Archivo de la categoría: 70s

Stir it up Bob Marley

“Escrita por Bob Marley en 1967, “Stir it up” es una canción con una letra sorprendentemente explícita, enmascarada  con un sonido exquisito; relanzada en 1973 en su álbum “Catch a Fire”

 

Hola,

Mencionar Jamaica puede remitirnos casi inmediatamente a las imágenes paradisíacas de una isla caribeña ideal para organizar lunas de miel.

Jamaica Tourist

Sin embargo, la realidad de la isla allá por los años 50s y 60s del siglo anterior, presentaba una dualidad muy contradictoria. Efectivamente, estaba la industria turística y todo lo que gira a su alrededor, pero, también había una gran brecha con la mayoría de la población quienes vivían en condiciones de extrema pobreza.

Jamaica other side

Esta población estaba entonces naturalmente expuesta a temas de violencia, desempleo, migración, drogadicción y marginación. Inevitablemente, todos estos temas salen a relucir en la música Jamaiquina de esa época.

La obra de Marley no es la excepción, pero, como es característico de la música, el otro tema siempre importante es el romance.

Stir it up” es una canción, no precisamente  de amor, yo diría que más bien es de pasión.

Para empezar, “stir it up” puede traducirse como incitar, provocar, encender, etc… y en el contexto de la letra, no se refiere precisamente a una fogata o a algo parecido:

“I’ll push the wood (stir it, stir it, stir it together),

then I blaze ya fire;

Then I’ll satisfy your heart’s desire. (ooh-ooh-ooh-ooh)

Said, I stir it every (stir it, stir it, stir it together),

every minute:

All you got to do, baby, (ooh-ooh-ooh-ooh)

Is keep it in, eh”

En el contexto de una cultura de un país tropical, estas expresiones probablemente son parte de la vida cotidiana, lo increíble, es que esta canción fue un éxito internacional en una época en la que la censura era muy fuerte.

Yo nunca había puesto atención a la letra, pero sí a la música que me parece una obra bien realizada y muy agradable.

Es una melodía que al mismo tiempo te da una sensación de tranquilidad por la cadencia que establece el bajo y también un efecto de optimismo por el manejo de los coros y el discreto uso de las guitarras; escucharla definitivamente te deja en un estado de ánimo agradable-

Stratocaster Bob Marley

Guitarra Fender modelo stratocaster, similar a la utilizada por Marley en la grabación del video de “Stir it up”

Pongo a continuación la versión del disco, donde la calidad de la compleja producción es apreciable

Y ahora viene la versión de la ejecución en vivo donde siempre es interesante ver los estilos interpretativos y el sentimiento en la ejecución

Desde la Ciudad de México.

JH

PD En México es muy usual el  uso del doble sentido en el lenguaje, sobretodo con connotaciones de carácter sexual; la palabra coloquial para esta práctica se llama albur.

Esta canción tiene en su letra una serie de dobles sentidos muy usuales en Jamaica; es quizá que por eso al publicarse en otros países, las referencias sexuales no eran tan obvias y así logró evadir la censura

PD 2: La música de  Jamaica, al llegar a Inglaterra con las olas migratorias. influenció a músicos como “The Clash“; “Madness“, Eric Clapton, Led Zeppelin, UB40, “No Doubt“, “The Specials” y muchos otros

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Mundo Sennheiser

Cold as ice Foreigner

“Lou Gramm y Mick Jones, le dan voz a un reclamo bastante común: “prefieres dinero antes que amor”, en su“Cold as ice” Rock transitorio lanzado en 1977, por el grupo “Foreigner”

Hola,

Una fuente importante de fracasos y desengaños con los que nos enfrentamos en nuestras vidas, proviene de nuestra compulsión por poseer en demasía. Se trata de la avaricia. Buscar el equilibrio entre lo que queremos y lo que necesitamos, traerá a su vez, equilibrio a nuestras vidas.

An-Allegory-Of-Avarice

Una alegoría de la avaricia. Escuela holandesa de pintura

En la canción “Cold as ice”, se hace alusión a esta preferencia desbocada por las cosas, aún a costa de las relaciones personales. Es una obra del grupo “Foreigner” de su disco del mismo nombre, publicado en 1977.

Foreigner LP

Portada del disco debut del grupo. En la forma de vestir y en el estilo artístico de la portada, se ve todavía un grupo muy anclado en los años 70 del siglo XX

Surge en una época difícil en la que el público se dividía entre ya veteranos hippies y muy jóvenes punks, que significaba un rango de gustos entre lo muy elaborado y amigable (psicodelia/progresivo) y lo muy parco y agresivo (punk rock) y sin embargo varias bandas, entre ellas “Foreigner”, lograron posicionarse, al menos temporalmente, en un punto más intermedio en el que no hay tanta elaboración musical, ni tampoco tanta improvisación, pero se sigue sonando fuerte y muy bien: el Rock de Estadios o el Rock para FM.

La letra es bastante clara en su reclamo:

 

“I’ve seen it before,

Lo he visto antes,

it happens all the time

pasa todo el tiempo

(Oooh-oooh) You’re closing the door, you leave the world behind

Cierras la puerta y te asilas del mundo

You’re digging for gold,

Lo que buscas es oro

 you’re throwing away

y lanzas a la basura

(Aaah-aaah) A fortune in feelings,

Una fortuna de sentimientos

but someday you’ll pay,

pero algún día lo pagarás

 

En cuanto a la música, la canción empieza con el piano marcando un ritmo sobre el cual pasan muy rápidos y muy leves sonidos de guitarra y de teclados eléctricos, hasta que unos ocho segundos después, entra la voz de Lou Gramm, apuntalada por una batería que le da un  cierto aire de autoridad a su dicho. A los 30 segundos, aproximadamente, desaparece el rítmico piano, la canción baja de velocidad y la aparición de coros vocales y de un acompañamiento de teclados eléctricos le dan un aire de balada romántica . . . por solo unos segundos, pues a partir del segundo 50, la canción toma un ritmo más acelerado y al minuto y medio aparece un excelente solo de guitarra por parte de Mick Jones. De ahí en adelante, los juegos corales toman mayor presencia y la canción se mantiene en un nivel de energía constante, siempre de la mano de la voz suplicante de Gramm.

All Black Gibso Les Paul M Jones Foreigner

Guitarra modelo All Black Les Paul de la marca Gibson, similar a la utilizada en el video por Mick Jones

A continuación, la versión en video, ligeramente distinta a la del disco, pero que permite ver en la estructura del video y en la vestimenta de los músicos, la transición entre los años 70s y los 80s del siglo anterior

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: En la cultura occidental cristiana, la avaricia es uno de los siete pecados capitales que impiden la realización personal. La virtud a practicar para combatir la avaricia es la Caridad, que es la disposición a dar a otros lo que necesitan, voluntaria y oportunamente. La avaricia, está asociada al demonio de nombre Mammon.

PD 2: El guitarrista de Foreigner, Mick Jones, ha influido en un músico contemporáneo muy importante: Mark Ronson (ver la reseña Bang, bang, bang)

PD 3: A finales de los años 70s del siglo XX, muchos grupos optaron por hacer Rock orientado a Discos (“AOR / Album Oriented Rock”), que era otra forma de decir que era música diseñada para sonar bien y vender discos. Entre otras bandas de este tipo están “Foreigner”, “Styx”, “Heart”, “Journey”, “Boston” y otras. Estos grupos no eran tan sofisticados como los de Rock Progresivo, pero su sonido era muy pulido y aunque tocaban Rock, no eran tan pesados como el Hard Rock/Hard Blues, más tarde Heavy Metal, que también surgió aproximadamente en la misma época.

