vocalista de “The
Pretenders”).

PD 3: A pesar de la clara evolución del grupo y de su capacidad para transitar entre el “underground” y el “mainstream”, es decir, su versatilidad para ser grupo de culto y ser a la vez un grupo muy popular; las largas y agotadoras giras de promoción del disco “Instincts” terminaron por desgastar las relaciones del grupo y su desaparición hacia 1985.

PD 4: Existe la leyenda que dice que la disquera le comenzó a retirar el apoyo al grupo, ante la negativa de Iyall por “mejorar” un poco su imagen, ya que era bastante gordita y de imagen indígena. En el magnífico libro “MTV ruled the world: The early years of music video”, Iyall comenta que debido a MTV se
volvieron famosos a nivel nacional (e internacional) y que para ella era sumamente extraño ver a chicos y chicas rubios y bronceados, en las primeras filas de sus conciertos ya que ella era la antítesis de ese grupo de personas.

Muy interesante libro que narra como MTV permitió que grupos como "Romeo void" fueran conocidos mucho más allá de donde surgieron

PD 5: Patti Smith es una Poeta y cantante a quien se le considera la Madrina del Punk, cuyas letras no pocas veces critican severamente algunos aspectos de la sociedad y buscaban darle un papel más digno a la visión femenina del mundo; de ahí la afinidad y admiración de Debora Iyall hacia ella. Al observar las presentaciones de Smith, Iyall también se convenció de que, a pesar de su imagen, le era posible dedicarse en la música, a través del formato “hágalo usted mismo”, sello del movimiento Punk.

PD 6: El video de la canción presenta una versión editada, más corta y que en su momento presentaba un novedoso concepto visual abstracto, influido por la otra pasión de Iyall, las artes visuales.

PD 7: El nombre “Romeo void”, significa literalmente ausencia de un galán, en referencia a un artículo que leyó acerca de la dificultad para las mujeres en San Francisco para establecer relaciones.

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Autor, cantante y guitarrista, el artista canadiense que creó la canción que presentaremos en esta entrega, creció en el campo, lo cual influyó notoriamente en su obra. Su fuerte temperamento y la constante insatisfacción con su entorno, pueden leerse fácilmente en su rostro, por lo que no extraña que frecuentemente, su música haya rondado la protesta, sea sutil o directamente.

Neil Young

Sin embargo la canción de esta semana, en la versión en vivo que presentaremos, es un viaje casi etéreo en el que la evocación que provoca es más bien placentera.

Se trata de “Words (Between the Lines of Age)” del disco “Harvest”,
publicado en 1972, obra de Neil Young.

La letra es en su mayor parte indescifrable, con algunas referencias a escenas
campiranas y un verso interesante que te reta a que intentes su cabal comprensión:

“Thinking your mind / Pensando que tu mente

was my own in a dream, / era la mía en un sueño,

What would you wonder / que imaginarías

And how would it seem?” / Y como sería?”

La música comienza con unos potentes acordes de guitarra que, de a poco, comienzan a seguir el ritmo cansino del bajo y a entrelazarse con el sonido sutil y mágico del pedal de acero (Metal Steel Guitar) y por casi dos minutos y sin que Neil haya comenzado a cantar ya han sentado el carácter melancólico y onírico de la pieza. En adelante, la canción transita entre partes cantadas, en las que la inconfundible voz de Young nos da algún mensaje que solo él entiende cabalmente y partes instrumentales absolutamente soberbias, que hipnotizan a un numeroso público que seguramente tiene una edad promedio a la mitad de la de Young.

En esta versión, salida del Festival Glastonbury 2009, Neil Young, con sus 63 años y sobre todo, usando su sólida y extensa experiencia, nos incita a creer que en estos tiempos, para ser un gran Rockero hay que ser viejo.

Desde la Ciudad más grande del Mundo.

JH

PD: Neil Young, como otros muchos grandes músicos de su generación, se enamoró del Rock’n’roll desde los inicios de su adolescencia a través de escuchar por radio a los grandes de los 50’s: Chuck Berry, Little Richard, Fats Domino, Johnny Cash y por supuesto, Elvis Presley.

PD 2: La carrera de Young, debido a su difícil carácter, se desarrolló entre grupos exitosos y logros solistas. Entre las bandas en las que participó estuvieron: “Buffalo Springfield”, “Crazy Horse” y la más conocida y destacada “Crosby, Stills, Nash & Young”. Y no era extraño que siempre tuviera mucho material grabado y discos inconclusos que podían tardar años en completarse y salir al mercado, esto es, si es que salían.

