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Ashes to ashes David Bowie

“No sé adónde iré después de aquí, pero les prometo que no será aburrido / “I don’t know where I’m going from here, but I promise it won’t be boring.” David Bowie”

Hola,

Hace solo unos días murió el que quizá ha sido el músico más peculiar de las últimas seis décadas: David Bowie. El hecho en sí me trastornó mucho, máxime que en lo personal, también estoy pasando por un trance de salud similar al que él enfrentó al final de su vida.

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Mutar era una característica de Bowie, tanto en su estilo musical, como en su imagen

Pero lo más triste, es saber que el Mundo y la cultura pop han perdido a una persona tan creativa, tan perfeccionista, tan divertida. Afortunadamente, aunque se va el Artista, nos deja su obra.

Allá por los inicios de los años 80s del sigol XX, una muy querida compañera de la Universidad (“Lady Slim” para mantener su anonimato), accedió a prestarme algo de la música que tenía. A diferencia de hoy, en ese entonces eso significaba prestar discos LP de vinyl que eran muy delicados y era una gran responsabilidad recibirlos en préstamo pues podían maltratarse muy fácilmente.

Lady Slim había cursado parte de la preparatoria en Boston, así que la música que trajo de allá era muy diferente a la que podía normalmente conseguirse en México, en aquella época de ostracismo cultural que reinaba en el país.

Entre la música que me prestó, estaba “Scary Monsters” (Monstruos terroríficos), obra de Bowie publicada en 1980.

Scary Monsters Cover

Portada del disco “Scary Monsters”, en la que Bowie encarana a otro de sus legendarios alter-ego: Pierrot-Bowie

Escucharlo por primera vez fue un shock. En primer lugar, nunca un disco me había producido emociones tan fuertes como encontradas, ignorarlo era imposible. Al principio me disgustó mucho, me pareció caótico e indigerible. Pensé que era el ejercicio caprichoso e “intelectualoide” de una estrella del rock para justificar su fama de originalidad.

Sin embargo, al terminar de escucharlo me quedó un tenue impulso, inexplicable, para volverlo a oír. Y qué bueno que lo hice, pues cada vez que volvía a escuchar una de sus canciones, iba descubriendo su genialidad, originalidad y sobre todo, su calidad.

Como mucha del resto de la obra de Bowie, su música es un reto. No es fácil de asimilar, es exigente y generalmente no da concesiones, pero a la larga, te convence por ser auténtica y conscientemente cercana a la perfección.

Del “Scary Monsters” tengo que recomendar “Ashes to ashes” / Cenizas a las cenizas.

Esta frase es utilizada frecuentemente en los sepelios, por lo que está asociada a la muerte, a un final y justamente el disco “Scary Monsters”, significó en su momento, el final de una etapa en la carrera artística de Bowie.

Muchas de las frases de la letra tienen un tinte sospechosamente autobiográfico. En particular, a mí me gustan los siguientes versos:

“I never done good things / Nunca hice cosas buenas

I never done bad things / nunca hice cosas malas

I never did anything out of the blue / nunca improvisé”

En general, la canción tiene un tono melancólico. Intentar describir la melodía con palabras sería complicado e inútil; solo me atrevería a decir que es un intrincado conjunto de sonidos que logran el objetivo de transmitir esa sensación de añoranza. . . y desapego.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Estas son algunas de las reseñas que anteriormente he hecho a canciones de David Bowie.

Under Pressure

Thursday Child

Space Oddity

PD 2: David Bowie es uno de los muy pocos músicos que lograron mantenerse en los 5 primeros lugares de las listas, sea con sus álbumes o con sencillos, en 6 décadas diferentes (60s, 70s, 80s, 90s, 00’s y 10’s)

PD 3: Algunas veces, para lograr el sonido que quería para cierto disco, Bowie reclutaba músicos de primer nivel para expresarles sus ideas y pedirles su colaboración; esta fórmula no solo le dio éxito, sino que además, dejó profundas huellas artísticas en los músicos que trabajaron con él (cómo puede constatarse en el muy interesante documental de la cadena británica BBC: “Bowie: 5 years” / Bowie: 5 años). Algunos de esos afortunados músicos fuero: Rick Wakeman (“Yes”), Brian Eno (“Roxy Music” / U2), Luther Vandross, Pete Townshend (“The Who”), Nile Rodgers (Chic, Diana Ross, “INXS”, “Duran Duran”, Madonna), Robert Fripp (“King Crimson”) y varios más.

PD 4: En esta canción se hace una referencia muy directa a un personaje que aparece en el primer gran éxito que tuvo Bowie en su carrera: el astronauta “Major Tom” y a través de la letra y de ciertos rasgos autobiográficos que hay en la misma, podría fácilmente deducirse que Bowie está cerrando un círculo, despidiéndose así de una etapa de su vida y de una parte de su estilo musical.

La letra de la canción comienza así

“Do you remember a guy that’s been / ¿Te acuerdas de un tipo que ha estaso
In such an early song / en una antigua canción?”

Y termina así:

“My mother said to get things done / Mi mmadre dice que para lograr algo
You’d better not mess with Major Tom / no hay que volverse a meter con el Mayor Tom”

En lo que parece un claro mensaje de que a pesar de su gran éxito con música del pasado, hay que dejarla de lado para poder seguir adelante.

Este personaje el Mayor Tom, ha sido referenciado en canciones de otros muchos artistas e incluso tiene una secuela en la canción de 1983 del artista Alemán, Peter Schilling, “Major Tom (Coming home).

PD 5: Gracias Bowie, gracias

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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See me, feel me The Who

“Descubrimiento espiritual desembocado en una introspección profunda, que se desnuda bajo un formato de ópera rock, de nombre “Tommy”; obra clave de “The Who” de 1969, que les dió prominencia y permanencia y de la cual se deriva “See me, feel me””

Hola,

Desde 1966, en el auge de su éxito como parte de la ola musical inglesa prevaleciente en la época, Pete Townshend, líder del grupo Británico “The Who”, buscaba trascender artísticamente e ir más allá de los éxitos Pop.

La conjugación de su mente creativa y el encuentro con la propuesta espiritual de un Religioso Indio de nombre Meher Baba, le dieron a Townshend la base de inspiración para dar ese salto de calidad que él ansiaba.

Su idea fue tratar de transmitir las ideas religiosas de Meher Baba, a través de la historia de un personaje ficticio de nombre Tommy. En el camino, buena parte de la obra fue un ejercicio catártico en el que Towsnend reconoció y liberó a sus propios demonios, tocando temas tan fuertes como el abuso sexual infantil y el bullying.

El personaje central, Tommy, es ciego, sordo y mudo, en lo que parece ser una metáfora, derivada de las ideas de Meher Baba, de que los hombres vivimos en una muy limitada ilusión (Canción “Amazing journey”) que nos impide experimentar (ver, escuchar y participar) una realidad superior y no es hasta que rompemos la imagen que tenemos de nosotros mismos (Canciones “Smash the mirror” y “Sensation”) , que podemos acceder a esa realidad superior.

Lo ideal sería reseñar aquí todo el álbum, pues se trata de una obra conceptual en la que todas las canciones narran secuencialmente la historia de Tommy; pero para ello, mejor recomiendo el fantástico documental “Sensation: The Story of the Who’s Tommy” (Sensación: La historia de Tommy por “The Who”). A cambio, comentaré dos canciones de la obra.

Fantástico documental en el que los principales creadores de

Fantástico documental en el que los principales creadores de “Tommy” narran su proceso de génesis

La primera, See me, feel me parece describir un encuentro de iniciación con un Maestro, de acuerdo a las creencias de ciertas corrientes filo-religiosas de oriente; la letra menciona:

“Listening to you, I get the music               /          Escuchándote, entiendo la música

Gazing at you, I get the heat                         /          Mirándote, siento el calor

Following you, I climb the mountain        /          Siguiéndote, subo montañas

I get excitement at your feet                         /          Siento un éxtasis a tus pies

Right behind you, I see the millions          /          Justo detrás de tí, hay millones

On you, I see the glory                                    /          En tí, veo la Gloria

From you, I get opinion                                  /          De tí, obtengo una opinión

From you, I get the story                               /          De tí, entiendo de lo que se trata”

Claramente puede notarse, que esta parte de la canción es prácticamente una Oración, que a la vez alaba y agradece.

La música tiene dos partes totalmente identificables; la primera, en la que es sumamente prominente la (magnifica) voz de Roger Daltrey y el toque dramático lo da Keith Moon con el uso de platillos y redobles de tambor, con la guitarra y el bajo como mero  acompañamiento. Esta primera parte, lenta y tranquila, transmite la idea de una petición, pero sin desesperación, ni frustración y justo cuando se da la comunión deseada, la música se vuelve más intensa y Townshend acompaña en las voces a Daltrey y los cuatro, van de forma espiral ascendente, hacia un éxtasis musical que se repite varias veces hasta el final…es conocido que durante la interpretación de esta canción, en el mítico festival de Woodstock en 1969, comenzó a salir el sol del amanecer, dándole a la canción una dimensión extra que quizá ninguna otra presentación haya tenido.

La otra canción a mencionar aquí es “Tommy can you hear me?” (Tommy ¿Puedes oírme). La letra, desde mi punto de vista, puede tener dos lecturas distintas pero relacionadas; la primera tiene que ver con la historia de la obra, en la que Tommy por fin sale de su aislamiento sensorial y sus padres, al darse cuenta de ello, tratan de comunicarse con él. La segunda interpretación tiene que ver con la época en la que se escribió esta canción, tiempos en los que, dadas las circunstancias peculiares de ese momento, había una marcadísima y no pocas veces violenta, brecha generacional, por la que los adultos no podían comunicarse con los jóvenes, que estaban viviendo en un mundo totalmente nuevo y ajeno para las generaciones previas:

“(Father):                                              /                 (El Papá dice):

Tommy can you hear me?             /                 Tommy ¿Puedes oírrme?

Can you feel me near you?            /                 ¿Puedes sentir mi cercanía?

(Mother):                                              /                 (La Mamá dice):

Tommy can you see me?                /                 Tommy ¿Puede verme?

Can I help to cheer you.                  /                 ¿Puedo ayudar a alegrarte?

La música, paradójicamente, es alegre y transmite un sentimiento de esperanza . . . la comunicación es posible . . . en el video se aprecia la completa satisfacción que ejecutar esta obra le producía a los miembros del grupo y es esta vibra la que le llegó en su momento a millones de jóvenes.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: El álbum “Tommy” fue etiquetado, desde antes de su publicación, como la primera Ópera Rock. Si nos atenemos a la definición de ópera, parece que “Tommy” cumple con prácticamente todos los elementos:

Ópera (del italiano opera, ‘obra musical’) designa, desde aproximadamente el año 1650, un género de música teatral en el que una acción escénica es armonizada, cantada y tiene acompañamiento instrumental. Las representaciones son ofrecidas típicamente en teatros de ópera, acompañados por una orquesta o una agrupación musical menor. Forma parte de la tradición de la música clásica europea u occidental”

Lo realmente destacable es que las 24 canciones del disco “Tommy”, pueden escucharse como una sola obra, o, pueden disfrutarse de manera individual.

La portada del LP es una obra de Mike McInnerney seguidor de Meher Baba, que busca también transmitir visualmente las ideas de su Maestro, plasmadas en el disco

La portada del LP es una obra de Mike McInnerney seguidor de Meher Baba, que busca también transmitir, visualmente, las ideas de su Maestro plasmadas en el disco

PD 2: Adicionalmente a crear 24 canciones que narraran una historia, Pete Townshend cuidó que cualquiera de ellas pudiera ejecutarse en vivo, siguiendo deliberada y arriesgadamente, un camino opuesto a lo que “The Beatles” y “The Beach Boys” estaban haciendo en aquella época. Esto le permitió a “The Who” presentar la obra en muchos y diversos escenarios y trascender a súper estrellas internacionales de Rock, a partir de sus presentaciones en el Teatro Metropolitano de Opera de Nueva York y sobretodo, en el Festival Woodstock.

PD 3: “The Who” contó con un puñado de talentos excepcionales que le hacen ser una de las bandas de música rock más importantes de la historia. Townshend es un escritor fuera de serie y un guitarrista espectacular; Keith Moon tenía un estilo interpretativo único que no solo destacaba por su teatralidad, sino que también por su capacidad de transmitir emociones. Daltrey logró transformarse y superarse hasta ser el vocalista ícono de los 70s y John Entwistle fue un bajista que supo no desentonar con toda esa energía y talento que le rodeaban.

En la alineación original de

En la alineación original de “The Who” había mucho talento.                   Imagen por J Saurer

PD 4: “Tommy” tuvo tal impacto que fue hecho película y años más tarde obra de teatro musical. Las tres versiones fueron sumamente exitosas, tanto comercial como artistícamente.

Recuerdo que en México, en aquel entonces todavía impregnado de forma importante por los conflictos derivados de la brecha generacional y aún bastante aislado culturalmente del resto del mundo, el estreno de la películad “Tommy” fue un evento que causó furor entre los adolescentes y jóvenes de la época, así como algún resquemor por parte de la generación mayor.

En la película, algunos de los personajes fueron encarnados por Elton John, Tina Turner, Eric Clapton y Jack Nicholson. El papel de Tommy lo tuvo Roger Daltrey.

Poster promocional de la película

Poster promocional de la película

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Time of the season The Zombies

“Viaje directo al centro conceptual del Verano del Amor, a través de una composición pop-sicodélica de estructura inusual que ha resistido la prueba del tiempo y que es obra del grupo británico “The Zombies”, incluida en su disco “Odessey and Oracle” de 1967, “Time of the season”.

Hola,

Ya en alguna ocasión anterior he comentado en este espacio (ver la reseña: “White Rabbit Jefferson Airplane”) acerca de lo que fue el Verano del Amor (Verano de 1967) y la tremenda influencia que ejerció sobre la cultura pop, la música incluida, por al menos 10 o 12 de los años subsecuentes.

Esencialmente, el Verano del Amor fue el surgimiento, casi espontáneo y simultáneo, del movimiento “Hippie” en Estados Unidos, Canadá y Europa y luego, en el resto del Mundo. Un componente omnipresente en la cultura “Hippie” es concepto del Amor, entendido sea como igualdad, como relación libre de ataduras convencionales (Amor Libre), como simplificación de vida (austeridad, naturalismo) y marcadamente como revolución sexual.

La letra de “The time of the season” es bastante explícita al respecto:

“It’s the time of the season                        /                Ese el momento de la temporada

When love runs high                                   /                cuando el amor está intenso

In this time, give it to me easy                  /                En este momento, ponmelo fácil

And let me try with pleasured hands      /                Y déjame intentar con manos placenteras”

Algunos de los versos se desarrollan en forma de diálogo (con temática un tanto bizarra para la época “hippie”).

La austeridad artística en la letra, se compensa con un interesante desarrollo de la música. Entre los detalles que contiene está la utilización de aplausos y de exhalaciones bucales, para adornar el ritmo marcado por el bajo.

Pero, lo que realmente distingue a esta canción son sus solos de teclado, que tienen una cierta similitud con la improvisación jazzística, que le dan personalidad, la separan del un tanto banal mensaje y que además, le han ayudado a pasar la prueba del tiempo.

No estoy seguro de que el video que les presento a continuación sea el original que promocionaba a esta canción, pero, sí ilustra bastante bien varios aspectos de la vida juvenil de finales de los años 60s del siglo XX.

 

 

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: La base rítmica de “Time of the season” ejecutada por el bajo, es muy similar a la de un clásico de la música popular de la segunda mitad del siglo XX: “Stand by me”; en la que solo se sustituye el güiro por unas exhalaciones vocales, logrando un sonido más sofisticado.

PD 2: La portada de “Odessey and Oracle” fue diseñada por Terry Quirk, un artista plástico que fue compañero de cuarto de Rod Argent (El compositor de la canción). Llena de colores, formas distorsionadas y en formato collage, esta portada es un fiel reflejo del gusto estético de la época.

 

Portada del LP por Terry Quirk

Portada del LP por Terry Quirk

Contiene un error ortográfico (que por algún tiempo se dijo era intencional, un juego de palabras) ¿Puedes distinguir cuál es?

PD 3: “Time of the season” ha sido utilizada recientemente por el músico Eminem en su canción “Rhyme and reason”, en la que replanteó los cuestionamientos de la letra original, trayéndolos a un entorno más contemporáneo y muy, muy lejano al “Verano del Amor”. Rod Argent, fundador de “The Zombies” y compositor de “Time of the season”, ha declarado que el ejercicio le ha parecido, divertido.

PD 4: Grabado en los estudios “Abbey Road”, Argent ha comentado que aunque no les tocó convivir con “The Beatles” cuando grabaron “Oddesey and Oracle”, sí hubo algo de influencia indirecta pues utilizaron, sin pedirpermiso, el “Mellotron” de John Lennon.

Teclado "Mellotron" de John Lennon, utilizado subrepticiamente en la grabación de "Time of the season"

Teclado “Mellotron” de John Lennon, utilizado subrepticiamente en la grabación de “Time of the season”, instrumento del cual salió su sonido distintivo

PD 5: En 1971, “The Doors” presentaría otra canción en la que los teclados tienen un papel preponderante: “Riders on the storm

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Revolution The Beatles

Hola,

Cuando se trata de Política (bajo cualquiera de sus disfraces), nada es lo que parece y sobretodo, nunca es espontánea e inocente, especialmente si aparenta serlo.

En una época en la que la efervescencia política y el conflicto ideológico estaban en su apogeo, durante los años 60’s, nadie expuso de mejor manera esta realidad que “The Beatles”.

“You say you want a revolution                            /    Dices que quieres una revolución

Well you know                                                           /    Bueno ¿Sabes?

We’d all want to change the world                      /    Todos queremos cambiar al Mundo

You tell me that it’s evolution                               /    Tú dices que es evolución

Well you know                                                           /    Bueno ¿Sabes?

We’d all want to change the world                      /    Todos queremos cambiar al Mundo

But when you talk about destruction                 /    Pero cuando hablas acerca de destrucción

Don’t you know that you can count me out     /    ¿Sabes? No cuentes conmigo

Don’t you know it’s gonna be alright                 /    ¿No sabes que todo estará bien?

 

You say you got a real solution                             /    Dices que tienes la solución real

Well you know                                                           /    ¿Sabes?

We’d all want to see the plan                                /    Nos gustaría ver el plan

You ask me for a contribution                              /    Me pides que participe

Well you know                                                           /    ¿Sabes?

We’re all doing what we can                                  /    Todos estamos haciendo lo que podemos

But if you want money for people with minds that hate

/ Pero si quieres dinero para la gente con mentes que odian

 

All I can tell you is brother you’ll have to wait      /       Lo único que puedo decirte, hermano, es que tendrás que esperar

Don’t you know it’s gonna be alright                 /    ¿No sabes que todo estará bien?

 

You say you’ll change the Constitution             /    Dices que cambiarás la Constitución

Well you know                                                           /    Pero ¿Sabes?

We’d all love to change your head                      /    Nos encantaría convencerte

You tell me it’s the institution                              /    Me dices que son las Instituciones

Well you know                                                           /    Bueno ¿Sabes?

You better free your mind instead                      /    Mejor libera tu Mente

But if you go carrying pictures of Chairman Mao

/    Pero si vas por ahí con fotos de Mao

You ain’t going to make it with anyone anyhow

/    De todas maneras no convencerás a muchos

Don’t you know know it’s gonna be alright     /    ¿No sabes que todo estará bien?

Alright                                                                           /    ¡Irá bien!

 

Así rezaRevolution” en su versión sencillo, lanzada en Agosto de 1968.

Musicalmente hablando, esta es una de sus canciones más rockeras; comienza con un riff de guitarra muy similar a los de Chuck Berry (Rocanrolero de los 50s, ídolo de “The Beatles” a quien ya he reseñado) ejecutado por John Lennon, seguido de un alarido.

Guitarra marca Epiphone, semi acústica, modelo Casino, similar a la utilizada por Lennon en esta canción

Guitarra marca Epiphone, semi acústica, modelo Casino, similar a la utilizada por Lennon en esta canción

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Un ritmo de Blues acelerado se mantiene a lo largo de toda la canción excepto por  un solo de piano eléctrico (en vez del clásico de guitarra)

Para una pieza de este tipo, lo más adecuado es la voz burda de Lennon, a la que en alguna versión, se le añaden pequeños coros de Paul y George.

En suma, es una canción efectiva, simple, directa y sobretodo, atemporal, sobre todo en lo que al mensaje se refiere.

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Esta canción fue escrita por Lennon, quien, a pesar de su naturaleza rebelde, entendió muy bien que las ideologías no logran la Paz, ya que ésta solo puede proceder de nuestras mentes.

PD 2: Existen varias versiones de esta canción: “Revolution 1” de ritmo Blues, publicada en el álbum (Beatles o “Album Blanco”) y otra para el sencillo (Lado B a “Hey Jude”), que es la que aquí reseño. Y “Revolution 9” que es más bien un remake experimental confeccionado con sobras de otras grabaciones. Hay también algunos covers como el ochentero de  “Thompson Twins” en el que participa el excelente guitarrista Steve Stevens, o el del 2001 por parte de “Stone Temple Pilots”, estrenada en un evento para recabar fondos para las víctimas de los ataques de Septiembre 11 a N.Y.

PD 3: En la grabación de “Revolution” Nicky Hopkins participó tocando el piano eléctrico, Hopkins trabajó como músico de estudio para  “The Rolling Stones”, “Led Zeppelin”, “The Kinks”, “The Who” y muchos, muchos más.

PD 4: La mención a la foto de Mao que está en la letra, puede entenderse también como una alusión a todo el lenguaje, parafernalia e imágenes, relacionadas con la violencia, utilizadas por activistas ideológicos: “Lucha”, “Brigadas”, el puño cerrado, el color rojo (sangre), “comités de defensa”, “comandante”, “infiltrados”, “Frente (de guerra)”, “vanguardia/retaguardia (términos militares)”, “Complot”, “militante” y por supuesto, “Revolución”

La canción hace una referencia a los símbolos de adoctrinamiento (y violentos) de algunas ideologías

La canción hace una referencia a los símbolos de adoctrinamiento (y violentos) de algunas ideologías

 

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I got you (I feel good), James Brown

Hola,

En más de una ocasión, diversos compositores han expresado algún estado de ánimo de manera muy explícita en alguna canción. En este espacio hemos hablado de “Rainy days and Mondays” que habla acerca de la depresión, de “Overkill” relativa a la ansiedad, de “Pressure” y “Under pressure” referentes al estrés y de manera reciente, reseñé “Feeling good”, que habla de la alegría.

Ahora es el turno de “I Got You (I Feel Good)” escrita por James Brown y lanzada en 1965.

James Brown cartoon

James Brown, quien indudablemente contribuyó a incluir otros elementos a las presentaciones en vivo, además de la música.
Aquí en una caricatura realizada por Don Howard

Esta pieza describe como el lograr una relación amorosa, nos hace sentir bien, muy bien; pero en este caso, a diferencia de la versión de Nina Simone a la canción “Feeling good”, la música sí transmite la sensación de euforia; es más, te hace querer bailar.

Esta canción es un excelente ejemplo de lo que es una pieza del género Funk; que consiste, básicamente, en un ritmo algo rápido y arreglos complejos, acompañados de una sólida sección de metales (Trompeta, saxofones y trombón), derivado de la música Soul (de ritmo más lento). Ambos géneros provenientes de la cultura afroamericana de los años 50s / 60s del siglo XX.

Comienza con ¡Guaaaaaaaa!, grito que fue muchas veces retomado en diversas canciones de la escena rock y que denota, de entrada, un estado de euforia. Inmediatamente después, Brown declara: Me siento bien (“I feel good”) y comienza una sucesión de notas del bajo, 7 a una velocidad y apoyadas con los metales, intercaladas con 6 un poco más lentas, que se encargan de llevar un ritmo a dos tiempos; a las que luego se incorpora una discreta guitarra rítmica y algunos teclados.

Pasados 41 segundos, entra un breve solo de saxofón, acompañado únicamente por la batería, que definitivamente invita a bailar, para luego, dar paso a un ritmo definitivamente funky (Más rápido) y en seguida, regresar a la melodía inicial 7 x 6; el ciclo se repite una vez más hasta llegar a la parte final.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Unos 17 años antes de la euforia por Michael Jackson y su disco Thriller, este era James Brown y su “I got you (I feel good)” con todo y pasitos de baile menos prefabricados, pero no por eso menos intensos.

PD 2: La versión original era de 1964, pero debido a una disputa legal con la casa discográfica, tuvo que ser regrabada en 1965 con un arreglo distinto, que incluye más instrumentos. Esta grabación, que es la que le dio mucho éxito a Brown, se efectuó en los estudios de grabación “Criteria” en Miami; mismos que años después se utilizarían por la banda “Derek and the Dominos” (En realidad Eric Clapton) para grabar la inomrtal “Layla” y más adelante por el grupo “The Eagles” para grabar el legendario disco Hotel California.

Criteria Studios

Estudios “Criteria” en Miami; lugar de grabación en el que han trabajado grandes exponentes de la música pop moderna

PD 3: Por su carácter alegre y explosivo esta canción se ha tilizado mucho en el cine y la televisión; desde su primera aparición en la película “Ski party” en 1965, hasta una de las más recientes en “Transformers” del 2007.

Ski party poster

Poster de la película “Ski party”, una de varias del subgénero “Beach party” que consistía en películas de aventuras juveniles que incluían romance, bailes y presentaciones de artistas musicales

También ha aparecido en múltiples ocasiones como fondo musical de comerciales de televisión; que fue como yo conocí esta canción allá por los años 80s.

PD 4: “I Got You (I Feel Good)” aparece en muchas de las listas compilatorias de las mejores canciones de revistas como “Rolling Stone” o de canales de música como VH1

VH1 100 greates R'n'R songs

“I got you (I feel good)” aparece en muchas listas de lo mejor de la música contemporánea; esta es una de ellas y está en el lugar 21

PD 5: En su grabación intervinieron: cuatro trompetistas, cinco saxofonistas, solo dos guitarras, un bajo y la batería; además de la voz de Brown. Este sonido lleno de instrumentos de viento, pone a “I Got You (I Feel Good)” entre el sonido de las grandes bandas y el de la música Funky de los años 60s y 70s del siglo pasado.

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Spirit in the Sky, Norman Greenbaum

Hola,

A finales de los 60’s, con el movimiento Hippie en su apogeo y la psicodelia dominando algo más que la escena musical, una canción que te invita a vivir una vida de acuerdo a las enseñanzas de Jesús era poco probable…pero existió

Escrita e interpretada por el mundialmente desconocido Norman Greenbaum, esta canción lo convirtió en un “One hit wonder” allá por 1969.

“Spirit in the Sky”, aparecida en su álbum homónimo, comienza con un riff de guitarra y teclados distorsionados y con eco que la hacen definitivamente psicodélica; más adelante, con la aparición de los coros, se nota una cierta influencia Gospel (Música religiosa de origen negro); la voz y entonación de Greenbaum, suenan hasta un poco Country, pero el solo de guitarra del final, le da un sello Rock inconfundible…

La letra es totalmente clara:

“Prepare yourself, you know it’s a must

Gotta have a friend in Jesus

So you know that when you die

He’s gonna recommend you

To the Spirit in the Sky”

Carátula del disco de 45 RPMs

Desde la Ciudad más grande del Mundo

JH

PD: Esta canción fue retomada en 1986 por un grupo británico denominado “The Doctors and the Medics”, quienes también se convirtieron en un “One hit Wonder” con esta canción.

Esta versión, sigue siendo psicodélica, pero un poco más rápida y bailable. Inexplicablemente, el video tiene claras referencias al movimiento Gótico (Darketo)

PD 2: Curiosamente, pocos detractores del Rock hacen referencia a esta canción y sí a los (supuestos) mensajes satánicos de otras…

PD 3: Existe un cover a esta canción, interpretado por Elton Jhon, que es una versión un poco más Folk, pero que definitivamente carece de fuerza…

PD 4: El sonido de la canción, en su momento fue innovador y sentó precedentes para el Glam Rock; fue como un puente entre la psicodelia y el Glam. En algún momento, Lennon comentó públicamente su gusto por la canción y en 3 ocasiones distintas, con tres diferentes intérpretes, ha logrado colarse a los primeros lugares de popularidad.

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Midnight Special, Creedence Clearwater Revival

Hola,

El ferrocarril fue un elemento relevante en la vida rural de las zonas sur y central de los Estados Unidos y se ha reflejado de diversas formas en las manifestaciones culturales de aquel país.

En esta ocasión hacemos referencia a una canción tradicional de Sur de los Estados Unidos, que tuvo su origen en las prisiones y que trata acerca de una legenda que dice que, si te toca  la luz del expreso de la media noche, estás próximo a ser liberado. Hay documentos que indican que la canción probablemente ya existía a finales del siglo diecinueve.

La canción de esta semana es la versión de “Credence Clearwater Revival” a “The Midnight Special” un blues con un sonido un poco más rockero de 1969, de su disco “Willy and the poor boys”.

Credence fue un grupo que en medio de la vorágine de la psicodelia, el hippismo, el amor y paz y la irrupción del Hard Rock y el Rock Progresivo, encontró la ruta del éxito mediante un regreso a las raíces del Rock, produciendo un sonido sureño con ecos de rockabilly e incluso de country, que años más tarde retomarían grupos como “The Eagles”.

La letra describe escenas de la vida cotidiana y marginal del Sur y por supuesto hace referencia a la imagen del tren de la media noche, como símbolo de la posibilidad de escape a una vida, sino mejor, al menos diferente.

La canción se desarrolla alrededor de la voz de John Fogerty y una base rítmica que evoca al sonido monótono pero potente de un tren, todo acompañado del repiqueteo elusivo de la guitarra que le da un pequeño dejo rockanrolero. La canción comienza con un lamento muy blusero y poco a poco va tomando velocidad hasta que el expreso de media noche llega a su destino final.

Desde la Ciudad más grande del Mundo

JH

PD: En los 60’s había una serie de televisión muy exitosa, de la cual luego se hicieron nuevas versiones en los 80’s y en el 2002; se trata de “Twilight Zone” (Dimensión desonocida), precursora de las series de ciencia ficción, suspenso y a veces horror.

Tal ha sido su influencia que aún hoy en día, cuando se presenta alguna situación inexplicable, muchos de nosotros tarareamos su jingle: “tu-ru-ru-rú, tu-ru-ru-rú, tu-ru-ru-rú”

En 1983 se realizó “Twilight Zone, the movie” producida por Steven Spielberg.

Siguiendo el formato del programa, que incluía varias historias cortas, la primera de la película incluye esta canción en una memorable escena de terror protagonizada por Dan Aykrod.

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Yesterday, The Beatles

Hola,

Lema fundamental dentro del minimalismo arquitectónico es “Less is more” (Menos es más), frase que aplica perfectamente a una de las canciones más laureadas y más polémicas surgidas a partir de la escena Rock/Pop.

Es corta, incluso para los estándares de la época, dura solamente 2’03” y se apoya en un arreglo simple pero efectivo y bello. Su tono, melancólico.

Fue pionera en la utilización de un acompañamiento ejecutado por un cuarteto de cuerdas, es decir, en la fusión de la música Pop con elementos de música clásica.

Rompió los moldes al ser ejecutada solamente por uno de los miembros del grupo al que pertenecía el autor.

Toca un tema que paradójicamente, no suele ser de interés para su mercado objetivo, los jóvenes; por lo cual, tuvo éxito también entre los adultos de una época donde la brecha generacional era prácticamente insalvable.

Y por si todo esto fuera poco, es un antecedente de la música “unplugged” y de las baladas rockeras que vendrían mucho tiempo después.

Desde su lanzamiento, ha servido para dar serenatas, para enseñar Inglés, para música de elevador, para películas, para ser parodiada, para ser criticada, para amenizar espectáculos circenses y quién sabe para cuantas cosas más y ha ganado un montón de menciones en listas, siempre en los primeros lugares.

Ostenta el récord de ser la canción a la que se le han realizado más covers, cerca de 3,000 y es una de las más tocadas en el radio a nivel mundial. Es muy posible que mientras lees esto, en algún lugar del mundo se esté tocando “Yesterday”, de “The Beatles” publicada en el disco “Help!” de 1965.

Su estructura musical se compone de la voz de McCartney, un guitarra acústica y un cuarteto de cuerdas, agregado por George Martin en la post producción que definitivamente le da el cariz melancólico característico de la pieza.

La letra alude, por supuesto, al tema más recurrente en el Rock/Pop, el amor. En este caso, a los sentimientos después de un rompimiento.

Desde la Ciudad más grande del Mundo

JH

PD: Esta canción era tan distinta a lo hecho por “The Beatles” hasta el momento, que John, Ringo y George se opusieron a que saliera como sencillo, ya que no iba con su imagen. Fue así que en Estados Unidos salió como sencillo, no así en el Reino Unido.

Aún así, esta canción parece ser el inicio de la experimentación que le permitió al grupo llevar su creatividad a niveles pocas veces alcanzado en la historia de la música moderna.

PD 2: Tanto John Lennon como Bob Dylan, expresaron en algún momento su disgusto por esta canción; Dylan sin embargo llegó a grabarla y Lennon, poco antes de morir, comentó que la letra era buena, aunque sin ningún sentido…

PD 3: Es de sobra conocido que McCartney dice haber soñado la melodía; menos conocido el hecho de que estuvo indagando por un tiempo si alguien la había oído antes, porque el estaba seguro de que ya existía.

PD 4: McCartney trabajó bastante tiempo en esta canción, que el resto de sus compañeros consideraba no apta para la imagen del grupo, por ser demasiado suave (no rockera). Debido a que no estaba  lista, no pudo aparecer en dos álbumes previos a “Help!”. Esta situación es prácticamente idéntica a lo sucedido con “November Rain” de “Guns’n’Roses” y con “Dream on” de “Aerosmith”

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