Casi ninguno de estos grupos pudo sobrevivir, o al menos sacarle provecho, al surgimiento de MTV y la llegada de los videos musicales.

PD 4: El nombre de “Foreigner” / Extranjero, se deriva del hecho de que en los inicios de la banda, tres de sus miembros eran Británicos y otros tres, Estadounidenses, por lo que sea que tocaran en Gran Bretaña, en Estados Unidos o en cualquier otra parte del mundo, siempre en el grupo habría extranjeros.

 

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Mundo Senheiser

You’re so vain Carly Simon

”Eres tan presumido” es el reclamo directo de Carly Simon dirigido a . . . solo ella sabe quién, envuelto en una agradable propuesta pop de fácil escucha. De su disco “No secrets” de 1972, la deliciosa “You’re so vain”

 

Hola,

Una de las actitudes negativas que más complican las relaciones interpersonales es, sin duda, la soberbia. Cuando la satisfacción de nuestro ego se torna permanentemente en la máxima prioridad, usualmente le causaremos daño a alguna otra persona. Por lo que, moderar nuestro ego, es una forma de mejorar nuestra vida cotidiana.

Vanity by Frank Cadogan Cowper

La presunción es una de las facetas de la Soberbia.                                                     Ilustración: “Vanity” por Frank Cadogan

En su canción “You’re so vain”, la cantante Carly Simon expresa, de manera muy elegante, su resentimiento contra alguien que en algún momento, la hirió con una de esas actitudes de vanidad.

La letra describe con lujo de detalles, la actitud narcisista de algún personaje (cuya identidad nunca ha querido revelar) y relata brevemente como hubo entre ellos alguna relación en el pasado, cuando ella era ingenua y él, ya era taaaan presumido.

“You walked into the party like you were walking onto a yacht

Entraste a la fiesta como si abordaras un yate

Your hat strategically dipped below one eye

Con tu sombrero estratégicamente cubriéndote un ojo

Your scarf it was apricot

Tu bufanda color durazno

You had one eye on the mirror as you watched yourself gavotte

Con un ojo en el espejo viendo como te ves bailando

And all the girls dreamed that they’d be your partner

Y todas las chicas soñando que serían tu pareja

They’d be your partner, and…

Que serían tu pareja, y . . .

You’re so vain, you probably think this song is about you

Eres tan presumido, que quizá piensas que esta canción es acerca de tí

You’re so vain, I’ll bet you think this song is about you

Eres tan presumido, que apuesto que piensas que esta canción es acerca de tí

Don’t you? Don’t You?”

¿O no? ¿O no?”

 

Algo interesante a notar en la letra es que además, es un testimonio muy claro acerca de la moda masculina de los inicios de los años 70s del siglo veinte, en la que portar un sombrero de ala grande y usar una bufanda en un color llamativo, era símbolo de gran elegancia.

No Secrets  Cary Simon

La portada del disco también nos da una muestra de la moda reinante a principios de los años 70s del siglo XX

En cuanto a la música, se trata de una pieza pop muy bien construida, diseñada como mucha música de esa época, para escucharse muy bien aprovechando las características sonoras de las estaciones FM que comenzaban a proliferar en Estados Unidos.

En la grabación original, es de hacerse notar el manejo del bajo por parte de Klaus Voormann al inicio de la canción y la excelente mezcla sonora entre la voz de Carly y el acompañamiento del piano. Aunque el ritmo de a la canción es semi lento, invita imperceptiblemente a bailar.

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: El distintivo manejo del bajo en esta canción se le debe a Klaus Voormann, bajista quién colaboró y vivió con los Beatles en su época de Hamburgo, antes de que fueran inmensamente famosos y trabajó en diversos proyectos con músicos de la talla de Lou Reed, James Taylor, Harry Nilsson, Eric Clapton, “The Hollies”, “Manfred Mann”.

PD 2: Esta fue una de las primeras canciones que reseñé, allá por Julio de 2008. En aquel entonces la reseña se llamaba “La canción de la Semana” y solamente la publicaba por correo electrónico a un muy reducido grupo de amigos. Va a continuación la reseña original:

En esta ocasión la canción de la semana son dos: “You’re so vain” y “Memory Motel” ya que cuenta la leyenda que ambas están íntimamente ligadas:

You’re so vain” fue escrita en 1971 por Carly Simon (heredera, al menos en parte, del emporio editorial neoyorkino Simon & Schuster) y es, supuestamente, una canción de despecho compuesta en referencia a un (misterioso) hombre que la dejó herida…y ahí inicia la especulación ¿A quién se refiere en la canción? ¿A Warren Beatty, a James Taylor, a Mick Jagger (quien, por cierto, participa en los coros de la grabación)?

 La misma Simon ha ayudado a intensificar el misterio al negarse, una y otra vez, a afirmar o negar cualquiera de las versiones…

La canción “Memory Motel” compuesta por Jagger y Richards, describe la breve pero intensa relación de Jagger con “a peachy kind of girl”. El Hotel de hecho existe, en Long Island y tanto los Stones como Carly Simon estuvieron cerca de ahí en algún momento de los 70s; por lo que se especula que es una especie de respuesta a “You’re so vain”…

Billy preston (el “quinto Beatle”) participa en la grabación original con los sintetizadores

Ambas canciones son un deleite musical, referentes del glamour que acompañaba a ciertas estrellas del Rock y del Jet Set, allá por los años 70s…”

PD 3: En la cultura occidental cristiana, la soberbia es uno de los siete pecados capitales que impiden la realización personal y es considerado como el más grave pues el es que llevo a un Angel a convertirse en el rey de los demonios: Lucifer.

Soberbia por Ana Corral

Sentirse más que los demás, usualmente lleva al desengaño y al dolor personal. Ilustración de Ana Corral

La virtud a practicar para combatir la soberbia es la Humildad, que es la disposición a considerarse a uno mismo, igual en importancia, a todos los demás. La soberbia, está asociada al demonio de nombre Lucifer.

PD 4: Una de las razones de que esta canción se escuche tan bien, es que en los arreglos participó Paul Buckmaster, que por la calidad en su trabajo, ha participado con éxito en obras de otros artistas como “Space Oddity” de David Bowie (que ya he  reseñado en este espacio) y ha colaborado con músicos de la talla de Miles Davis, Elton John, “The Rolling Stones”, “Blood, Sweat and Tears”, “Grateful Dead”, Steve Knicks, “No Doubt”, “Tears fo fears”, “The wallflowers, “Bon Jovi”, “Guns ‘N Roses” y muchos otros más

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Ashes to ashes David Bowie

“No sé adónde iré después de aquí, pero les prometo que no será aburrido / “I don’t know where I’m going from here, but I promise it won’t be boring.” David Bowie”

Hola,

Hace solo unos días murió el que quizá ha sido el músico más peculiar de las últimas seis décadas: David Bowie. El hecho en sí me trastornó mucho, máxime que en lo personal, también estoy pasando por un trance de salud similar al que él enfrentó al final de su vida.

david-bowie-fashion-evolution-990-4101

Mutar era una característica de Bowie, tanto en su estilo musical, como en su imagen

Pero lo más triste, es saber que el Mundo y la cultura pop han perdido a una persona tan creativa, tan perfeccionista, tan divertida. Afortunadamente, aunque se va el Artista, nos deja su obra.