PD  3: El instrumento que le da un sonido tan especial a esta pieza se llama “Pedal steel guitar” (Guitarra pedal de acero), que es una variante de las guitarras eléctricas, que se toca de forma horizontal y utilizando una pequeña barra de metal (“fret”) para acortar el largo de las cuerdas a lo largo del mástil (o brazo) de la guitarra y lograr los sonidos deseados, en vez de utilizar los dedos. Ben Keith, quien interpreta este instrumento en esta versión, murió en el 2010.

Guitarra de pedales (Pedal Steel Guitar); le da un sonido cadencioso y etéreo a esta canción

PD 4: A pesar de que el grupo “Crosby, Stills, Nash & Young” participó en el legendario festival de “Woodstock” en 1969, Young se rehusó a ser filmado y  a
participar en la parte acústica de la presentación del grupo. Y aun así, es considerado uno de los íconos de la música folk y de la cultura hippie.

PD 5: A la fecha, Young es activista en pro de diversas causas, que van desde la ayuda a niños con discapacidades, hasta temas ambientalistas y apoyo a pequeños granjeros estadounidenses.

PD 6: Miembros de los grupos Nirvana y “Pearl Jam” han comentado acerca de la influencia de Young en su música, lo cual, le dio a Young un nuevo aire e principio de los 90s, llegando incluso a colocar su canción “Rockin’ in the Free World” en el número 2 de las listas y a ganarse el apodo “El padrino del grunge”.

PD 7: La guitarra a la que Young hace cantar en esta canción es una Grestch 6127 “White Falcón”, extremadamente difícil de encontrar.

Young utilizó una Gretsch Stereo White Falcon en su presentación en el Festival de Glastonbury 2009

PD 8: La fuerza de la música de Young es tal y su presencia escénica tan auténtica y feroz, que en el mismo festival de Glastonbury de 2009, después de haber interpretado catorce canciones, enloqueció a la muy joven multitud con “Rockin’ in the Free World”, que en ese momento ya tenía 20 años de haber salido.

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Canciones con letras introspectivas, muchas veces referidas a situaciones deprimentes, envueltas por sonidos  cavernosos  e interpretadas por artistas muy pálidos, de cabellos oscuros y con voces muy graves, seguramente pertenecen al subgénero Goth (o Gótico), que surgió a finales de los 70s en Inglaterra.

Obvios referentes seminales que influenciaron el surgimiento de esta música son: Lou Reed y su grupo “Velvet Underground”, David Bowie (pre 80s), Black Sabbath, Jim Morrison, Alice Cooper  y Leonard Cohen. Mientras que la imagen de los rockeros y fans góticos, está fuertemente influenciada por el romanticismo inglés del siglo XVIII, más precisamente por los géneros literarios Romanticismo Obscuro y Horror Gótico, del cual se toman los elementos de maquillaje y vestuario tan fácilmente identificables.

La portada del 1er disco de "Black Sabbath", de 1970, así como su temática y pesadez, ya apuntaban hacia una estética Goth...10 años antes de su florecimiento

En México, son mejor conocidos como Darketos.

Moda Gótica "Clásica"

Atuendo Gótico o Dark, modernizado

La canción de esta semana es “Bring me to life” del disco del 2003, “Fallen”, del grupo Gótico originario de Little Rock, Arkansas, Evanescence.

Paradójicamente, la letra de esta canción no es obscura, sino que habla de un proceso de toma de conciencia espiritual que contiene claras referencias a imágenes que bien podrían pasar por Cristianas y que hicieron que esta canción fuera catalogada como “Christian Rock”  y fuese fuertemente difundida en
estaciones de radio cristianas (en Estados Unidos):

“Wake me up inside                                                    “Despierta mi interior

Call my Name and save me from the dark”      Dí mi Nombre y sálvame de la oscuridad”

Musicalmente hablando, “Bring me to life” es una pieza no muy rápida en la que predominan la voz de Amy Lee y un sonido de guitarra bastante cercano al Metal. La otra característica que resalta, es el diálogo entre Amy Lee y el vocalista invitado: Paul McCoy edl grupo “12 Stones”.

Desde la Ciudad más grande del Mundo.

JH

PD: Algunos de los más destacados y conocidos representantes del Goth Rock son: “The Cure”, “Siouxie and the Banshees”, “Bauhaus” / Peter Murphy, “The Misson UK”, “The Cult”, “The Sisters of mercy” y “Joy Division”, entre otros.

Siouxie Sioux y Robert Smith ("The Cure") indudablemente influenciaron la moda Dark desde inicios de los 80s

PD 2: “Bring me to life” llevó a “Evanescence” a ser reconocido internacionalmente, logrando colocarse en el Top 10 en más de 20 listas, vendiendo alrededor de un millón de sencillos y 17 millones de copias
del álbum “Fallen”, del cual se desprende.

PD 3: En la Ciudad de México es común encontrar Darketos (seguidores del Rock Gótico) en lugares como el tianguis (mercado de pulgas) del Chopo, en los alrededores de Ciudad Universitaria y en el barrio de Coyoacán y son fácilmente
identificables por su vestimenta totalmente negra, el cabello largo y oscuro y el uso generoso de rímel.

PD 4: Desde 1997 y hasta el 2003, solo dos grupos con cantantes femeninas lograron colocarse tan exitosamente en las listas: “No Doubt” con Gwen Stefani y “Evanescence” con Amy Lee.

PD 5: Existe la opinión de que otra fuerte influencia en la imagen Goth fue el video, entonces vangaurdista, de la canción “Ashes to ashes” de David Bowie

Estos personajes del video "Ashes to ashes" también inspiraron a la moda Goth

PD 6: Como otros movimientos musicales de los 70s y 80s, el Gótico tenía su antro (Club) donde se desarrolló musical y visualmente: El “Batcave” en el Soho Londinense.

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser

En 1973 se forma un grupo, concebido como banda de apoyo para artistas
del área de San Francisco, al que se integraron dos ex miembros del grupo Santana: el guitarrista Neil Schon y el tecladista Gregg Rolie.

Después de algunos años, varios cambios de alineación y una reorientación musical del Jazz-Fusión hacia el Rock Pop, llega al grupo un vocalista que le daría un sello distintivo y junto con él, un gran éxito; su nombre: Steve Perry.

La canción de la semana es “Any way you want it”, sencillo que se desprendió del álbum “Departure”, de la banda “Journey”, en 1980.

La canción surge de la inspiración de Neil Schon y Steve Perry, derivada de unas sesiones informales de composición que hicieron con Phil Lynott, Bajista del grupo irlandés “Thin Lizzy”, durante un receso de una gira conjunta, mientras se encontraban en Miami.

La estructura de la canción se basa en un “diálogo” entre la voz de Perry y la guitarra de Schon, que es una estructura muy recurrida por Lynott en las canciones de “Thin Lizzy”.

La letra es lo suficientemente ambigua como para que cada quien la interprete a su conveniencia y de seguro esta característica le ayudó a ser el primer Top 10
del grupo.

Desde la Ciudad más grande del Mundo.

JH

PD: Parte del encanto y singularidad de la canción es que cuando fue grabada, la parte de los teclados se ejecutó con un instrumento electrónico llamado “Mellotron”, que falló durante la grabación.
Para esconder dichas fallas, se decidió grabarle encima (“dubbing”)  el sonido del órgano Hammond B-3 de Rolie, lo cual, junto con el excelente arreglo vocal de acompañamiento, derivó en un sonido distintivo, optimista.

PD 2: Al poco tiempo del lanzamiento de esta canción, Rolie fue reemplazado por el pianista del grupo “The Babys”, Jonathan Cain, quien contribuyó con sus habilidades de composición a lanzar a “Journey” al superestrellato internacional. En su faceta de compositor, Cain ha generado éxitos para: “Heart”, el supergrupo “Bad English”, Sammy Hagar, Cher, “Loverboy”, Michael Bolton, “The Babys” y otros.

PD 3: Schon se unió al grupo de Carlos Santana cuando tan solo contaba con 17 años de edad, lo cual, dice mucho de su habilidad como guitarrista.

Guitarra Les Paul Custom, color Cherry Sunburst, similar a la utilizada por Schon en esta canción

PD 4: “Journey” ha vendido más de 80 millones de copias de sus discos; su canción “Don´t stop believin” es la canción más vendida en iTunes, lograron 18 sencillos dentro del Top 40 de “Billboard”, de los cuales 6 llegaron al Top 10. Sin embargo, no son los favoritos de la crítica especializada, quienes los consideran demasiado pop.

PD 5: En una guía en internet de cómo divertirse en un Karaoke, se recomienda no escoger canciones de “Journey”, por la dificultad que implica tratar de imitar la voz de Steve Perry.

PD 6: Phil Lynott y su grupo “Thin Lizzy”, fueron los pioneros en el surgimiento de bandas irlandesas con proyección internacional y fuente de inspiración no solo para “Journey” sino también para grupos irlandeses como U2 o “The Corrs”

PD 7: Por su tono festivo, alegre y optimista, esta canción ha sido utilizada en varios comerciales y en películas

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser.