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Little Maggie Robert Plant

“La desventurada vida de Little Maggie y sus tremendos ojos azules, en una canción sacada del baúl de los recuerdos por Robert Plant, en su disco “Lullaby and… The Ceaseless Roar” del 2014

Hola,

Mencionar a Robert Plant nos remite irremediablemente a “Led Zeppelin” y a su vez, “Led Zeppelin” nos refiere al Hard Blues o al Hard Rock de los años 70s del siglo anterior.

Pero en su faceta de solista, Plant suele explorar otros sonidos, aunque nunca muy lejos de las raíces de la música que inspiró a la legendaria Led Zeppelin.

En esta ocasión, les presento “Little Maggie” que es una canción folclórica del área de los Apalaches en los Estados Unidos, que Plant recrea enriqueciéndola con la utilización de instrumentos muy peculiares e incorporándole sonidos contemporáneos.

Gente de los Apalaches

Esta canción se deriva de las tradiciones musicales de la región de los Apalaches, que a su vez llegaron desde la Gran Bretaña con la inmigración en el siglo XVIII

Los inmigrantes Irlandeses, Escoceses, Galeses e Ingleses que llegaron a la región de los Apalaches alrededor del siglo dieciocho, trajeron consigo sus tradiciones, entre ellas la música. Sus canciones normalmente son la narración de episodios de la vida cotidiana, a veces con cierto ritmo bailable, acompañadas por instrumentos como el violín, el banjo, la guitarra y eventualmente un bajo y una armónica.

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Estos son los instrumentos tradicionales de la música Bluegrass. En esta canción Plant cambió algunos con lo que modernizó el sonido, pero sin perder la esencia

En la versión de “Little Maggie” que hace Plant y su banda “The senstional space shifters”, sustituyen al violín con un instrumento tradicional africano conocido como Goje, que es un instrumento de dos cuerdas y en vez de una guitarra, utilizan un instrumento tradicional de  las tribus Sub Saharianas, conocido como Tehardent, que es una especie de guitarra de cuerpo sólido (No hueca) con solo dos cuerdas.

La letra describe la desventura de Maggie, que por relacionarse con hombres malos, al final queda sola.

“Yonder come little Maggie

De lejos vino la pequeña Maggie

With a dram glass in her hand

Con un whiskey en la mano

She’s out running with a no-good

Ella anda en malas compañías

With a no-good, sorry man

Con un malo y lastimoso hombre

Oh, the last time I saw Maggie

Oh, la última vez que vía a Maggie

She was sitting by the sea

Ella estaba sentada en la orilla del mar

With her forty-four around her

Mosrando sus cuarenta y cuatro años

And her banjo on her knee

Y su banjo en la rodilla

En cuanto a la música, la canción comienza con un ritmo claramente bailable en el que destacan la batería, el banjo y la voz de Plant narrando, con una dicción impecable, la historia de Maggie.

A los 38” Plant hace una pequeña pausa y se da un brevísimo pero delicioso solo de banjo; Plant retoma la narración hasta que al 1’16” se da otra parte instrumental, en la que el sonido del Goje le da a la melodía cierto aire de música mediterránea.

Hacia el final de la canción la conjugación sonora del Goje y el Tehardent se complementan con la inclusión de un teclado electrónico que le da una dimensión modernista a la canción, que no deja de ser festiva y bailable.

En esta canción, naturalmente que la voz de Plant ya no es ni tan potente, ni con un rango de notas tan amplio, pero a cambio, el disfrute de lo que está haciendo le da serenidad, un notable dominio escénico y una cierta proyección de optimismo, que valen la pena disfrutar.

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Otro trabajo de Plant en el que experimentó, de manera muy exitosa, con sonidos de otras culturas, fue “No Quarter”, en la que fusionó su música con sonidos tradicionales del norte de Africa.

No Quarter

PD 2: Aunque “Little Maggie” es una canción folclórica de Estados Unidos, sus raíces vienen, como ya mencionamos, de la música tradicional Británica; así que, en esencia, Plant hace un homenaje a sus raíces culturales y a la música que dio paso con el tiempo al surgimiento del Hard Blues, tan representativo del sonido de “Led Zeppelin”.

 

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Mundo Sennheiser

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I found you Alabama Shakes

““Después de tanto esperar, por fin te encontré” y esta canción describe la sensación de plenitud después de tanta espera. Novel propuesta venida del sur en el 2012, contenida en el álbum “Boys and Girls”: “I found you”, Alabama Shakes

Hola,

Hace apenas unos días pude atestiguar, con emoción, las tres nominaciones al Grammy del grupo “Alabama Shakes”, de las cuales ganó dos: Mejor Album de Música Alternativa y Mejor Canción Rock.

“Alabama Shakes” es un grupo de reciente formación, en el 2009, con un sonido limpio, fresco y sobretodo emocional, debido a la inversión sentimental que su cantante, Brittany Howard, le imprime a sus composiciones e interpretaciones, colocándose en el mismo camino afectivo que otras cantantes, como Janis Joplin o Amy Winehouse, siguieron antes.

De su disco debut, “Boys and Girls” en esta ocasión les presento la canción “I found you”, cuya letra trata acerca de lo bien que se siente encontrar a la persona indicada, en contraste con las penalidades de la espera previa.

I remember all the lonely days

Recuerdo todos esos dias solitarios

I traveled out on my own

En los que viaje solo

then you brought me everything

y entonces me trajiste todo

ya made my house a home

e hiciste de mi casa un hogar

if its not the real deal

si esto no es lo máximo

 then i dont know it

entonces no sé qué lo es

cuz it shure does feel, and i think it shure does show

porque se siente y se ve como lo mejor

I remember all them days i waited so patiently

Recuerdo esos días de espera paciente

until God brought someone who’s gonna be good to me

Hasta que Dios me trajo a alguien que será bueno conmigo

and he blessed my Soul…

 Y ese alguien, bendijo mi Alma

 

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Portada de su álbum debut, mismo que alberga a la canción de esta reseña

En cuanto a la música y tomando como referencia una presentación del grupo en la estación KEXP de Seattle; la canción comienza con una suave conversación iniciada por Brittany, su guitarra y la guitarra de Heath Fogg, a la que, a los pocos segundos, se agregan el bajo y los teclados, manteniendo un ritmo suave y una intensidad baja; esta parte se cierra con brevísimo solo del bajo, que da paso a un aumento en la emotividad del coro y que después de unos veinte segundos regresa a un ritmo más cadencioso, repitiéndose el ciclo.

La parte final de la canción va a un ritmo más rápido e intenso, que incluye un solo de los teclados y da paso a una tonadilla alegre entonada por Brittany que le da fin a la canción.

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Guitarra marca Harmony, modelo Rocket, similar a la utilizada por Brittany Howard en el video que incluyo en esta reseña y cuyo sonido vintage se nota en la producción

Escucharla es un ejercicio de relajación y tensión que te deja agitado, pero contento.

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Tuve la gratísima oportunidad de escuchar a “Alabama Shakes” en el Festival Corona Capital del 2012 y pude constatar que sus presentaciones en vivo enriquecen aún más su propuesta.

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Alabama Shakes fue uno de los grupos que se presentaron en el Festival Corona Capital del 2012, que tuvo grandes presentaciones

PD 2: En febrero del 2016, fueron premiados con el Gramy al mejor Album de Música Alternativa, por su segundo disco “Sound & Color”, en el que han evolucionado su sonido

PD 3: Brittany Howard ha mencionado que grupos como “Led Zeppelin” o cantantes como Bon Scott de AC/DC han sido inspiración para su sonido.

PD 4: Las referencias a Dios y al Alma, son un reflejo de la cultura sureña de Estados Unidos en la cual creció Brittany Howard

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Imagen por Carol Foret

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Ashes to ashes David Bowie

“No sé adónde iré después de aquí, pero les prometo que no será aburrido / “I don’t know where I’m going from here, but I promise it won’t be boring.” David Bowie”

Hola,

Hace solo unos días murió el que quizá ha sido el músico más peculiar de las últimas seis décadas: David Bowie. El hecho en sí me trastornó mucho, máxime que en lo personal, también estoy pasando por un trance de salud similar al que él enfrentó al final de su vida.

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Mutar era una característica de Bowie, tanto en su estilo musical, como en su imagen

Pero lo más triste, es saber que el Mundo y la cultura pop han perdido a una persona tan creativa, tan perfeccionista, tan divertida. Afortunadamente, aunque se va el Artista, nos deja su obra.

Allá por los inicios de los años 80s del sigol XX, una muy querida compañera de la Universidad (“Lady Slim” para mantener su anonimato), accedió a prestarme algo de la música que tenía. A diferencia de hoy, en ese entonces eso significaba prestar discos LP de vinyl que eran muy delicados y era una gran responsabilidad recibirlos en préstamo pues podían maltratarse muy fácilmente.

Lady Slim había cursado parte de la preparatoria en Boston, así que la música que trajo de allá era muy diferente a la que podía normalmente conseguirse en México, en aquella época de ostracismo cultural que reinaba en el país.

Entre la música que me prestó, estaba “Scary Monsters” (Monstruos terroríficos), obra de Bowie publicada en 1980.

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Portada del disco “Scary Monsters”, en la que Bowie encarana a otro de sus legendarios alter-ego: Pierrot-Bowie

Escucharlo por primera vez fue un shock. En primer lugar, nunca un disco me había producido emociones tan fuertes como encontradas, ignorarlo era imposible. Al principio me disgustó mucho, me pareció caótico e indigerible. Pensé que era el ejercicio caprichoso e “intelectualoide” de una estrella del rock para justificar su fama de originalidad.

Sin embargo, al terminar de escucharlo me quedó un tenue impulso, inexplicable, para volverlo a oír. Y qué bueno que lo hice, pues cada vez que volvía a escuchar una de sus canciones, iba descubriendo su genialidad, originalidad y sobre todo, su calidad.

Como mucha del resto de la obra de Bowie, su música es un reto. No es fácil de asimilar, es exigente y generalmente no da concesiones, pero a la larga, te convence por ser auténtica y conscientemente cercana a la perfección.

Del “Scary Monsters” tengo que recomendar “Ashes to ashes” / Cenizas a las cenizas.

Esta frase es utilizada frecuentemente en los sepelios, por lo que está asociada a la muerte, a un final y justamente el disco “Scary Monsters”, significó en su momento, el final de una etapa en la carrera artística de Bowie.

Muchas de las frases de la letra tienen un tinte sospechosamente autobiográfico. En particular, a mí me gustan los siguientes versos:

“I never done good things / Nunca hice cosas buenas

I never done bad things / nunca hice cosas malas

I never did anything out of the blue / nunca improvisé”

En general, la canción tiene un tono melancólico. Intentar describir la melodía con palabras sería complicado e inútil; solo me atrevería a decir que es un intrincado conjunto de sonidos que logran el objetivo de transmitir esa sensación de añoranza. . . y desapego.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Estas son algunas de las reseñas que anteriormente he hecho a canciones de David Bowie.

Under Pressure

Thursday Child

Space Oddity

PD 2: David Bowie es uno de los muy pocos músicos que lograron mantenerse en los 5 primeros lugares de las listas, sea con sus álbumes o con sencillos, en 6 décadas diferentes (60s, 70s, 80s, 90s, 00’s y 10’s)

PD 3: Algunas veces, para lograr el sonido que quería para cierto disco, Bowie reclutaba músicos de primer nivel para expresarles sus ideas y pedirles su colaboración; esta fórmula no solo le dio éxito, sino que además, dejó profundas huellas artísticas en los músicos que trabajaron con él (cómo puede constatarse en el muy interesante documental de la cadena británica BBC: “Bowie: 5 years” / Bowie: 5 años). Algunos de esos afortunados músicos fuero: Rick Wakeman (“Yes”), Brian Eno (“Roxy Music” / U2), Luther Vandross, Pete Townshend (“The Who”), Nile Rodgers (Chic, Diana Ross, “INXS”, “Duran Duran”, Madonna), Robert Fripp (“King Crimson”) y varios más.

PD 4: En esta canción se hace una referencia muy directa a un personaje que aparece en el primer gran éxito que tuvo Bowie en su carrera: el astronauta “Major Tom” y a través de la letra y de ciertos rasgos autobiográficos que hay en la misma, podría fácilmente deducirse que Bowie está cerrando un círculo, despidiéndose así de una etapa de su vida y de una parte de su estilo musical.

La letra de la canción comienza así

“Do you remember a guy that’s been / ¿Te acuerdas de un tipo que ha estaso
In such an early song / en una antigua canción?”

Y termina así:

“My mother said to get things done / Mi mmadre dice que para lograr algo
You’d better not mess with Major Tom / no hay que volverse a meter con el Mayor Tom”

En lo que parece un claro mensaje de que a pesar de su gran éxito con música del pasado, hay que dejarla de lado para poder seguir adelante.

Este personaje el Mayor Tom, ha sido referenciado en canciones de otros muchos artistas e incluso tiene una secuela en la canción de 1983 del artista Alemán, Peter Schilling, “Major Tom (Coming home).

PD 5: Gracias Bowie, gracias

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If I go Ella Eyre

“Prometedora carrera musical, que apenas zarpa hacia un destino, aún desconocido; “If I go” nos plantea la tensión interna ante la decisión de pausar una relación. Pop bailable de sólida construcción; Ella Eyre, de su disco del 2015 “Feline

Hola,

En esta ocasión, he decidido reseñar a una muy joven artista, cuyo primer álbum “Feline” fue apenas publicado el 28 de agosto de 2015. Se puede decir que ha arrancado muy bien su profesión, con algunas nominaciones a importantes premios y algunos medianos éxitos allá en el Reino Unido; aunque aún es difícil saber si, en el estado actual de la industria, su carrera musical seguirá creciendo, o no.

Portada del CD "Feline" lanzado en Agosto del 2015 en el que se inclue "If I go" motivo de este texto

Portada del CD “Feline” lanzado en Agosto del 2015 en el que se inclue “If I go” motivo de este texto

Su irrupción en la escena musical Británica se ha visto favorecida por buenas composiciones, un sonido fresco y una voz que está más cercana a la de Amy Winehouse que a la de Adele, pero, con un carisma y una imagen mucho mejor, que la de estas otras cantantes.

La letra, es un intenso cuestionar a la pareja, acerca de la posibilidad de hacer una pausa en la relación, para encontrar un poco de crecimiento personal y sin perder la posibilidad de volver a empezar.

I could play any game for you /

Por tí, jugaría cualqueir juego

I could say anything for you /

Por tí, diría lo que sea

I could lie, I could lie, /

Podría mentir, podría mentir

Cuz you wanted a little more /

Porque tu quieres algo más

And I’m stuck in the middle on /

Y yo estoy atorada

But I try, but I try /

Pero intento, intento

But I need time and I need space /

Pero necesito tiempo y espacio

I need to live without your face /

Necesito poder vivir sin ver tu cara

But if I go will you love me, will you love me until I can? /

Pero si me voy ¿Me amarás, me amarás hasta que yo pueda amarte?

Do you know, will you want me, do you want me like that? /

¡Sabes si me querrás? ¿Me querrás así?

And if I leave, will it end, will you leave me again? /

¿Y si me voy, terminaremos, me volverás a dejar?

If I go, will you love me, will you love when I come back? /

Y si me voy ¿Me amarás, me amarás cuando regrese?

I could be what you want me to /

Puedo ser lo que tú quieras que sea

Do you hold out and let me do what I want /

¿Puedes esperar y dejarme hacer lo que quiero hacer?

What I want, /

Lo que quiero

Tell me how long you could wait ‘til you move on /

Dime cuánto podrías esperar antes de seguir adelante

and tell me that it’s too late, it’s too late /

Y decirme que ya es tarde, demasiado tarde

En cuanto a la música, la canción empieza con un juego de voces por 13”, para enseguida, darle entrada a Ella Eyre quien, por espacio de unos treinta segundos, prácticamente solo habla, si acaso alargando algunas palabras y siendo acompañada por una percusión de sonido muy grave.

Se incorpora entonces un piano, con un ritmo más acelerado, que es el preludio del primer coro en el que ya se oye también el bajo y en el que Eyre, aumenta el volumen de su voz, como para darle más énfasis a su cuestionar.

A partir del 1’06”, la canción entra totalmente en un ritmo bailable que se mantiene hasta una breve pausa hacia el final, en la que solo se escucha a Eyre y al piano, para finalmente, concluir de una forma poco usual con una presencia interesante de las voces corales de fondo.

Presento a continuación tres versiones. La primera, el video oficial, en donde la versión del disco se corresponde con esta reseña y que sin ser una idea original, es una propuesta interesante y bien lograda.

El segundo, es el de una presentación en vivo en Manchester, con motivo de Halloween, en el que el arreglo tiene un sonido un poco más Gospel ya que los coros tienen más peso y el tono en general es mucho más festivo. En esta presentación también puede apreciarse la naturalidad con la que Ella Eyre se desempeña en el escenario.

Guitarra PRS modelo Custom 24 Amber Burst, similar a la utilizada por el guitarrista que acompaña a Eyre en su presentación de Halloween 2014

Guitarra PRS modelo Custom 24 Amber Burst, similar a la utilizada por el guitarrista que acompaña a Eyre en su presentación de Halloween 2014

Finalmente, el tercero es una versión muy austera en el que Ella, un piano eléctrico y un cajón, buscan transmitir el sentimiento subyacente de la canción, que es una mezcla entre un anhelo de libertad, un deseo por continuar y un pedido de comprensión.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Ella Eyre tiene ascendencia Escocesa (su apellido real es McMahon) y Afro-Jamaicana, lo cual se nota en los ritmos y coros de su música y es una combinación que ha tenido éxito en el pasado (Música Británico – Jamaicana), con exponentes como Bob Marley, “Madness”, “The Specials” y otros.

PD 2: Al igual que algunas otras cantantes antes que ella, Ella Eyre ha llamado también la atención por su imagen y su muy particular interpretación de la moda, logrando ya aparecer en algunas portadas de revistas relevantes y representando ya a una importante firma de perfumería.

Antes que ella, fueron referentes músico-visuales, Deborah Harry (del grupo “Blondie” desde los años 70s y hasta hace muy poco en este siglo), Gwen Stefani (vocalista de “No Doubt” entre 1992 y 2012) y por supuesto, Madonna, sobretodo en sus inicios, allá por los años 80 del siglo pasado

PD 3: Parte del éxito de Eyre ha sido su colaboración con otros artistas destacados del momento (“Rudimental” en el muy influyente programa musical de TV “Later! with Jools Holland”, o con “Bastille”, entre otros); su participación en virtualmente todos los festivales importantes en el Reino Unido y su aparición frecuente en especiales de MTV.

La imagen peculiar de Eyre, un poco atípica para el mundo de la moda, le ha ayudado a ser un modelo a seguir por las jovencitas y por ende las grandes marcas se han comenzado a fijar en ellas

La imagen peculiar de Eyre, un poco atípica para el mundo de la moda, le ha ayudado a ser un modelo a seguir por las jovencitas y por ende, las grandes marcas se han comenzado a fijar en ella

PD 4: El hecho de que Ella Eyre participe en la composición de las canciones, contribuye a que su interpretación sea muy natural y creíble, lo que a su vez le permite ser muy natural en su desempeño escénico.

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Lazaretto, Jack White

Hola,

En esta oportunidad, voy a comentar acerca de un músico sumamente prolífico, inquieto y muy versátil. A la fecha de esta publicación, Jack White cuenta con 39 años de edad y 15 de carrera profesional, en la cual, ha incursionado en estilos tan diversos como el Punk, el Blues, el Country, el Pop o el Rockabilly, apoyándose en su habilidad interpretativa y en su preferencia por técnicas tradicionales de producción, que le han permitido generar sonidos muy vanguardistas o totalmente clásicos, que le han valido obtener excelentes críticas, premios y una sólida base de fans.

Jack White en su período azul

Jack White en su período azul

En los años recientes (del 2012, al 2014), White le ha puesto énfasis a su carrera como solista; de su disco “Lazaretto” del 2014, tomo para esta reseña la canción homónima Lazaretto

El tema de la canción es difícil de definir; incluso, durante la investigación para este relato, encontré tres ligeramente diferentes versiones de la letra. A mi parecer, se trata de una muy elaborada crítica en contra del aislamiento que algunos individuos sienten por parte de la sociedad.

Comienza con un bajo muy funky, un tanto distorsionado, al que White se une con una interpretación muy cercana al hip-hop, en la que su voz destaca sobre los instrumentos y el ritmo de su fraseo enfatiza las rimas. Casi a la mitad de la pieza, White le da un giro a la canción introduciendo un solo de guitarra que recuerda un poco a Jimi Hendrix, o, a Prince, o, a Lenny Kravitz.

Telecaster modificada, que incluye un Tremolo, como la utilizada por White en su presentación del 2014 en Glastonbury

Telecaster modificada, que incluye un Tremolo, como la utilizada por White en su presentación del 2014 en Glastonbury

A continuación, llega una pequeña pausa y la melodía se transforma en un hard blues muy, pero muy cercano a “Led Zeppelin”, para luego regresar al ritmo original pero esta vez acompañado de violines y sonidos electrónicos y dando al final, paso a un solo de violín que lleva a la canción a un momento dramático y de ahí a su final.

La versión que presento a continuación y que ha servido para elaborar esta reseña, es la de la muy reciente presentación de White en el super festival Glastonbury 2014, que posiblemente será muy parecida a la que dará en el Festival Corona Capital 2014 en la Ciudad de México.

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Parte de mi interpretación de que la letra habla acerca de la frustración y  el coraje de sentirse desdeñado por lo establecido, viene de frases como:

“I don’t fall down I’m so distraught  /  Yo no caigo, estoy tan molesto

I’m making rocks from the ashes  / que convierto en piedras la ceniza”

 

PD 2: Ya en este mismo espacio en realizado otras reseñas del trabajo de Jack White, una acerca de su retro incursión en el Rockabilly (“Shakin’ al over”) y otra acerca de su estilo minimalista y de sonido analógico  (“Effect and Cause”)

PD 3: A lo largo de toda su carrera, Jack White se ha caracterizado por preferir las técnicas y equipos de grabación tradicionales; el uso de grabadoras de cinta, en vez de una computadora y utilización de equipos “Vintage”, tanto amplificadores, como guitarras; lo cual, junto con su particular técnica de guitarreo, le han dado un sello característico a su música.

PD 4: “Lazzareto” es un anacronismo del idioma inglés que hace referencia al lugar, aislado y muchas veces sucio y descuidado, al que se enviaba a enfermos de Lepra o de la Peste; también se usó para hacer referencia a prisiones militares.

He aquí otra referencia al tema del aislamiento social…

PD 5: Otra característica de White ha sido su constante participación en proyectos con otros músicos, de diversas épocas y géneros. Entre estas colaboraciones se encuentra la que tuvo en el grupo “The dead weather” junto a Alison Mosshart quien es también parte del grupo  “The Kills” (“Baby says”) del cual también hemos platicado aquí.

Otro importante proyecto paralelo a su carrera fue el documental “It might get loud” que White grabó junto a guitarristas icónicos de décadas anteriores: “The Edge” guitarrista de U2 (80’s y 90’s) y Jimmy Page guitarrista de “Led Zeppelin” (60’s y 70’s).

Aquí Jack White compartiendo técnicas y secretos de la guitarra con dos leyendas

Aquí Jack White compartiendo técnicas y secretos de la guitarra con dos leyendas

PD 6: Otro sello característico de White es la asociación de colores con su trabajo musical; rojo y negro en “The white stripes” y ahora, en su producción, videos y gira relacionados con “Lazzareto”, el azul un tanto metálico.

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Portada del disco “Lazaretto” de Jack White, en el que destaca el color azul (al igual que en el escenario de la gira y los videos para su promoción)

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser.

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Animals, GOASTT

Hola,

¿Cómo sonarían “The Beatles” si hubieran continuado juntos y habiendo conocido la música inicial de “Pink Floyd”?

A finales de Marzo de 1967 “The Beatles” y “Pink Floyd” se encontraban grabando, al mismo tiempo, en estudios contiguos en “Abbey Road Studios”. Recuerdo haber escuchado en algún documental, que en una conversación entre Paul McCartney y John Lennon por aquellas épocas, alguno de ellos comentó que la música de “Pink Floyd” era el futuro.

“The ghost of a saber tooth tiger” (Conocidos como GOASTT) es un grupo contemporáneo, fundado en el 2008, cuyos principales integrantes han expresado explícitamente su admiración por la música de “The Beatles” y de “Pink Floyd” de aquellos ya lejanos años 60s del siglo XX.

Los fundadores y miembros principales de GOASTT son: Charlotte Kemp y Sean Lennon.

De su álbum “Midnight Sun” del año 2014, en esta ocasión les platicaré acerca su canción “Animals”

Neo Psicodelia, tema antiguo

Neo Psicodelia, temática antigua

La letra toca principalmente dos temas; en algunas partes describe una especie de escenario postapocalíptico, mientras que en otras secciones, suelta críticas punzantes contra algunas situaciones que se dan en la sociedad actual. Todo con un evidente cariz psicótico muy característico del trabajo de John Lennon, padre de Sean y exintegrante de “The Beatles”.

En cuanto a la música, la canción inicia con unas notas de guitarra entretejidas con el ritmo señalado desde la batería, que después de 15 segundos, dan paso a una parte coral que nos remite irremisiblemente al disco “Abbey Road” de “The Beatles”.

Segundos después, la entrada vocal de Lennon se parece más a los primeros sencillos de “Pink Floyd” que a los éxitos de su propio Padre. A partir de ahí, el bajo interpretado por Kemp, el uso de efectos con las guitarras y algún sonido de un sintetizador, producen una melodía psicodélica actualizada.

Podría decirse que esta canción toma uno de los múltiples senderos que parten del momento en el que terminó “The Beatles” y comenzó “Pink Floyd”.

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Para afianzar el sonido psicodélico del disco “Midnight Sun”, Sean Lennon y Charlotte Kemp se rodearon de equipo “vintage” (auténticamente antiguo); incluso, algunos de los componentes del equipo de grabación habrían pertenecido a John Lennon cuando este grabó su legendario disco “Imagine” en 1971.

Guitarra Fender Jazzmaster 1962, muy similar a la utilizada por Sean Lennon

Guitarra Fender Jazzmaster 1962, muy similar a la utilizada por Sean Lennon

El disco tiene un enorme trabajo de producción y post producción, derivado de la curiosidad sónica, de la necesidad de crear y para alejarse deliberadamente de los sonidos electrónicos y rígidos que dominan la escena musical actual (2014).

Micrófono AEA A440. utilizado por Sean Lennon en la grabación del disco "Midnight Sun"

Micrófono AEA A440. utilizado por Sean Lennon en la grabación del disco “Midnight Sun”

PD 2: Todas las canciones del disco “Midnight Sun” fueron producidas por GOASTT, con la excepción de “Johannesburg”, que fue producida por Mark Ronson, de quien ya hemos reseñado parte de su trabajo (“Bang bang bang”), productor de nueva generación con una  excelente reputación.

PD 3: El video oficial de la canción “Animals” tiene una serie de referencias que, aunque no necesariamente se relacionan con la canción, vale la pena enlistar.

Usa explícitamente el concepto de secta, en la que una pareja dicta las creencias y los rituales de un grupo de jóvenes.

Abunda en imágenes satanistas, de una forma casi caricaturesca, que sin embargo y dados los antecedentes familiares de Sean Lennon, no dudaría en afirmar se incluyen buscando, vanamente, escandalizar. El gorro en forma de pirámide, del disfraz que usa Sean en gran parte del video, es una referencia directa a Alister Crowley.

También utiliza imágenes que buscan recrear el ambiente hippie de finales de los 60s y en más de un momento ocurre una metamorfosis que busca convertir a Sean, en John.

Es innegable cierto parecido entre Sean y su Padre John

Es innegable cierto parecido entre Sean y su Padre John

Contiene un par de escenas que hacen eco a la película “Eyes wide shut” (Ojos bien cerrados) del cineasta de culto Stanley Kubrik.

Y también, tiene un guiño al grupo de Rock Progresivo Británico “Genesis”, con la utilización de máscaras de animales.

Peter Gabriel fue pionero en utilizar disfraces en sus presentaciones en vivo. El video de "Animals" presenta personajes muy similares a este de Gabriel

Peter Gabriel fue pionero en utilizar disfraces en sus presentaciones en vivo. El video de “Animals” presenta personajes muy similares a este de Gabriel

Y por supuesto, no pueden faltar las críticas a la Religión, a la Policía y a la televisión; lo cual es un contrasentido pues, mientras que musicalmente Lennon y Kemp buscaron evitar clichés, estas críticas son lo más trillado de los últimos 40 años.

PD 4: “The ghost of a saber tooth tiger” fue anunciado de último minuto como una de las bandas a presentarse en el Festival Corona Capital de la Ciudad de México, en Octubre de 2014.

PD 5: En una reseña anterior, presenté una canción del grupo “Neon trees”; hasta este momento, la otra canción de este grupo que también tuvo cierto éxito, coincidentalmente se llama “Animals

PD 6: Hay que concederle a Charlotte Kemp que es una buena multi instrumentalista, buena compositora y que tiene a la peor suegra del Mundo: Yoko Ono

 

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Everybody talks, Neon Trees

Hola,

En varias ocasiones, en este mismo espacio, he comentado como en gran medida lo que en sus inicios se llamó Rock’n’Roll y ahora se le conoce genéricamente como Rock (y que agrupa a múltiples sub géneros y estilos), surgió como un medio de expresión de y para jóvenes.

En los extremos de la gama temática del Rock, hay grupos que usaron el género y su música para expresar muy seriamente, inconformidades, rebeldía o frustración y, en el otro límite, bandas que se conciben así mismas como vehículos para entretener, sin ninguna otra pretensión.

Muy cerca de esta frontera en la que la música se conceptualiza como una herramienta solo para  divertir, se encuentra “Neon Trees”, grupo de origen estadounidense que, en su disco “Picture show” del 2012, incluyó el tema “Everybody talks

Everybody talks” es, parafraseando a Paul McCartney , una tonta canción de amor. La letra, gira alrededor de las súplicas de un enamorado a su chica, para que le corresponda a su amor y en la que también expresa su molestia por tener que lidiar con el “qué dirán”.

“Never thought I’d live to see the day        /      Jamás pensé que viviría para ver el día

When everybody’s words got in the way   /      en el que la opinion de todos se interpondría”

La fortaleza de la canción está en su carácter divertido, dinámico y totalmente bailable; ideal para presentarse en vivo en un festival.

Comienza con unas armonías vocales, prácticamente calcadas de las utilizadas por “The Beatles” en la canción “Twist and shouts”, seguidas de un carraspeo por parte del vocalista Tyler Glenn, que es ya un guiño irreverente.

Enseguida y acompañado casi exclusivamente de un sencillo rasgueo de guitarra, Glenn comienza a cantar cansinamente la súplica de aceptación por parte del enamorado a su pretendida; pero, al llegar a la parte del coro, con la inserción enérgica del bajo y una aceleración del ritmo, comienza la diversión. Esporádicas armonías corales y discretas intervenciones de los teclados complementan la melodía.

“Neon Trees” se presentará en la Ciudad de México el Domingo 12 de Octubre de 2014, en la 5ª Edición del Festival Corona Capital.

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Formada en 2005, la banda “Neon Trees” ha trabajado mucho como acto de apertura para grupos como Duran Duran, “The Killers”, “My Chemical Romance”, “The Flamming Lips” (a quienes ya hemos reseñado en este blog), “Maroon 5” y  “Thirty seconds to Mars”; lo cual, le da una sólida experiencia en presentaciones en vivo.

PD 2: La versión oficial del video de “Everybody talks”, presenta dos temas recurrentes en la cultura pop musical: El autocinema (“And we danced” de “The Hooters”, Me quieres cotorrear de Kenny y los Eléctricos) y los zombies (“Mother” de “Blondie” (La cual ya he comentado en este blog), “Dancing with myself” de Billy Idol, “Thirller” Michael Jackson) Tú, ¿Cuáles más recuerdas con estos temas?

PD 3: La version official del video de “Everybody talks” también se caracteriza por presentar coreografías colectivas divertidas

PD 4: Tal y como sucede en varios grupos surgidos en las primeras dos décadas del siglo XXI, en “Neon Trees” colabora una mujer, Elaine Bradley, tocando en la batería. Otros grupos que también tienen integrantes femeninas son: “White stripes”, “Arcade fire” y del siglo pasado “The Pixies”

PD 5: La música de “Neon Trees” se ha clasificado como “New Wave”. Me parece que además del estilo musical y la actitud despreocupada, hasta la imagen nos remite al “New Wave” ochentero de bandas estadounidenses como B-52s.

Neon Trees

incluso la imagen del grupo “Neon Trees” nos remite al “New Wave” de los 80s; similar a la de los “B-52s”

B52s image

“B-52s” Grupo icónico del “New Wave” esatdounidense de los 80s

 

PD 6: Se dice que fue un letrero de la hamburguesería “In-n-Out Burger”, fue el que le inspiró a Tyler Glenn el nombre de la banda

Neon trees sign

Letrero que inspiró el nombre de la banda: “Neon Trees”

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Forever Haim

Hola,

En alguna ocasión, en este mismo espacio, comenté acerca de la importancia que han tenido en el desarrollo de la música pop contemporánea, algunos clubes y centros nocturnos.

Existen otros tipos de eventos que también han sido fundamentales en el crecimiento de algunas bandas y que hoy en día, son fundamentales para darse a conocer o para solidificar el prestigio ya alcanzado; me refiero a los Festivales Musicales

En Octubre 11 y 12 de 2014, se celebrará en la Ciudad de México la 5ª Edición del Festival Corona Capital.

Una de las bandas del excelente lineup que se presentará en el CC este año, es Haim.

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Haim es una banda californiana fresca e ideal para un festival

Haim está formado por las hermanas Danielle (Guitarra principal y voz), Este Haim (Bajo, coros y energía rítmica) y Alana haim (guitarra rítmica, teclados y coros); acompañadas por Dash Hutton en la batería

De su disco homónimo, Haim, del 2013, tomaré para reseñar su primer track “Forever

Forever” es una canción acerca de la posibilidad de reiniciar una relación que ha sido complicada; la letra se balancea entre el reclamo a la pareja y la proposición de volverlo a intentar.

Comienza con una doble secuencia de cuatro golpes de batería que de inmediato atrapan la atención, para enseguida, dar paso a un ritmo irresistible, alegre, energético, llevado por la guitarra de Danielle y diversos sonidos electrónicos del teclado. Estos primeros 20 segundos puramente instrumentales, suenan definitivamente a los 80s.

Gibson SG School of Rock

Gibson SG similar a la utilizada por Danielle Haim

Al entrar la voz de Danielle, la canción se vuelve un poco más funky, definitivamente bailable e irremediablemente te hará sonreír; tiene el espíritu perfecto para participar en un festival, o para animar una fiesta sabatina.

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: De manera muy similar al grupo familiar irlandés “The Corrs” al que ya hemos reseñado con anterioridad en este espacio, Haim comenzó como un grupo familiar en el que las hermanas Haim, junto con sus padres Mordechai y Donna, tocaban covers de música rock de los 70s, en su comunidad en California; música que influencia su estilo actual.

PD 2: La vibra de Haim es ideal para tocar en festivales, ya que transmiten alegría y natural jovialidad. Han participado en importantes festivales como el iTunes Festival en 2012, en Reading Festival en el 2013, Coachella 2014 y tienen dos apariciones consecutivas en el Súper Festival de Glastonbury, en 2013 y en 2014.

Y en Octubre vienen al festival más importante de México, el Corona Capital.

PD 3: Aunque no han logrado colarse en el gusto masivo de la gente, su música ha recibido reconocimientos de la industria con nominaciones en los “MTV Awards”, los “Brit Awards” (Versión inglesa de los “Grammys”), los “World Music Awards” y un par de premios por parte de la BBC y la prestigiosa revista musical “NME”

PD 4: Haim se ha presentado en programas tan populares e importantes como “Saturday Night Live”, “Tonight Show with David Letterman” y el muy prestigioso “Live! With Jools Holland”

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

The Flood Katie Melua

Hola,

Hace poco comenté en este mismo espacio, como la mezcla de culturas enriquece la parte creativa de la producción artística, rompe moldes e incide en la integración global (“Daniel” de “Bat for lashes”).

En esta ocasión, nuevamente haré referencia a una artista bicultural; nacida en Georgia (Entonces parte de la Unión Soviética), pero criada en Irlanda e Inglaterra, se trata de Katie Melua y de su canción “The Flood”,  contenida en el disco “The house”, publicado en mayo del 2010.

Compositora y cantante nacida en Georgia (Ex Unión Soviética) pero criada en el Reino Unido, lo cual le permitió producir esta obra de mezcla cultural

Compositora y cantante nacida en Georgia (Ex Unión Soviética) pero criada en el Reino Unido, lo cual le permitió producir esta obra de mezcla cultural

A propósito del nombre del disco, es interesante notar que, en las dos reseñas previas a esta, hay también una referencia explícita al Hogar:

En “There is a light that never goes out” la letra dice:

“Driving in your car                                    /                       Manejando en tu auto

I never never want to go home               /                       Nunca, nunca quiero ir a casa

Because I haven’t got one anymore”    /                       Porque ya no tengo una

Y en un sentido opuesto, en la canción “Daniel”, se menciona:

“And as my house spun round                /                       Y mientras todo daba vueltas en casa

My dreams pulled me from the ground                       /  Mis sueños me levantaron del piso

Forever to search for the flame              /                       Para por siempre buscar el fuego

For home again”                                          /                       y el Hogar también

En la letra de “The Flood”, también se hace plantea al hogar como el lugar de referencia añorado, por ser símbolo de pertenencia, estabilidad y permanencia; en contraste, como en otros casos, en los que es repudiado, precisamente por carecer de estos atributos:

“Sometimes we’re thrown off our pathways /            A veces nos arrojan fuera de nuestros

senderos

What I thought was my way home        /                       Y lo que pensé era mi camino a casa

Wasn’t the place I know”                          /                       Resultó no ser el lugar que conozco

En las tres canciones se plantea la existencia de un Hogar del que se ha salido y al que se busca regresar, o, del que se quiere escapar; pero que claramente denota una situación de incertidumbre o inestabilidad. Nótese también, que las intérpretes de estas tres canciones son mujeres.

En cuanto a la música, “The Flood” presenta un recurso que a “The Beatles” le funcionó maravillosamente y que consiste en unir dos canciones muy diferentes, haciendo de ellas una sola.

La primera parte, que dura dos minutos, es una melodía ominosa, de cadencia lenta, que enmarca perfectamente los cuestionamientos plasmados en la letra. La impresión general que causa es que Melua está contando una historia que se desarrolla en algún lugar lejano, muy distinto a nuestra cotidianeidad.

Después, justo en 2’03”, el ritmo se acelera, la voz de Melua se suaviza y los sonidos del sintetizador y alguna guitarra nos invitan a danzar; al 3’23” la melodía regresa por unos segundos a la propuesta original, dejándonos una sensación de haber, si no vivido, al menos sí atestiguado una pequeña aventura épica.

Inteligentemente, la carencia de una gran voz, se compensa con una atinadísima utilización de una serie de efectos que le permiten a Melua convencer con su interpretación.

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: El video conceptual que apoya a la canción, fue dirigido por Kevin Godley, quien además de ser uno de los músicos de la banda inglesa 10cc, ha dirigido varios videos para músicos como: “The Police” (“Synchronicity Concert”), U2, Bryan Adams, Sting, Paul McCartney, Blur, Dave Stewart, Phil Collins, “The Beatles” (“Real Love”), James, Eric Clapton, Rod Stewart, “Black Crowes” y Snow Patrol entre muchos otros.

PD 2: Las raíces Georgianas de Katie Melua (cuyo nombre real es Ketevan), provenientes de la frontera entre Europa y el inicio del exótico Oriente, no solo se notan en la melodía de “The Flood”, sino que también en el acento y dicción de su interpretación.

Georgia es prácticamente la frontera entre Europa y el Medio Oriente

Georgia es prácticamente la frontera entre Europa y el Medio Oriente

PD 3: Georgia es un País que adoptó el Cristianismo del siglo IV y Melua, a su llegada al Reino Unido, cuando contaba con solo 9 años de edad, estudió en escuelas Católicas; por lo que está totalmente familiarizada con la historia de Noé y el Diluvio (“The Flood” en Inglés) y probablemente conoce su connotación de purificación y reinicio que se alcance a ver en algunos versos de la canción.

 

Esta pintura de Francis Danby, de 1840, es una interpretación del Diluvio Universal, conocido en Inglés como "The Flood"

Esta pintura de Francis Danby, de 1840, es una interpretación del Diluvio Universal, conocido en Inglés como “The Flood”

PD 4: Una película que ilustra magistralmente el contraste entre el racionalismo de Europa Occidental y el realismo mágico del Medio Oriente, es Drácula de Bram Stoker de 1992.

De manera similar, un libro que también confronta estas realidades distintas es La Historiadora, de Elizabeth Kostova.

 

Libro en el que se describe esa fascinación por el misterioso Oriente

Libro en el que se describe esa fascinación por el misterioso Oriente

The Flood” es otra de esas obras en las que se entrevé esta dualidad cultural.

 

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Daniel Bat for lashes

Hola,

En la historia de la música pop contemporánea, existen varios ejemplos de cómo la exposición a otras culturas ha enriquecido la propia expresión musical.

El nacimiento del Rock’n’roll se debió a la influencia mutua entre la música country (originada en la música folk europea) y el blues (de origen eventualmente africano).

Más adelante, en los años 60s del siglo pasado, la incursión del grupo británico “The Beatles” en la cultura de la India, fue fundamental para la aparición de la múscia psicodélica.

En esta ocasión, voy a comentar acerca de una canción cuya composición e interpretación corre a cargo de una artista de ascendencia mixta, Pakistaní-Británica.

Se trata de Natasha Khan, cuyo nobre artístico es “Bat for lashes” y su canción Daniel, surgida del álbum “Two suns” en 2009.

En cuanto a la letra, Natasha Khan plasmó una muy común historia de amor adolescente, pero hacia el final, incluye una visión onírica bastante interesante:

“And as my house spun round                         /           Y mientras mi casa giraba

My dreams pulled me from the ground        /           Mis sueños me arrancaron del suelo

Forever to search for the flame                        /           Para buscar el fuego por siempre

For home again                                                     /           (Para buscar) de nuevo el hogar

For home again”                                                    /           (Para buscar) de nuevo el hogar

Musicalmente, tiene varios aspectos a notar; primero, aunque incluye un bajo, que le da un ritmo muy bailable, este está pregrabado; las percusiones incluyen un timbal que le aporta un cierto aire de solemnidad y en algún punto, los teclados, simulando instrumentos de cuerda, producen un sonido que nos remite a la música de oriente.

El sonido grave y prolongado de este instrumento le da cierto aire de solemnidad a esta canción

El sonido grave y prolongado de este instrumento le da cierto aire de solemnidad a esta canción

Lo más destacable y disfrutable de esta canción es el manejo discreto y efectivo de la voz principal y los coros; todas voces femeninas.

Presento dos versiones, una en el excelente programa “Later! With Jools Holland” y otra en el prestigioso festival de Glastonbury en el año 2009.

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: La parte del bajo de esta canción, en la grabación original y la que se usa grabada en las presentaciones en vivo, la realizó Wolf Tuton, del interesante grupo “Yeasaer”. El resto de la composición e interpretación de los demás instrumentos la realizó la misma Natasha Khan.

Guitarra Gibson, modelo Firebird, similar a la utilizada por la guitarrista mostrada en los videos

Guitarra Gibson, modelo Firebird, similar a la utilizada por la guitarrista mostrada en los videos

PD 2: La portada del sencillo presenta a Natasha Khan caminando en una playa, de espaldas, mostrando un tatuaje gigante del actor Daniel Larusso (personificando su papel protagónico de la película “The Karate Kid”); quizá haya sido este actor quien inspiró su amor adolescente para componer esta canción.

Portada del sencillo Daniel, en el que se aprecia una imagen del actor Daniel LaRusso, probable inspirador de la letra

Portada del sencillo Daniel, en el que se aprecia una imagen del actor Daniel LaRusso, probable inspirador de la letra

Daniel LaRusso, en el papel protagónico de la película "The Karate Kid" de 1984

Daniel LaRusso, en el papel protagónico de la película “The Karate Kid” de 1984

PD 3: En su manejo vocal, esta canción nos remite al sonido del grupo “October Project”, al cual hemos ya reseñado aquí.

PD 4: en abril del 2009, Natasha fue al desierto “Joshua tree” para encontrar inspiración para su disco “Two suns”; es este mismo lugar el que sirvió de inspiración para uno de los mejores discos de la banda irlandesa, U2, su extraordinario “The Joshua tree”.

Imágenes como esta, del desierto "Joshua Tree" inspiraron a Kahn para las canciones de su disco "Two suns"

Imágenes como esta, del desierto “Joshua Tree” inspiraron a Kahn para las canciones de su disco “Two suns”

PD 5: Tanto la canción, como su video y el álbum, obtuvieron nominaciones en premios tan importantes como el “Mercury” y el “MTV VMA”

PD 6: “To bat your lashes” es una expresión muy antigua que significa coquetear moviendo las pestañas (En México diríamos “hacer ojitos”)

 

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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