Allá por los inicios de los años 80s del sigol XX, una muy querida compañera de la Universidad (“Lady Slim” para mantener su anonimato), accedió a prestarme algo de la música que tenía. A diferencia de hoy, en ese entonces eso significaba prestar discos LP de vinyl que eran muy delicados y era una gran responsabilidad recibirlos en préstamo pues podían maltratarse muy fácilmente.

Lady Slim había cursado parte de la preparatoria en Boston, así que la música que trajo de allá era muy diferente a la que podía normalmente conseguirse en México, en aquella época de ostracismo cultural que reinaba en el país.

Entre la música que me prestó, estaba “Scary Monsters” (Monstruos terroríficos), obra de Bowie publicada en 1980.

Scary Monsters Cover

Portada del disco “Scary Monsters”, en la que Bowie encarana a otro de sus legendarios alter-ego: Pierrot-Bowie

Escucharlo por primera vez fue un shock. En primer lugar, nunca un disco me había producido emociones tan fuertes como encontradas, ignorarlo era imposible. Al principio me disgustó mucho, me pareció caótico e indigerible. Pensé que era el ejercicio caprichoso e “intelectualoide” de una estrella del rock para justificar su fama de originalidad.

Sin embargo, al terminar de escucharlo me quedó un tenue impulso, inexplicable, para volverlo a oír. Y qué bueno que lo hice, pues cada vez que volvía a escuchar una de sus canciones, iba descubriendo su genialidad, originalidad y sobre todo, su calidad.

Como mucha del resto de la obra de Bowie, su música es un reto. No es fácil de asimilar, es exigente y generalmente no da concesiones, pero a la larga, te convence por ser auténtica y conscientemente cercana a la perfección.

Del “Scary Monsters” tengo que recomendar “Ashes to ashes” / Cenizas a las cenizas.

Esta frase es utilizada frecuentemente en los sepelios, por lo que está asociada a la muerte, a un final y justamente el disco “Scary Monsters”, significó en su momento, el final de una etapa en la carrera artística de Bowie.

Muchas de las frases de la letra tienen un tinte sospechosamente autobiográfico. En particular, a mí me gustan los siguientes versos:

“I never done good things / Nunca hice cosas buenas

I never done bad things / nunca hice cosas malas

I never did anything out of the blue / nunca improvisé”

En general, la canción tiene un tono melancólico. Intentar describir la melodía con palabras sería complicado e inútil; solo me atrevería a decir que es un intrincado conjunto de sonidos que logran el objetivo de transmitir esa sensación de añoranza. . . y desapego.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Estas son algunas de las reseñas que anteriormente he hecho a canciones de David Bowie.

Under Pressure

Thursday Child

Space Oddity

PD 2: David Bowie es uno de los muy pocos músicos que lograron mantenerse en los 5 primeros lugares de las listas, sea con sus álbumes o con sencillos, en 6 décadas diferentes (60s, 70s, 80s, 90s, 00’s y 10’s)

PD 3: Algunas veces, para lograr el sonido que quería para cierto disco, Bowie reclutaba músicos de primer nivel para expresarles sus ideas y pedirles su colaboración; esta fórmula no solo le dio éxito, sino que además, dejó profundas huellas artísticas en los músicos que trabajaron con él (cómo puede constatarse en el muy interesante documental de la cadena británica BBC: “Bowie: 5 years” / Bowie: 5 años). Algunos de esos afortunados músicos fuero: Rick Wakeman (“Yes”), Brian Eno (“Roxy Music” / U2), Luther Vandross, Pete Townshend (“The Who”), Nile Rodgers (Chic, Diana Ross, “INXS”, “Duran Duran”, Madonna), Robert Fripp (“King Crimson”) y varios más.

PD 4: En esta canción se hace una referencia muy directa a un personaje que aparece en el primer gran éxito que tuvo Bowie en su carrera: el astronauta “Major Tom” y a través de la letra y de ciertos rasgos autobiográficos que hay en la misma, podría fácilmente deducirse que Bowie está cerrando un círculo, despidiéndose así de una etapa de su vida y de una parte de su estilo musical.

La letra de la canción comienza así

“Do you remember a guy that’s been / ¿Te acuerdas de un tipo que ha estaso
In such an early song / en una antigua canción?”

Y termina así:

“My mother said to get things done / Mi mmadre dice que para lograr algo
You’d better not mess with Major Tom / no hay que volverse a meter con el Mayor Tom”

En lo que parece un claro mensaje de que a pesar de su gran éxito con música del pasado, hay que dejarla de lado para poder seguir adelante.

Este personaje el Mayor Tom, ha sido referenciado en canciones de otros muchos artistas e incluso tiene una secuela en la canción de 1983 del artista Alemán, Peter Schilling, “Major Tom (Coming home).

PD 5: Gracias Bowie, gracias

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Behind blue eyes The Who

“’Nadie sabe lo que significa ser excluido Detrás de Ojos Azules, “Behind Blue Eyes”. El resultado de la inconclusa Lifehouse de 1971, Idea Musical: The Who” (Viñeta original para esta canción, escrita por Luis Gerardo Salas y utilizada en la mítica estación XHROK – Rock 101, en el 100.9 de FM de la Ciudad de México, entre 1984 y 1996)

Hola,

Algunas teorías establecen que el Universo, no es otra cosa más que una serie de vibraciones a diferentes frecuencias, siendo su manifestación física, el resultado de nuestra percepción de las vibraciones más lentas (frecuencias más bajas).

En los inicios de la década de los 70s del siglo XX, Pete Townshend co-fundador y principal compositor de la banda Británica “The Who”, quería producir cierto tipo de música que fuera única para cada persona, partiendo de ciertos datos biográficos que serían procesados por una computadora y convertidos a música usando por sintetizadores. La ejecución simultánea de estas piezas personalizadas, produciría un “sonido universal”. Townshend pretendía que, al enlazar la música de cada persona, se lograría re-armonizar a la Humanidad con el resto del Universo, ya que, después de todo, la música es una serie de vibraciones.

La idea de que el Universo es en realidad una serie de vibraciones, es compartida por varias Filosofías y ha sido tema de inspiración para muchos artistas. J.R.R. Tolkien (El Silmarilion) o Pete Townshend, por ejemplo

La idea de que el Universo es en realidad una serie de vibraciones, es compartida por varias Filosofías y ha sido tema de inspiración para muchos artistas. J.R.R. Tolkien (El Silmarilion) o Pete Townshend, por ejemplo

Para llevar este concepto a las audiencias, Pete estuvo trabajando en un proyecto en forma de Opera-Rock, denominado “Lifehouse”. En ella, hay un personaje de nombre “Jumbo” que controla a la humanidad a través de una especie de red cibernética (cuyo concepto es bastante similar al mostrado en las películas “The Matrix”); la canción “Behind blue eyes” es parte de la expresión del constante enojo de Jumbo, que se origina en su posición de poder.

Y el enojo extremo, la ira, es el tema de referencia de esta reseña.

La letra, aquí y allá, nos da muestras de esa ira contenida:

“No one knows what it’s like

Nadie sabe como es

To feel these feelings like I do and I blame you!

Sentir lo que siento ¡Y te culpo por ello!

No one bites back as hard on their anger

Nadie reacciona tanto a su furia como yo

None of my pain and woe can show through

Nada de mi dolor y miseria deben notarse

De manera contrastante al tema central de la canción, la música comienza de manera muy tranquila, con una melodiosa guitarra y un canto amable a cargo del vocalista Roger Daltrey, enfatizados con las voces corales del resto del grupo. Después de 30 segundos entran el bajo y un sonido de teclados que le dan cierto aire ominoso a esa primera parte de la canción.

A partir del minuto 2 con 5 segundos, el ritmo se acelera, la guitarra acústica le cede el paso a una eléctrica con un sonido distorsionado y por aproximadamente un minuto, el tono de vocal de Daltrey se hace más energético.

Vienen a continuación tres versiones; la original, de 1971, en la que destacan la suavidad de los sonidos, la presencia de unos teclados y que ha servido como referencia para esta reseña; luego, viene la versión más conocida, grabada unos años más tarde para ser incluida en el disco “Who’s next”, que se distingue de la original por contener más partes corales y un tratamiento más pesado en la última parte de la canción que refleja mejor el tema de la misma.

Y finalmente, una versión en vivo que permite apreciar la capacidad emocional interpretativa del baterista original: Keith Moon.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: El enojo, el malestar continuo, la furia, la ira, son actitudes que de no ser controladas, o incluso suprimidas, pueden destruir nuestras vidas y las de nuestro más próximo alrededor. De los siete pecados capitales, la ira es quizá el de mayor notoriedad, pues su manifestación suele ser explosiva y devastadora.

La virtud a practicar para combatir la ira es la Paciencia y dentro de la tradición Judeo-Cristiana, los demonios asociados a la ira pueden ser: Satán, Aamon o Pazazu.

Eyes Expression of Fear Anger by Chhitiz Kiran Shrestha

“Anger” / Ira del artista Chhitiz Kiran Shrestha

PD 2: Desafortunadamente, el enorme alcance del proyecto “Lifehouse”, fue demasiado para Townshend y tuvo que desecharlo antes de perder su salud mental, por lo que nunca fue grabado en su totalidad, ni  presentado en teatros como estaba originalmente concebido. Varias de las canciones del fallido proyecto, aparecerían después en otros trabajos de “The Who”.

PD 3: Curiosamente, sería fácil asociar a “The Who” con la ira, pues en muchas de sus presentaciones, solían destruir violentamente sus guitarras, amplificadores y baterías; sin embargo, Pete Towshend, con el paso del tiempo, se ha ido convirtiendo en un tipo reflexivo, sereno, casi contemplativo.

PD 4: Finalmente, “Behind blue eyes” apareció en el quinto álbum del grupo: “Who’s next” que contiene algunas canciones del proyecto “Lifehouse” por lo que, por ejemplo, algún solo de guitarra es compartido entre “”Won’t get fooled again” y “Behind blue eyes” como hilo conductor entre ambas canciones que originalmente pertenecían a una sola historia…

La portada del disco, en la que destaca un monolito de concreto, es un homenaje a la película 2001: Odisea Espacial de Stanley Kubrik.

Who'S Next cover

Esta portada ha sido considerada como una de las mejores en la historia del Rock

monolith 2001 Space Odyssey

PD 5: Parte del disco fue grabado en el Estudio móvil de los “Rolling Stones”, cuya principal característica era precisamente ser un estudio que podía llevarse a cualquier lado, permitiendo a los artistas cierta libertad en los horarios y en la elección de locaciones en donde querían grabar.

Una más de las ideas revolucionarias alrededor de los Rolling Stones y que dejó huella en la música pop del siglo XX

Una más de las ideas revolucionarias alrededor de los Rolling Stones y que dejó huella en la música pop del siglo XX

En este estudio móvil fueron grabados varios discos legendarios como: “Led Zeppelin III”, Led Zeppelin IV”, “Sticky fingres” y fue utilizado por músicos de la talla de Bob Marley, “Deep Purple”, “Iron Maiden”, “Fleetwood Mac”, Santana y otros…

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Mundo Sennheiser

Lust for Life Iggy Pop

“Coro pegajoso y contagioso ritmo, herencia directa de los “Girl groups” sesenteros, son el complemento perfecto para la muy extrovertida personalidad de Iggy Pop, en esta canción con tintes biográficos, del álbum homónimo, publicado en 1977: “Lust for Life””

Hola,

La lujuria es quizá, uno de los hábitos más destructivos en la vida de las personas. En general, la lujuria se entiende como el dominio de la pasión sobre el intelecto. La lujuria ha provocado guerras (Troya), infinidad de asesinatos e incontables trágicas historias de vida.

Una interpretación del efecto de la lujuria en el bienestar de las personas Imagen de Denisse Wolf

Una interpretación del efecto de la lujuria en el bienestar de las personas
Imagen de Denisse Wolf

Elegir una canción para referenciar la lujuria ha sido inusualmente complicado, pues buena parte de la música pop juvenil, desde los años 50s del siglo pasado y hasta la fecha, de alguna u otra manera, toca el tema.

De entrada, el término “Rock’n’roll”, aparte de designar al estilo musical surgido en los años 50s del siglo anterior, se usaba también como un eufemismo en referencia al acto sexual.

Y no pocos críticos y cronistas del tema, han señalado que el ritmo, la estridencia y no pocas letras relacionadas con el “Rock’n’roll”, son incitadoras del apetito carnal.

La canción elegida fue “Lust for Life”, composición cuya música es de David Bowie y la letra e interpretación vocal son de Iggy Pop.

La letra, en tan solo un par de líneas, describe fielmente el ambiente hedonista y decadente que permeaba en los años setentas:

“Here comes Johnny Yen again

Ahí viene Johnny Yen de nuevo

With the liquor and drugs

Trae drogas y alcohol

And the flesh machine

Y un vibrador

He’s gonna do another strip tease.

Va a hacer otro striptease

La principal característica de su melodía es su ritmo frenético, psicótico, sustentado en el repetitivo sonido de la batería, que es irremediablemente seguido por el bajo y la guitarra.

Inicia con la repetición de siete golpes al bombo, sonido repetitivo que, ejecutado por diversos instrumentos, dominará durante el resto de la canción. Poco después, entra el bajo a replicar el ritmo, salpicado por esporádicos, breves y diversos adornos de guitarra, en una introducción instrumental que dura más de un minuto.

En contraste, la voz de Iggy Pop no lleva prisa, canta a un ritmo más lento, alargando las palabras; incluso en ciertos momentos, su dicción parece la de un borracho.

El otro detalle que destaca en la canción, es el coro, ejecutado en un tono más alto, caricaturesco, definitivamente perturbador.

En su lanzamiento original, esta canción no tuvo mucho éxito, pero, se le puede encontrar en prácticamente todas las listas de “la mejores…” de la prensa especializada. A continuación, viene primero la versión original del álbum que es la que ha servido de referencia para esta reseña y después, la versión más exitosa de su relanzamiento en 1996, en la que puede apreciarse el estilo interpretativo, pionero e inconfundible, de Pop.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: En la segunda mitad de los años setentas del siglo XX, los músicos David Bowie, Iggy Pop y Lou Reed, decidieron pasar un tiempo en el Berlín de la guerra fría, que era la frontera entre el mundo occidental y la dictadura soviética comunista. La tensión, la frialdad y el contraste que vivieron en aquellos años, se ha visto reflejado en la obra de los tres músicos, de la cual “Lust for life” no es la excepción.

Bowie, Pop y el ya fallecido Lou Reed, en la época en que vivieron y trabajaron juntos en Berlín, produciendo obras que trascendieron las modas del momento

Bowie, Pop y el ya fallecido Lou Reed, en la época en que vivieron y trabajaron juntos en Berlín, produciendo obras que trascendieron las modas del momento

La música que estos tres personajes produjeron durante aquella época, fue vanguardista e influencia para muchos otros artistas.

PD 2: “Lust for life” tomó un Segundo aire cuando fue incluida en el soundtrack de la película “Trainspotting”, gracias a la cual pudo ser conocida por otras generaciones. Existen varios casos en los que canciones antiguas son relanzadas a la popularidad, por su calidad y por ser utilizadas en películas o comerciales de televisión

PD 3: La parte de la batería con la que inicia la canción, es muy parecida a la utilizada por grupos femeninos de los años sesentas:

“You can’t hurry love” del grupo “The Supremes”, y,

“I’m ready for love” interpretada por “Martha and the Vandellas”

Posterior a “Lust for life” ese sonido de la batería también aparece en la canción “Are you gonna be my girl” del grupo “Jet”

PD 4: “Lust for life” ha sido utilizada en comerciales, en películas y ha sido hecha cover por varias bandas

PD 5: En la cultura Cristiana la lujuria, que es uno de los siete pecados capitales, se combate practicando la virtud de la castidad, entendida esta, como el control sobre los apetitos sexuales. La lujuria está asociada al demonio denominado Asmodeo.

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Rock and Roll All Nite Kiss

“Intensa simbiosis emocional, con la intención de volverte loco si tú los llevas al desenfreno. Clarísima invitación de KISS para que juntos, armemos una gran fiesta: “Rock and Roll All Nite”, de su álbum doble de 1975 KISS ALIVE!

Hola,

Hace ya algunos años (muchos), tuve una discusión con un amigo acerca de la calidad interpretativa y del sonido en los conciertos de Rock. Sus argumentos eran que, primero, los grupos nunca sonaban igual en concierto a como sonaban en los discos (ya que, por ejemplo, no podían reproducir idénticamente los solos de guitarra) y segundo, que con el escándalo que produce el público, es imposible apreciar la interpretación de los músicos y de los cantantes; su conclusión: Es mejor quedarte en casa y escuchar el álbum.

Por supuesto que en gustos se rompen géneros; mi principal argumento en aquella discusión, era que la experiencia de asistir a un concierto de Rock, no se limita a escuchar la música.

Al igual que cuando vamos al cine, el ambiente emocional colectivo definitivamente cambia la experiencia; el poder observar el estado de ánimo de los músicos, el desenvolvimiento escénico, los mensajes no verbales entre los músicos (o la ausencia de ellos) e incluso, gracias al avance tecnológico en la definición y tamaño de las pantallas, el poder observar muy a detalle sus técnicas interpretativas, son un bono que enriquece mucho la experiencia; claro, asumiendo que de entrada, la oferta musical vale la pena.

Los discos grabados en presentaciones en vivo, a veces nos permiten atestiguar ese ambiente colectivo y si están bien grabados, nos permiten conocer la interacción del público con el artista.

Una de las agrupaciones que mejor supo aprovechar el gran impacto de sus presentaciones en vivo, hasta llegar a ser súper estrellas internacionales, fue la banda Neoyorkina “KISS” y lo pudieron dejar perfectamente plasmado, en grabaciones como “Rock and Roll All Nite”, que es una canción diseñada para que el público interactúe con ellos y sea una especie de himno de batalla a interpretarse para intensificar, simbióticamente, la emoción.

Kiss retrato

La letra lo expresa, muy claramente, desde un inicio:

“You show us everything you’ve got                      /          Muéstranos todo lo que traes

You keep on dancin’ and the room gets hot       /          Sigue bailando, el lugar se ambientará

You drive us wild, we’ll drive you crazy                /          Trastórnanos y te enloquéceremos

You say you wanna go for a spin                             /          Dices que quieres salir a pasear

The party’s just begun, we’ll let you in                  /          La fiesta comenzó, te dejaremos pasar

You drive us wild, we’ll drive you crazy                /          Trastórnanos y te enloquéceremos

You keep on shoutin, you keep on shoutin        /          Sigue gritando, sigue gritando:

I wanna rock and roll all nite                                    /          Quiero, rock toda esta noche

And party every day                                                      /          Y fiesta cada día”

En cuanto a la música, también está perfectamente diseñada para transmitir el mensaje festivo. Comienza con la introducción de Paul Stanley (“Starchild”/ Niño de las estrellas) que con su voz rasposa nos invita a la fiesta; enseguida, entra la batería de Peter Criss (“Catman” / el hombre gato) que es como un tambor de guerra llamando a la acción, seguido por el prominente sonido del bajo y el acompañamiento de las guitarras, a cargo de Gene Simmons (“The demon” / El demonio), de Ace Frehley (“Spaceman” / El hombre del espacio) y del propio Stanley, respectivamente.

Guitarra Sovereign modelo Silvertone, similar a la utilizaad por Paul Stanley en los vidoes que presento en esta reseña

Guitarra Sovereign modelo Silvertone, similar a la utilizada por Paul Stanley en los videos que presento en esta reseña

Se trata de una melodía sencilla y cíclica, en la que las partes corales y el ocasional silencio de las guitarras, invitan claramente a que el escucha coree la frase principal, incorporándose en la interpretación, para sentirse al menos por un momento, parte de la banda.

La canción tiene un solo de guitarra, a cargo de Ace Frehley, que no existe en la versión original de estudio y que es un vínculo directo con los orígenes del Rock’n’Roll, en específico, a los solos del pionero Chuck Berry (Ver la reseña “Roll over Beethoven”).

Guitarra Epiphone Les Paul, similar a la favorita del guitarrista original: Ace Frehley

Guitarra Epiphone Les Paul, similar a la favorita del guitarrista original: Ace Frehley

Pongo a continuación dos versiones en vivo, ambas con más de 35 años de diferencia con respecto de la versión original. En ellas, podemos ver a distintas generaciones contribuyendo y a la vez disfrutando de ese ambiente emocional colectivo, que muy pocas bandas pueden producir a lo largo de tanto tiempo.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD 1: Es totalmente obvio mencionar que en “KISS”, tan importante, o más, es la imagen que la música y es quizá por ello que sus presentaciones en vivo siempre han sido mucho más contundentes que sus obras de estudio. El gran mérito de su disco “KISS Alive!”, es que precisamente logra transmitir, al menos en parte, la sensación de estar ahí.

Casi desde su publicación, “KISS Alive!” ha sido objeto de críticas y especulaciones, debido a que se cree que fue editado para sonar mucho mejor de lo que la banda sonaba en sus presentaciones; en mi opinión, es totalmente irrelevante si el disco fue sobre producido, o no, pues cumplió, de manera contundente, con la expectativa de replicar la experiencia de estar en la arena, lo que le valió a “KISS” llegar al súper estrellato mundial.

PD 2: Un fenómeno iniciado espontáneamente, en 1975, por dos admiradores de la banda, fue la creación del grupo de fans, conocido como “KISS Army”, que en su mejor momento llegó a tener aproximadamente 100,000 seguidores formales y quien sabe cuántos más de nombre.

El logo de “KISS Army” debe estar, fácilmente, entre los 5 íconos visuales más representativos del Rock.

El autor de este Blog antes de comenzar un concierto de KISS en la Ciudad de Méico en el 2010. Atrás, el inconfundible logo de

El autor de este Blog, antes de que comenzara un concierto de KISS en la Ciudad de México en el 2010. Atrás, el inconfundible logo de “KISS ARMY”

PD 3: Allá por finales de los años 70s del siglo XX, surgió en la Ciudad de México una pandilla, inspirada en la película “The Warriors”, que se autonombró BUK – Banda Unida de KISS – y que rivalizaba al poniente de la ciudad, con la legendaria “Panchitos Sex Punk Band”

PD 4: En alguna entrevista, Paul Stanley declaró que el uso de maquillaje y de disfraces, además de caracterizarlos de manera única, servía para que en los conciertos, aún la gente que estaba  muy lejos del escenario pudiera reconocer quien era quien.

La exitosa visión mercadotécnica de Gene Simmons y la entonces muy importante influencia de MTV, se unieron en 1983 para lanzar un evento icónico: KISS sin maquillaje y sin disfraces; sin embargo, el efecto a mediano plazo fue como haberle cortado el cabello a Sansón: KISS ya nunca volvió a ser el mismo y solo hasta que los 4 miembros originales se reunieron en 1995 es que la banda recobró algo de su gloria pasada.

PD 5: Prácticamente, no hay publicación especializada que en su lista de los mejores álbumes grabados en vivo, no incluya al “KISS Alive!”, como uno de los mejores a la fecha. En lo personal, me gusta más el “KISS Alive II”

Kiss Alive II open

Interior de la funda del álbum doble “KISS Alive II”, que nos da una muestra de lo que son los shows de esta banda, desde hace más de 30 años

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Come sail away Styx

“Madurez que se expresa en el equilibrio entre apreciar lo pasado y moldear lo futuro, en cuatro movimientos musicales con estatus de Himno y con un final inesperado. Principal sencillo del disco “The grand illusion” de 1977, creación del grupo “Styx”: “Come sail away” ”

 

Hola,

Son muy raras las ocasiones en las que, los que escuchamos música, tenemos la oportunidad de saber cuál era el mensaje que buscaba transmitir el artista en alguna de sus canciones.

Los discos grabados en presentaciones en vivo, a veces nos dan esa oportunidad de saber lo que el artista quería transmitir y lo más importante, si están bien grabados, nos permiten conocer la reacción del público a ese mensaje.

Es por eso que, para apreciar el impacto emocional que puede producir “Come sail away”, la reseña de esta ocasión hace referencia a la versión en vivo contenida en el disco “Caught in the act”, disco doble en vivo, grabado en Nueva Orleans en 1984 y del cual es la última canción.

Album doble grabado en vivo, en Nueva Orleans, en 1984

Grabado en vivo, en Nueva Orleans, en 1984. A veces los discos en vivo nos ayudan a asimilar la simbiosis entre el artista y su público

Antes de comenzar a tocar “Come sail away“, Dennis De Young, compositor, tecladista y principal vocalista del grupo, dice:

Every time we play this next song, I always think back on those days when we first started  playing together as a group, think about those dreams we had, those dreams from music and I’m here tonight to tell you people: Dreams do come true!

Cada vez que tocamos la siguiente canción, siempre recuerdo aquellos días en los que empezábamos a tocar como grupo y pienso acerca de los sueños que teníamos, los sueños acerca de la música y hoy estoy aquí para decirles: ¡Los Sueños se hacen realidad!”.

Al concluir la introducción, puede escucharse claramente que el público reacciona con mucha emoción a las palabras de De Young; pero, al escucharse en el piano las primeras notas reconocibles de la canción, la reacción es aún mayor.

Comienza entonces lo que, de manera similar a lo que sucede en la música clásica, denomino primer movimiento: Un minuto y doce segundos en los que Dennis De Young tocando el piano nos canta la primera parte de su mensaje:

“I’m sailing away,                                                   /       Me alejo navegando

Set an open course for the virgin sea,             /       En una ruta hacia oceanos virgenes

‘Cause I’ve got to be free,                                     /       Porque tengo que ser libre

Free to face the life that’s ahead of me,          /       Libre de enfrentar la vida delante de mí

on board, I’m the captain, so climb aboard, /       a bordo, soy el Capitán, así que, aborden

We’ll search for tomorrow on every shore,   /       Buscaremos el mañana en cada costa

And I’ll try, Oh Lord I’ll try, to carry on”        /       E intentaré, oh Dios, intentaré salir adelante”

Esta primera parte me parece una muy afortunada metáfora, en la que se equipara el navegar con el empezar de forma muy optimista, una nueva etapa de vida, a pesar de la incertidumbre que ello implica.

Entonces, De Young anima a la audiencia a incorporarse al viaje emocional que propone, invitándola a corear “to carry on / salir adelante”.

Y empieza entonces el segundo movimiento, en el cual, la melodía adquiere más fuerza con la incorporación del bajo y un tono de reminiscencia con los sonidos del teclado electrónico (Interpretado por Tommy Shaw).

En esta parte de la canción, De Young busca explicarnos que para poder ir hacia adelante, primero es necesario regresar a nuestros recuerdos, de manera balanceada y desapegada y entonces partir de ahí y buscar salir adelante.

“I look to the sea,                                                   /       Miro el mar

Reflections in the waves spark my memory,        /       Reflejos en las olas, avivan mis recuerdos

Some happy, some sad,                                       /       Algunos felices, algunos tristes

I think of childhood friends and the dreams we had, / Pienso en mis amigos de la infancia y los sueños que teníamos

We lived happily forever, so the story goes, /       Vivimos felices por siempre, dice la leyenda

But somehow we missed out on the pot of gold   /       Pero de algún modo tampoco encontramos tesoros

But we’ll try best that we can to carry on       /       Y aun así, trataremos de salir adelante, lo mejor que podamos”

Al llegar a esta parte, De Young no pierde la oportunidad y vuelve a involucrar al público, que vuelve a corear “to carry on / salir adelante”.

En este punto de clímax emocional, con el que cualquiera puede fácilmente sentirse identificado, comienza el tercer movimiento, un “Tour de Force” sónico en el que predominan las guitarras como preludio de un momento de revelación; este mensaje de esperanza, paz y fraternidad viene del más allá:

“A gathering of angels appeared above my head,

Un grupo de Angeles apareción por encima de mi cabeza

They sang to me this song of hope and this is what they said,

Y me cantaron esta canción de esperanza y esto fue lo  que dijeron:

They said come sail away, come sail away, come sail away with me lads,

Dijeron, vengan naveguen lejos, vengan naveguen lejos,, vengan naveguen lejos conmigo, chicos

Come sail away, come sail away, come sail away with me lad,

Come sail away, come sail away, come sail away with me,

Come sail away, come sail away, come sail away with me babe,

Come sail away, come sail away, come sail away with me”

Inicia entonces una parte instrumental, que en lo personal, interpreto como la aventura de ir al encuentro de nuestras vidas, con optimismo y sueños.

Y entonces, la letra de la última parte de la canción, nos depara una sorpresa, que es a la vez un interesante propuesta intelectual y de ahí, solos de guitarra y coros nos llevan hasta un prolongado final, como con los que concluyen ciertas piezas de música clásica.

 

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: En alguna otra presentación, también antes de comenzar a tocarla, Dennis de Young dice:

This next song is all about feeling good about yourself, which is, ummhh, often neglected

La siguiente canción es acerca de sentirse bien con uno mismo, lo cual, mmmhhh, a menudo no hacemos”.

PD 2: La portada del disco es una reinterpretación de una obra del pintor francés René Magritte, “Le blanc seing” y hace referencia al título del disco ” The grand illusion” y al mensaje que se repite en algunas de sus canciones de que no todo es lo que parece.

La portada del disco hace un homenaje a René magritte, al retomar su obra "Le blanc seing" para enfatizar el mensaje de que no todo es lo que parece

La portada del disco hace un homenaje a René Magritte, al retomar su obra “Le blanc seing” para enfatizar el mensaje de que no todo es lo que parece

PD 3: A Styx se le criticó mucho que era un grupo diseñado (por la compañía disquera) para hacer Rock orientado a Discos (“AOR / Album Oriented Rock”), que era otra forma de decir que era música diseñada para sonar bien y vender discos. Al pasar del tiempo, sonar bien y en el caso de “Styx”, escribir buenas letras, parece una excelente idea.

De hecho y como lo comenté antes en este espacio (“Best of times“) si algo podría criticársele a “Styx”, como a otras varias bandas del género “AOR” es que no supieron subirse a la ola del video (MTV)

PD 4: La imagen y el desempeño escénico en vivo de los integrantes del grupo, sí dejan mucho que desear; en el video que les presento en esta reseña es notoria la falla en hacer la transición del estilo de los 70s al de los 80s; a diferencia de grupos conteporáneos que sí le sacaron mucho provecho como “Van Halen”, “Kiss”, “Heart” e incluso “Journey”

 

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Riders on the storm, The Doors

“Onírica, aderezada con algo de psicosis y una pizca de Jazz, “Riders on the storm” es un oasis musical y último legado de la formación clásica de la mítica banda, “The Doors”; plasmado en su disco “L.A. Woman” de 1971 ”

Hola,

A mediados de los años 60s del siglo XX, un par de estudiantes de la carrera de Teatro, Cine y Televisión de la Universidad de California en Los Angeles (UCLA), decidieron musicalizar las notas, poemas y escritos de uno de ellos: Jim Morrison. Meses después, quedó configurada la alineación  de uno de los grupos de música pop-rock más exitosas de la historia: Morrison como vocalista, Manzarek como tecladista, Krieger en la guitarra y Densmore en la batería, eran “The Doors”.

La personalidad conflictiva de Morrison, así como su alcoholismo y adicción a las drogas, marcaron la corta vida artística de “The Doors” (1965-1971), llenándola de controversias y escándalos, mismos que contribuyeron a su meteórica ascendencia y fama, pero también a su abrupto final.

Su disco “L.A. Woman”, sexto del grupo, tiene cierta tendencia hacia el sonido Blues, que fue influencia para un joven Morrison, sin embargo, en el caso de “Riders on the storm” el sonido es mucho más cercano al jazz que cualquier otro estilo o género.

La letra tiene tres temas muy identificables y en alguna forma relacionados entre sí: un cierto pesimismo determinista (capeando la tormenta en este Mundo al que fuimos lanzados); y dos elementos autobiográficos: la mezcla entre la emoción y el pánico de los que piden aventón (autoestop, hacer dedo, pedir raite, pedir pon), que van al encuentro de un amor o de una aventura, pero poniendo en riesgo su seguridad y en tercer término, el rol de su mujer en la relación de pareja.

Pesimismo determinista:

“Riders on the storm                        /             Auriga en la tormenta

Into this house we’re born             /             En esta casa nacimos

Into this world we’re thrown         /             A este mundo nos lanzaron

Like a dog without a bone              /             Como a un perro sin hueso”

 

Psicósis:

“There’s a killer on the road                      /             Hay un asesino en el camino

His brain is squirming like a toad            /             Su cerebro detestable y retorcido

Take a long holiday                                      /             Toma unas largas vacaiones

Let your children play                                  /             Deja jugar a tus hijos

If you give this man a ride                          /             Pero si le das aventón a este hombre

Sweet family will die                                     /             Tu dulce familia morirá

Killer on the road, yeah                              /             Asesino en el camino, sí”

 

Necesidad de Amor:

“Girl you gotta love your man          /          Nena, tienes que amar a tu hombre

Girl you gotta love your man            /          Nena, tienes que amar a tu hombre

Take him by the hand                         /          Tomarlo de la mano

Make him understand                        /          Hacerlo entender

The world on you depends                /          Que su Mundo depende de tí

Our life will never end                         /          Y nuestra vida (juntos) será eterna

Gotta love your man                            /          Tienes que amar a tu hombre”

 

Estos mensajes, en combinación con la música, reflejan fielmente la intensidad típica de Morrison; te inquieta, te mueve, te incomoda, pero a la vez, te fascina, te envuelve.

Musicalmente, esta pieza es sumamente interesante. Así como la mayoría de las películas tienen música de fondo, esta canción tiene un sonido de fondo, el de una tormenta; lo cual, la hace única, le da un carácter ominoso y virtualmente, le agrega otra dimensión sensorial.

Otra particularidad es que en la música Pop-Rock contemporánea, el puente instrumental (o solo instrumental), usualmente lo desempeña la guitarra y en ocasiones, algún instrumento de viento; en este caso hay dos, primer uno de guitarra y el principal a cargo de los teclados, deliciosamente interpretados por Ray Manzarek.

Piano eléctrico, Rhodes Fender, como el utilizado por Ray Manzarek en esta canción

Piano eléctrico Fender Rhodes, como el utilizado por Ray Manzarek en esta canción

 

Lo que se escucha en los primeros quince segundos solo son la lluvia y un trueno, entra enseguida el bajo con la base rítmica, que aparecerá prácticamente en todo el resto de la canción, formada por 8 notas sucesivas que se repiten hipnóticamente. Durante medio minuto van incorporándose suavemente el teclado y la batería, para finalmente recibir a la imponente voz de Morrison y a las incursiones de la guitarra, que comienzan a desarrollar la historia y sus ramificaciones sonoras.

A pesar  de la letra y de la constante presencia de la lluvia y los truenos, la sensación que deja escuchar esta canción es que, perseverando, siempre es posible atravesar la tormenta.

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: El cuarteto “The Doors” no contaba con un bajista; por lo que para esta grabación se contrató a Jerry Scheff, quien en su momento trabajó con Elvis Presley. En las presentaciones en vivo, el tecladista Ray Manzarek producía la base rítmica correspondiente al bajo, usando los teclados.

PD 2: En alguna de las autobiografías de los integrantes de “The Doors”, se menciona que esta canción solo se interpretó dos veces en vivo frente a una audiencia y que no se conservan ni grabaciones, ni filmaciones de dichas presentaciones, debido en parte a que Morrison murió tres meses después del lanzamiento del álbum.

PD 3: Jim Morrison es miembro distinguido del “Club de los 27”, que son una serie de notables músicos (trágicamente) fallecidos a la edad de 27 años; entre ellos: Brian Jones, fundador de los Rolling Stones; Janis Joplin, Jimi Hendrix, Kurt Cobain y Amy Winehouse.

Los miembros más distinguidos del "Club de los 27"

Los miembros más distinguidos del “Club de los 27”

 

PD 4: “The Doors” es una de las bandas que más discos ha vendido en la historia, alrededor de 105 millones, pero, como muchas otras grandes agrupaciones, su éxito empezó a fincarse en las presentaciones en vivo en pequeños Clubes, en esto caso,  en el área de Los Angeles, California. (Ver reseña: Clubes & Rock’n’Roll). Paradójicamente, a Jim Morrison parecía no gustarle aparecer frente a una audiencia, como quedó demostrado en más de una ocasión, cuando sus shows se detuvieron, se retrasaron o de plano, se cancelaron, porque Morrison se peleaba, se desvanecía, era arrestado, o simplemente, se negaba a cantar.

PD 5: La portada del disco “L.A. Woman”, a diferencia de muchas otras de la época, es simplemente una foto enmarcada de los miembros del cuarteto. Aunque las primeras ediciones, tenían recortada la parte interior del marco, en el cual estaba pegada la foto, impresa en una película de plástico transparente.

Funda original del L.P. "L.A. Woman", poco creativa, en contraste con la música que contenía y otros trabajos de la época

Funda original del L.P. “L.A. Woman”, poco creativa, en contraste con la música que contenía y otros trabajos de la época

 

PD 6: El paso de Morrison y Manzarek por una escuela de Artes en UCLA, se nota en la elección del nombre del grupo, que hace referencia al título del libro de Aldous Huxley “The Doors of Perception” (Las puertas de la percepción), que  a su vez, hace referencia a una frase del poeta William Blake: “If the doors of perception were cleansed every thing would appear to man as it is, infinite” (Si las puertas de la percepción se liberaran, todo se le aparecería al hombre tal como es: infinito).

PD 7: Como si fuera un acto premonitorio ante la proximidad de su muerte, la última colaboración en estudio que hizo Jim Morrison con “The Doors”, fue grabar su voz  cantando en susurro, para luego sobreponerla a la voz original (Técnica de grabación conocida como Overdub), lo cual, le da al sonido final de la voz, un efecto de eco muy particular, casi estremecedor.

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Rudie can’t fail, The Clash

En la cúspide de su capacidad creativa, “The Clash” reinterpreta los ritmos caribeños que invadieron la isla Británica a finales de los 70s, para defender enfáticamente a los chicos “Rude”. De su magnífico disco de 1979, “London Calling”: “Rudie Can’t fail

Hola,

Once años de gobierno del partido Laborista en Inglaterra (de 1964 a 1970 y de 1974 a 1979), marcados por políticas populistas, estatistas y controladoras, derivaron en un perene estancamiento social y económico, con el consiguiente desempleo e inflación que culminaron en un descontento que hartó a buena parte de la sociedad inglesa y muy particularmente a su juventud.

Es bajo estas circunstancias que el movimiento Punk (musicalmente importado de N.Y.) se afianza en la juventud británica, pues logra canalizar y expresar perfectamente el sentimiento de impotencia y desesperanza reinante en aquellos momentos (Ver reseña de la canción “Anarchy in the UK”).

El mejor exponente musical del Punk es, por mucho, “The Clash” y en parte lo es, no solo por hacer una crónica inteligente e irónica de lo que estaba sucediendo en su país (y buena parte del Mundo) allá en el final de los años 70s, si no por haber sabido incorporar su actitud Punk a otros ritmos y estilos musicales, sin perder su identidad, integridad y energía.

Y eso es precisamente lo que describe a “Rudy Can’t Fail”, ya que es una canción de actitud Punk que denuncia, se rebela y se solidariza, utilizando un estilo muy cercano al Reagge jamaiquino, pero, con el inconfundible sello “The Clash”.

La letra, es una especie de diálogo entre los guitarristas y vocalistas Mick Jones y Joe Strummer, en el que uno arremeda a la gente que criticaba y se burlaba de los chicos “Rude” (“Rude Boys”. ver reseñas “Death of the Rude Boy” y “A message to you Rudy”) y el otro contesta defendiéndose, como si fuera uno de ellos.

“Hear them sayin’                                      /    Los oigo decir:

How you get a rude and a reckless?     /    ¿Cómo distingues a un descortés e imprudente?

Don’t you be so crude and a feckless   /    No seas tan violento e irresponsable

You been drinking brew for breakfast      /       Bebiste cerveza de desayuno

Rudie can’t fail                                            /    No falla, es un Rudie

Letra de la cacnión impresa en la funda del disco LP en Vynil

Letra de la canción impresa en la funda del disco LP en Vynil

El valor de la canción está en su interpretación, pues tiene muchos elementos como para parecerse significativamente a un ritmo Reagge, pero, conserva un estilo muy particular de “The Clash”: Las voces se alternan entre Jones y Strummer, pero no de manera melódica, sino más bien como recreando una conversación muy casual entre dos jóvenes, totalmente  despreocupados por lo que los demás piensan de ellos. También la distinguen, la velocidad en la ejecución y la inclusión de una frase-himno que raya en el Pop: “Rudie can’t fail”.

En todo caso, es otra canción pegajosa, cuyo principal valor es la crónica muy precisa de una época y con un sonido bastante atemporal, que al menos, invita a seguir el ritmo si no es que a intentar algunos pasitos de baile jamaiquino.

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Podrían escribirse muchas páginas acerca del álbum “London Calling”, en esta postdata solamente mencionaremos algunas de sus distinciones:

Según la revista Rolling Stone 1987, 100 mejores álbumes:  Lugar 14

Revista Rolling Stone 1989: Mejor disco de la década de los 80s

Revista NME 1993, los mejores álbumes de los 70s:  Lugar 6

Revista Q 1999, los 100 mejores discos de Gran Bretaña: Lugar 4

Revista Rolling Stone 2002, 500 mejores discos de la historia: Lugar 8

PD 2: Buena parte del sabor jamaiquino de la canción se debe a la inclusión de una sección de metales (Trompeta, saxofón, trombón), ya que “The Clash”, tenía la clásica formación del Rock’n’Roll: dos guitarras, un bajo y una batería.

Esta prestigiosa sección de metales se agrupa bajo el nombre “The Irish Horns”, quienes han trabajado en conjunto o como solistas con gente como: Graham Parker, “Katrina and the Waves”, U2, “The Boomtown Rats”, Cliff Richard, Elvis Costello, Rory Gallagher, Phil Lynott y muchos más.

PD 3: El álbum fue producido por Guy Stevens, quien previamente había trabajado con “Mott the hoople” (“All the Young dudes”) y con “Traffic” (Que incluía entre sus miembros a músicos de la talla de Steve Winwood y Jim Capaldi) y cuyos métodos de grabación se consideraban poco ortodoxos, pero que compaginaron con los miembros de “The Clash” ayudándolos a formar un grupo compacto y comprometido, lo cual se nota destacademente en el disco.

PD 4: El disco fue grabado en los Estudios Wessex en Londres, donde también grabaron, entre otros, “The Sex Pistols” y “The Pretenders”

Stevens murió de manera trágica al poco tiempo de publicarse su obra maestra.

PD 4: Al final de la canción, la letra hace referencia hacia una de las prendas características de los “Rude Boys”, el sombrero tipo “Pork Pie”.

 

En la letra de la canción, se hace mención específica a este tipo de dombreros, típiocos de los "Rude Boys" "You think you're pretty hot In your pork pie hat But...Rudie can't fail"

En la letra de la canción, se hace mención específica a este tipo de sombreros, típicos de los “Rude Boys”
“You think you’re pretty hot
In your pork pie hat
But…Rudie can’t fail”

 

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser