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Ashes to ashes David Bowie

“No sé adónde iré después de aquí, pero les prometo que no será aburrido / “I don’t know where I’m going from here, but I promise it won’t be boring.” David Bowie”

Hola,

Hace solo unos días murió el que quizá ha sido el músico más peculiar de las últimas seis décadas: David Bowie. El hecho en sí me trastornó mucho, máxime que en lo personal, también estoy pasando por un trance de salud similar al que él enfrentó al final de su vida.

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Mutar era una característica de Bowie, tanto en su estilo musical, como en su imagen

Pero lo más triste, es saber que el Mundo y la cultura pop han perdido a una persona tan creativa, tan perfeccionista, tan divertida. Afortunadamente, aunque se va el Artista, nos deja su obra.

Allá por los inicios de los años 80s del sigol XX, una muy querida compañera de la Universidad (“Lady Slim” para mantener su anonimato), accedió a prestarme algo de la música que tenía. A diferencia de hoy, en ese entonces eso significaba prestar discos LP de vinyl que eran muy delicados y era una gran responsabilidad recibirlos en préstamo pues podían maltratarse muy fácilmente.

Lady Slim había cursado parte de la preparatoria en Boston, así que la música que trajo de allá era muy diferente a la que podía normalmente conseguirse en México, en aquella época de ostracismo cultural que reinaba en el país.

Entre la música que me prestó, estaba “Scary Monsters” (Monstruos terroríficos), obra de Bowie publicada en 1980.

Scary Monsters Cover

Portada del disco “Scary Monsters”, en la que Bowie encarana a otro de sus legendarios alter-ego: Pierrot-Bowie

Escucharlo por primera vez fue un shock. En primer lugar, nunca un disco me había producido emociones tan fuertes como encontradas, ignorarlo era imposible. Al principio me disgustó mucho, me pareció caótico e indigerible. Pensé que era el ejercicio caprichoso e “intelectualoide” de una estrella del rock para justificar su fama de originalidad.

Sin embargo, al terminar de escucharlo me quedó un tenue impulso, inexplicable, para volverlo a oír. Y qué bueno que lo hice, pues cada vez que volvía a escuchar una de sus canciones, iba descubriendo su genialidad, originalidad y sobre todo, su calidad.

Como mucha del resto de la obra de Bowie, su música es un reto. No es fácil de asimilar, es exigente y generalmente no da concesiones, pero a la larga, te convence por ser auténtica y conscientemente cercana a la perfección.

Del “Scary Monsters” tengo que recomendar “Ashes to ashes” / Cenizas a las cenizas.

Esta frase es utilizada frecuentemente en los sepelios, por lo que está asociada a la muerte, a un final y justamente el disco “Scary Monsters”, significó en su momento, el final de una etapa en la carrera artística de Bowie.

Muchas de las frases de la letra tienen un tinte sospechosamente autobiográfico. En particular, a mí me gustan los siguientes versos:

“I never done good things / Nunca hice cosas buenas

I never done bad things / nunca hice cosas malas

I never did anything out of the blue / nunca improvisé”

En general, la canción tiene un tono melancólico. Intentar describir la melodía con palabras sería complicado e inútil; solo me atrevería a decir que es un intrincado conjunto de sonidos que logran el objetivo de transmitir esa sensación de añoranza. . . y desapego.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Estas son algunas de las reseñas que anteriormente he hecho a canciones de David Bowie.

Under Pressure

Thursday Child

Space Oddity

PD 2: David Bowie es uno de los muy pocos músicos que lograron mantenerse en los 5 primeros lugares de las listas, sea con sus álbumes o con sencillos, en 6 décadas diferentes (60s, 70s, 80s, 90s, 00’s y 10’s)

PD 3: Algunas veces, para lograr el sonido que quería para cierto disco, Bowie reclutaba músicos de primer nivel para expresarles sus ideas y pedirles su colaboración; esta fórmula no solo le dio éxito, sino que además, dejó profundas huellas artísticas en los músicos que trabajaron con él (cómo puede constatarse en el muy interesante documental de la cadena británica BBC: “Bowie: 5 years” / Bowie: 5 años). Algunos de esos afortunados músicos fuero: Rick Wakeman (“Yes”), Brian Eno (“Roxy Music” / U2), Luther Vandross, Pete Townshend (“The Who”), Nile Rodgers (Chic, Diana Ross, “INXS”, “Duran Duran”, Madonna), Robert Fripp (“King Crimson”) y varios más.

PD 4: En esta canción se hace una referencia muy directa a un personaje que aparece en el primer gran éxito que tuvo Bowie en su carrera: el astronauta “Major Tom” y a través de la letra y de ciertos rasgos autobiográficos que hay en la misma, podría fácilmente deducirse que Bowie está cerrando un círculo, despidiéndose así de una etapa de su vida y de una parte de su estilo musical.

La letra de la canción comienza así

“Do you remember a guy that’s been / ¿Te acuerdas de un tipo que ha estaso
In such an early song / en una antigua canción?”

Y termina así:

“My mother said to get things done / Mi mmadre dice que para lograr algo
You’d better not mess with Major Tom / no hay que volverse a meter con el Mayor Tom”

En lo que parece un claro mensaje de que a pesar de su gran éxito con música del pasado, hay que dejarla de lado para poder seguir adelante.

Este personaje el Mayor Tom, ha sido referenciado en canciones de otros muchos artistas e incluso tiene una secuela en la canción de 1983 del artista Alemán, Peter Schilling, “Major Tom (Coming home).

PD 5: Gracias Bowie, gracias

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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The one thing INXS

“En el amanecer de los 80s, esta cancioncita de amor fue la semilla del arrollador éxito internacional, de una banda australiana que fue la favorita del también incipiente MTV. “The one thing” incluida en el álbum “Shabooh Shoobah” de 1982; new wave con pedigree, INXS”

Hola,

De alguna u otra manera, todos sabemos que los excesos nos perjudican; en México por ejemplo, los anunciantes de bebidas alcohólicas deben incluir en su publicidad la frase: “Nada con exceso, todo con medida”. Entonces, podemos suponer que nuestra vida cotidiana puede mejorar, si tan solo logramos identificar y reducir, los excesos en los que incurrimos.

La Gula es el pecado capital identificado con el exceso, especialmente en lo relacionado con la comida y la bebida.

La Gula es un mal hábito que no solo se refiere al comer en exceso, sino a los excesos en general PPintura por Jaques de L'ange

La Gula es un mal hábito que no solo se refiere al comer en exceso, sino a los excesos en general
Pintura por Jaques de L’ange

Ha sido particularmente complicado encontrar una canción que toque específicamente el tema de la Gula, pero existe una cuyo video la retrata de manera precisa y convenientemente, dicha canción y su video, son del grupo “INXS” (In excess – Con exceso).

Se trata de “The one thing”, canción que navega entre el estilo “New Wave”, característico del inicio de los 80s del siglo XX en el que los teclados electrónicos tienen un papel importante y el “Post Punk” en que las guitarras buscan dominar.

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Guitarra Fender, modelo Telecaster Sunburst black pickguard, similar a la utilizada por Tim Farris en el video de esta canción

La letra es de Michael Hutchence (Vocalista) y la composición musical de Andrew Farriss (Teclados) y siendo ambos muy jóvenes cuando la crearon, es normal la extrema sencillez del mensaje, pero, sorprendente la sofisticación de la música.

Well you know just what you do to me

Sabes bien lo que me haces

The way you move soft and slippery

Tu forma suave y resbalosa al moverte

Cut the night just like a razor

Cortas la noche como una navaja

Rarely talk and that’s the danger

Casi nunca hablas y ese es el peligro

Estos versos buscan describir eso indefinible (“The one thing”) que nos conquista de ellas.

Lo primero que escuchamos son tres golpes con las baquetas que marcan el inicio de la canción, seguido de la entrada de los teclados, el bajo y la batería que marcan el ritmo, no tan lento como de balada, ni tan rápido como para ponernos a bailar. A los ocho segundos aparece la un sonido de guitarra fuerte,  claro y poco distorsionado, que inicia una conversación con los teclados.

A continuación, un redoble de la batería es el preámbulo para la interpretación vocal de Michael Hutchence, que si bien no canta, ni tampoco recita,  más bien mantiene una especie de conversación ficticia con quien lo quiera escuchar.

Un poco más adelante, entra el coro, en el que Hutchence prácticamente susurra y los instrumentos bajan su intensidad sonora.

La canción sigue con más versos, más intervenciones de la guitarra y más coros susurrados, hasta que al minuto y medio irrumpe, sorpresiva y agradablemente, un saxofón que expresa con sonidos, la mezcla de sentimientos entre la admiración y la desesperación, que significa caer rendido ante ese no-sé-que, que nos enamora.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: En el excelente libro “When MTV Ruled the World” / Cuando MTV era lo máximo, se relata claramente como, en los inicios de MTV, sus ejecutivos quisieron experimentar si era posible, mediante una alta exposición de videos, lanzar al estrellato a algún artista y decidieron intentarlo con los entonces desconocidos “INXS”.

Excelente libro que narra la exitosa simbiósis entre MTV y algunos artistas de inicios de la década de los 80 del siglo pasado; entre ellos INXS

Excelente libro que narra la exitosa simbiosis entre MTV y algunos artistas de inicios de la década de los 80 del siglo pasado; entre ellos INXS

La alta exposición de videos en MTV alrededor del mundo, la calidad y novedad musical de “INXS” y el carisma de su vocalista, Micheal Hutchence, derivaron en que el grupo alcanzara rápida y sólidamente el estatus de superestrellas de pop/rock de nivel internacional.

PD 2: Irónicamente, Micheal Hutchence fallece a los37 años de edad, víctima de sus propios excesos.

PD 3: En la cultura Cristiana la gula, que es uno de los siete pecados capitales, se combate practicando la virtud de la Templanza, entendida esta, como la moderación en la satisfacción de las necesidades humanas. La gula está asociada al demonio denominado Belcebú.

PD 4: Debido al miedo que le generó al sistema político mexicano la organización estudiantil de 1968, que culminó con la matanza de Tlatelolco, de ahí en adelante, cualquier reunión multitudinaria de jóvenes estaba tácitamente prohibida. De ahí que entre 1968 y 1991 fueron muy escasas las presentaciones en vivo de agrupaciones musicales extranjeras en México.

Boleto de aquel histórico y sensacional concierto de INXS en la Ciudad de México en 1991 Imagen tomada del Blog: "Inquisidor71"

Boleto de aquel histórico y sensacional concierto de INXS en la Ciudad de México en 1991
Imagen tomada del Blog: “Inquisidor71”

Esta veda terminó el 12 de enero de 1991, con la presentación de INXS en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México. Este concierto fue parte de la gira “Live Baby Live”, de la cual, existe tanto el CD como el DVD. Altamente recomendable.

Portada del estupendo DVD de la gira "XS" de 1991, al final de la cual el grupo visitó la Ciudad de México, evento que marcó el final de la tácita prohibición de los Conciertos masivos

Portada del estupendo DVD de la gira “XS” de 1991; al final de la cual, el grupo visitó la Ciudad de México, evento que marcó el final de la tácita prohibición de los conciertos masivos

Tuve la oportunidad de asistir  a aquel gran concierto. Hutchence y el resto de la banda, realmente sabían como poner un gran ambiente.

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Mundo Sennheiser

Jessie’s Girl Rick Springfield

“Perfecto ejemplo de la transición musical pop, que llegó como un insospechado precedente de la ola musical Australiana que invadiría al Mundo, allá por los años 80. Frustración ante lo inalcanzable: “Jessie’s Girl”, obra de Rick Springfield de 1981, proveniente de su álbum “Working Class Dog””

Hola,

Una de las actitudes más auto destructivas y que invariablemente genera un entorno desfavorable alrededor de quien constantemente la vive, es la envidia; por lo que evitarla es una vía infalible hacia una vida más disfrutable.

La envidia es una actitud que perjudica a quien la practica constantemente

La envidia es una actitud que perjudica a quien la practica constantemente

Sufrir por lo que carecemos es la forma más común de la envidia y es el tema principal de la canción a reseñar en esta ocasión. Se trata de “Jessie’s Girl” composición del músico y actor australiano Rick Springfield, que llegó al número 1 de las listas tanto en Australia como en Estados Unidos y que fue el primero de varios éxitos a nivel mundial que surgirían de la gran isla en los años 80s del siglo pasado.

La letra es un monólogo en el que el protagonista expresa su deseo por tener a la novia de su amigo Jessie y su frustración por no poder conseguir, al menos, a una mujer similar.

“And I’m lookin’ in the mirror all the time

Y me paso mirándome en el espejo todo el tiempo

 Wonderin’ what she don’t see in me

Preguntándome , qué es lo que ella no ve en mí

I’ve been funny; I’ve been cool with the lines

He sido divertido, he sido interesante al hablar

Ain’t that the way love’s supposed to be

¿No se supone que así es el amor?

Tell me where can I find a woman like that

Dime, dónde puedo encontrar a alguien como ella

You know I wish that I had Jessie’s girl

¿Sabes? Quisiera tener a la chica de Jessie

I wish that I had Jessie’s girl

Desearía tener a la chica de Jessie

I want Jessie’s girl

Quiero a la chica de Jessíe

Where can I find a woman like that?

¿Dónde encuentro  a una mujer así?”

La canción puede categorizarse como una pieza pop-rock, con menos intensidad en las guitarras que el punk y menos preeminencia de los teclados que el new wave, pero, con un sonido característico del género de principios de los 80s y esto se debe en gran medida, al arreglo en las guitarras por parte de Neil Giraldo (Guitarrista de Pat Benatar, otro ícono musical de aquella época).

Comienza con la guitarra repitiendo doce notas varias veces, a las que Springfield, cantando, se une en la segunda repetición; en las primeras seis frases queda totalmente explicada la situación: El protagonista tiene un amigo llamado Jessie, que es un buen tipo, pero que acaba de conseguirse a una novia que el protagonista quiere para sí.

Al finalizar esta introducción se incorporan la batería, una segunda guitarra, el bajo y los teclados, que, junto con la interpretación vocal de Springfield, logran generar una atmósfera de ansiedad, reflejo adecuado de la situación que se está narrando. Llega a continuación, una repetición de la tranquila parte introductoria, con tan solo Springfield y la guitarra, que, mediante otra aparición de la batería, regresa a darle entrada al resto de los instrumentos que le dan a la canción otra intensidad emocional y sonora.

La primera versión que viene enseguida, está tomada del álbum y en ella puede apreciarse una producción limpia, bien ejecutada. Esta es la que logró colarse a muchísima audiencia alrededor de mundo a través del radio.

La siguiente a presentar es la correspondiente al video promocional, del cual vale la pena destacar: la presencia que tenía el grafiti, ya desde entonces, en la cultura urbana; el reflejo de la moda en la vestimenta del artista, en este caso, acorde a la edad que entonces tenía Springfield (34 años); el bajo presupuesto para su producción, utilizando tres o cuatro locaciones y solo a dos músicos en adición a Springfield y algunos elementos visuales que, acorde a los usos y costumbres de la producción de videos de entonces, buscaban seguir la línea de la historia contada en la letra.

Finalmente, está esta otra versión salida de una presentación en vivo en 1985, en la que pueden apreciarse, una versión con ciertas improvisaciones y la capacidad de ejecución escénica de Rick Springfield, que además desarrolló en otros ámbitos artísticos.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: En la cultura Cristiana la envidia, que es uno de los siete pecados capitales, se combate practicando la virtud de la caridad, entendida ésta como generosidad. La envidia está asociada al demonio denominado Leviatán.

PD 2: Rick Springfield vio afectada su carrera como músico por dos principales razones; primero, por su imagen “baby-face” que irremediablemente lo asociaba a cancioncitas bobas de amor para adolescentes y segundo, que mucha gente lo confunde con Bruce Springsteen (De quien hemos reseñado aquí “Born to run”).

Hace unos pocos años, dos de mis cuñadas se organizaron con algunos amigos para ir a una presentación de Springsteen en Miami; cuál sería su sorpresa al ver que, en realidad, se trataba de Rick Springfield, pero igual disfrutaron del show.

Justo cuando se lanzó al mercado “Jessie’s girl” como sencillo, Springfield recién había iniciado una carrera como actor de telenovelas, pensando en que nunca superaría aquellos obstáculos; irónicamente “Jessie’s girl”, le valió ganar un Grammy a la mejor interpretación rock masculina.

Rick Springfield en su faceta de actor, interpretando al Doctor Noah Drake en la serie

Rick Springfield en su faceta de actor, interpretando al Doctor Noah Drake en la serie “General Hospital”

PD 3: El productor del disco, Keith Olsen, ha trabajado con artistas de la talla de “Fleetwood Mac”, Ozzy Osbourne, “Grateful dead”, Pate Benatar, “Heart, “Santana”, “Journey”, Emerson Lake and Palmer y muchos otros.

PD 4: Además del guitarrista Neil Giraldo, en el disco “Working class dog” también participa otro músico que alcanzaría el estrellato en la década de los 80s del siglo XX: se trata del guitarrista Sammy Haggar.

En la portada del disco aparece

En la portada del disco aparece “Ronnie”, mascota de Rick Springfield

PD 5: A la fecha (primavera del 2015), Rick Springfield sigue haciendo giras ocasionalmente y se ha presentado al lado de bandas más contemporáneas como “Foo fighters”

PD 6: Y sí, esta canción está inspirada en un hecho real que le sucedió a Springfield, allá en su natal Australia.

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Hang fire The Rolling Stones

“Inusual crítica de los “Stones”, disfrazada con un ritmo pegajoso y alegre, dirigida a una sociedad pasmada como consecuencia de un largo e ineficaz gobierno. “Hang fire” publicada en su disco “Tattoo you” de 1981; “The Rolling Stones””

Hola,

Existen una serie de actitudes que, cuando se evitan de manera cotidiana, generan una mejora rápida y sustancial en la calidad de vida de las personas que lo intentan. Una de estas actitudes a desterrar es la pereza y el apremio por cambiar es aún mayor, si todo un país cae en este mal hábito.

Pereza, hábito que deteriora a la persona

Pereza, hábito que deteriora a la persona

Ya en alguna reseña anterior (“Rudie can’t fail”) comenté como en gran parte de los años 60´s y 70’s  del siglo pasado, Gran Bretaña se vio afectada por una serie de prácticas populistas por parte de su gobierno y una de las muchas consecuencias de haber tenido, por tanto tiempo, un gobierno enorme, entrometido, regulador y excesivamente burocrático, fue que la sociedad inglesa vivía en un estado permanente de pereza; esto, según la visión de los “Rolling Stones” plasmada en su canción “Hang fire”.

Hang firehabla acerca de cómo la apatía y la desidia, se convirtieron en una extendida práctica de vida:

“In the sweet old country where I come from    /          En el lindo país del que vengo

Nobody ever works                                                      /          Nadie trabaja

Yeah nothing gets done                                               /          Sí, no se se hace nada

We hang fire, we hang fire                                         /          postponemos, postponemos

You know marrying money is a full time job     /         

¿Sabes? Casarse por dinero es un                                                                                            trabajo de tiempo completo

I don’t need the aggravation                                     /         

Pero, no necesito apurarrme

I’m a lazy slob                                                                  /          Soy un vago perezoso

I hang fire, I hang fire                                                  /          Pospongo, pospongo”

Paradójicamente, la música va en sentido contrario al mensaje, pues se trata de una pieza alegre, rápida y totalmente energética, que es una especie de canción Punk, pero con un sonido más limpio.

La versión en vivo que viene a continuación, que es algo distinta a la del disco, es un poco más cercana a la música Punk que sonaba en la época en que la canción fue compuesta. Comienza con la guitarra de Keith Richards y no con la batería de Charlie Watts y tiene un ritmo un poco más rápido; de ahí en adelante, el peso de la canción recae en la interpretación vocal de Mick Jagger y en la enorme capacidad de improvisación de Richards.

Ron Woods, en la segunda guitarra y Watts con la batería, son los que marcan el ritmo, mientras que en el fondo, Bill Wyman suaviza un poco la interpretación con una ejecución sin distorsión, más apegada al Rock’n’Roll tradicional. Y todavía más en el fondo, hacia la mitad de la canción, alcanzan a escucharse unas notas repetitivas del piano, que no existen en la versión original.

En esta presentación, de 1981, queda aún más patente la influencia que el Punk tiene sobre la canción, cuando vemos la indumentaria de Woods, Richards y Watts y el estilo interpretativo de Jagger.

Una manera de corroborar la calidad de una canción, es cuando al escucharla en otra versión, sigue sonando fantástica. Tal es el caso de esta otra presentación, aparentemente surgida de la gira 2014, “Stones on fire”, cuyo arreglo es un “Rythm and Blues”, mucho más cercano al estilo tradicional de los “Rolling”, con otra letra y que suena sensacional.

Finalmente, presento el video promocional oficial, cuya pista de sonido corresponde a la grabación original de estudio, a la que le cortaron la introducción de la batería y en el cual podemos constatar que malos eran los integrantes de la banda para hacer “playback” (simular tocar y cantar, cuando en realidad lo que suena es una grabación) y para elegir su vestimenta.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: En la cultura occidental cristiana, la pereza es uno de los siete pecados capitales que impiden la realización personal. La virtud a practicar para combatir la pereza es la Diligencia, que es la disposición a actuar voluntaria y oportunamente. La pereza, está asociada al demonio de nombre Abaddon.

La pereza es una ancla que impide nuestra realización espiritual

La pereza es un ancla que impide nuestra realización espiritual. Imagen por Ana Correal

PD 2: “Hang fire” es una de las muchísimas canciones que compusieron los “Rolling Stones” entre 1977 y 1978, durante una especie de autoexilio en París como protesta y rección a la triste situación política y social en Inglaterra, que entre otras cosas, los forzó a cambiar su residencia debido a los altos impuestos.

Algunas canciones de los “Stones” de esa época, están influenciadas por los estilos musicales dominantes del aquel momento: el Disco y el Punk; “Miss you” y “Hang fire”, respectivamente, son ejemplos de estas influencias.

PD 3: Durante las giras de promoción del disco “Tattoo you” de 1981 y 1982, “Hang fire” fue interpretada muchas veces, no así en las giras posteriores hasta la fecha; aunque aparentemente ha surgido una nueva versión, bajo un estilo “Rythm & Blues” que comparto más arriba en esta reseña.

Guitarra Fender modelo Telecaster 72, similar a la utilizada por Keith Richards en las giras de promoción del álbum Tattoo you y que tiene un papel prepnderante en esta canción

Guitarra Fender modelo Telecaster 72, similar a la utilizada por Keith Richards en las giras de promoción del álbum Tattoo you y que tiene un papel preponderante en esta canción

PD 4: la expresión “hang fire” se traduce al español como retrasar, posponer, dejar para después

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Words Missing Persons

“Frustración ante la falta de comunicación, encapsulada en un ritmo New Wave de potente construcción, que se resume en las frases “¿Me escuchas? ¿Te importa? Obra contenida en el disco “Spring Session M” de 1982, de la agrupación californiana “Missing Persons”: “Words””

Hola,

Allá por 1981, recuerdo que una de mis maestras de la Universidad estaba realmente preocupada porque el uso masivo del “Walkman” (Precursor del iPod) derivaría en un creciente aislamiento social. Pero el tema de la incomunicación, era mucho más doméstico, menos tecnológico y había estado presente en muchos hogares al menos 25 años atrás; quién no ha escuchado a su Madre decir: “¿Me oyes?”, “Hazme caso”, “Parece que le hablo a la pared” . . .

Este tema de sentirse ignorado, fue retomado en 1982 por una banda californiana de vanguardia, que mediante una sorprendente calidad lírica y un sonido muy fresco, totalmente distinto a lo que sonaba en esa época, transmite a la perfección la frustración de sentirse aislado.

La letra es contundente y atemporal:

“Do you hear me                   /                    ¿Me escuchas?

Do you care                             /                    ¿Te importa?

Do you hear me                     /                    ¿Me escuchas?

Do you care                             /                    ¿Te importa?

My lips are moving and the sound’s coming out     /    Mis labios se mueven y sale un sonido

The words are audible but I have my doubts           /    Mis palabras son audibles, pero dudo

That you realize what has been said                            /    que te hayas dado cuenta de lo que dije

You look at me as if you’re in a daze                            /    Y me miras azorado

It’s like the feeling at the end of the page                  /    Como cuando al final de una página

When you realize you don’t know what you just read / te das cuenta que no entendiste nada

What are words for when no one listens anymore /   ¿Para que son las palabras? Si ya nadie escucha

What are words for when no one listens                   /    ¿Para que son las palabras? Si nadie escucha

What are words for when no one listens                   /    ¿Para que son las palabras? Si nadie escucha,

It’s no use talkin’ at all                                                       /    No tiene nigún caso hablar

I might as well go up and talk to a wall                       /    Daría igual si le habo a una pared

‘cause all the words are having no effect at all         /    porque las palabras no provocan nada

It’s a funny thing am I all alone                                      /    Que curioso ¿Acaso estoy sola?”

En cuanto a la música, vale la pena hacer notar que aunque es de un estilo totalmente “New Wave”, tiene una calidad tal, que pasa la prueba del tiempo. Esto se debe, en parte, al excelente trabajo del Ingeniero de sonido y productor, el inglés Ken Scott y en parte también, a la singularidad interpretativa de Dale Bozzio en la voz principal, y la calidd de interpretación de Terry Bozzio en la batería, así como la de Warren Cuccurullo con la guitarra.

Comienza con una vibración metálica, que da la impresión de ser algo que se aproxima o que va subiendo de intensidad y que antecede brevemente a la aparición del bajo y de la batería que marcan claramente el ritmo. Unos segundos después, breves sonidos de guitarra se intercalan con las primeras frases de la canción discretamente imitadas por el sonido de un sintetizador.

Sumamente interesante es el manejo poco ortodoxo de la guitarra, que participa de manera intermitente durante la canción, con sonidos muy distintos entre sí. Por ejemplo, en el segundo 36, al terminar la frase “That you realized, what has been said”, hay un repiqueteo o punteo (pequeños golpes sobre las cuerdas); mientras que un minuto después (1’ 35”) al concluir la frase “It’s a sorry state, I say to myself”, el sonido es un requinteo más tradicional (notas largas). Y al llegar el puente de la canción (2’ 07”) la guitarra toma un papel prominente, aunque sin llegar a ser un solo, pues se combina con la voz de Dale Bozzio con un efecto de distorsión.

El manejo de las voces también es interesante, pues en algunos momentos Dale Bozzio “dialoga” con la guitarra y en otros, con los demás integrantes del grupo, que sirven de coro. Y sin tener una gran voz, Dale le imprime su sello muy personal a la interpretación, con la utilización de un falsete al final de ciertas frases.

Comparto a continuación, primero solo el audio de la canción, que de verdad vale la pena escucharse con mucha atención, por la multitud de detalles que presenta. Y después, el video promocional, que en su momento fue de vanguardia y que a la fecha ha inspirado visualmente a una que otra cantante contemporánea…

Dale Bozzio fue pionera y adelantada a su tiempo en el manejo de una imagen audaz

Dale Bozzio fue pionera y adelantada a su tiempo en el manejo de una imagen audaz

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Tanto Terry Bozzio (Baterista), como Dale Bozzio (Vocalista) y Warren Cuccurullo (Guitarrista) trabajaron en algún momento con Frank Zappa. Frank Zappa fue un compositor e intérprete, célebre por su gusto por lo poco ortodoxo, su predilección por el perfeccionismo, por su crítica social y por su afinidad con la música clásica postmoderna y el Jazz.

El simple hecho de haber trabajado con Zappa, es garantía de sus cualidades interpretativas:

Terry Bozzio ha colaborado con artistas como Jeff Beck, Duran Duran, Mick Jagger, Steve Vai, “The Knack”, Deborah Harry, “10CC” y es miembro del Salón de la Fama de los Bateristas Modernos.

Terry Bozzio ha llevado su habilidad interpretativa hacia nuevos estilos, algunos creados por él mismo

Terry Bozzio ha llevado su habilidad interpretativa hacia nuevos estilos, algunos, creados por él mismo

Warren Cuccurullo ha trabajado además de con Zappa, con Duran Duran, “Blondie” y en varios proyectos de Jazz. Zappa lo contrató porque “se sabía las partes de guitarra de cada canción de Zappa, incluso las de más extraños sonidos y bizarros usos de tiempos”.

Guitarra Vox modelo Winchester, muy similar a la modificada que Frank Zapap le regaló a Warren Cuccurullo y que este utilzaa en la época en la que salió esta canción

Guitarra Vox modelo Winchester 1967, muy similar a la modificada que Frank Zappa le regaló a Warren Cuccurullo y que este utilzaba en la época en la que salió esta canción

PD 2: La cuidadosa producción de esta canción, llena de detalles sonoros, se debe sin duda al trabajo de Ken Scott, legendario Ingeniero de Sonido, quien ha colaborado con artistas de la talla de “The Beatles”, “The Rolling Stones”, “Pink Floyd”, David Bowie, “Procul Harum”, “The Jeff Beck Group”, Lou Reed, “Supertramp”, “Kansas”, “Devo”, “The Tubes”. “Level 42”, “Elton John”, “The Hollies”, John Lennon, George Harrison y muchos otros más.

PD 3: La canción es bastante sólida porque su limpio sonido le da credibilidad al muy certero mensaje  y tiene además, un toque de humor típico del New Wave, cuando en la letra se menciona, para intentar llamar la atención, que: “I think I’ll dye my hair blue / Creo que teñiré mi cabello de azul”… (Tanto mi Mamá, como mi esposa y alguna que otra conocida, han usado frases similares con sus hijos para tratar de llamar su atención)

PD 4: La audaz imagen de Dale Bozzio y el entonces muy fresco sonido de la banda, eran la combinación perfecta para un incipiente MTV que los programaba frecuentemente, con resultados beneficiosos para ambos lados.

LA imagen del grupo, en especial la de Dale y su sonido fueron ideales para ser de los consentidos de un naciente MTV

La imagen del grupo, en especial la de Dale y su sonido, fueron ideales para ser de los consentidos de un naciente MTV

PD 5: En la letra se utiliza como metáfora de la falta de comunicación, el estar como sordo, mudo y ciego, imagen principal en la obra Tommy de la banda Británica “The Who”, que ya hemos reseñado.

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Rudie can’t fail, The Clash

En la cúspide de su capacidad creativa, “The Clash” reinterpreta los ritmos caribeños que invadieron la isla Británica a finales de los 70s, para defender enfáticamente a los chicos “Rude”. De su magnífico disco de 1979, “London Calling”: “Rudie Can’t fail

Hola,

Once años de gobierno del partido Laborista en Inglaterra (de 1964 a 1970 y de 1974 a 1979), marcados por políticas populistas, estatistas y controladoras, derivaron en un perene estancamiento social y económico, con el consiguiente desempleo e inflación que culminaron en un descontento que hartó a buena parte de la sociedad inglesa y muy particularmente a su juventud.

Es bajo estas circunstancias que el movimiento Punk (musicalmente importado de N.Y.) se afianza en la juventud británica, pues logra canalizar y expresar perfectamente el sentimiento de impotencia y desesperanza reinante en aquellos momentos (Ver reseña de la canción “Anarchy in the UK”).

El mejor exponente musical del Punk es, por mucho, “The Clash” y en parte lo es, no solo por hacer una crónica inteligente e irónica de lo que estaba sucediendo en su país (y buena parte del Mundo) allá en el final de los años 70s, si no por haber sabido incorporar su actitud Punk a otros ritmos y estilos musicales, sin perder su identidad, integridad y energía.

Y eso es precisamente lo que describe a “Rudy Can’t Fail”, ya que es una canción de actitud Punk que denuncia, se rebela y se solidariza, utilizando un estilo muy cercano al Reagge jamaiquino, pero, con el inconfundible sello “The Clash”.

La letra, es una especie de diálogo entre los guitarristas y vocalistas Mick Jones y Joe Strummer, en el que uno arremeda a la gente que criticaba y se burlaba de los chicos “Rude” (“Rude Boys”. ver reseñas “Death of the Rude Boy” y “A message to you Rudy”) y el otro contesta defendiéndose, como si fuera uno de ellos.

“Hear them sayin’                                      /    Los oigo decir:

How you get a rude and a reckless?     /    ¿Cómo distingues a un descortés e imprudente?

Don’t you be so crude and a feckless   /    No seas tan violento e irresponsable

You been drinking brew for breakfast      /       Bebiste cerveza de desayuno

Rudie can’t fail                                            /    No falla, es un Rudie

Letra de la cacnión impresa en la funda del disco LP en Vynil

Letra de la canción impresa en la funda del disco LP en Vynil

El valor de la canción está en su interpretación, pues tiene muchos elementos como para parecerse significativamente a un ritmo Reagge, pero, conserva un estilo muy particular de “The Clash”: Las voces se alternan entre Jones y Strummer, pero no de manera melódica, sino más bien como recreando una conversación muy casual entre dos jóvenes, totalmente  despreocupados por lo que los demás piensan de ellos. También la distinguen, la velocidad en la ejecución y la inclusión de una frase-himno que raya en el Pop: “Rudie can’t fail”.

En todo caso, es otra canción pegajosa, cuyo principal valor es la crónica muy precisa de una época y con un sonido bastante atemporal, que al menos, invita a seguir el ritmo si no es que a intentar algunos pasitos de baile jamaiquino.

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Podrían escribirse muchas páginas acerca del álbum “London Calling”, en esta postdata solamente mencionaremos algunas de sus distinciones:

Según la revista Rolling Stone 1987, 100 mejores álbumes:  Lugar 14

Revista Rolling Stone 1989: Mejor disco de la década de los 80s

Revista NME 1993, los mejores álbumes de los 70s:  Lugar 6

Revista Q 1999, los 100 mejores discos de Gran Bretaña: Lugar 4

Revista Rolling Stone 2002, 500 mejores discos de la historia: Lugar 8

PD 2: Buena parte del sabor jamaiquino de la canción se debe a la inclusión de una sección de metales (Trompeta, saxofón, trombón), ya que “The Clash”, tenía la clásica formación del Rock’n’Roll: dos guitarras, un bajo y una batería.

Esta prestigiosa sección de metales se agrupa bajo el nombre “The Irish Horns”, quienes han trabajado en conjunto o como solistas con gente como: Graham Parker, “Katrina and the Waves”, U2, “The Boomtown Rats”, Cliff Richard, Elvis Costello, Rory Gallagher, Phil Lynott y muchos más.

PD 3: El álbum fue producido por Guy Stevens, quien previamente había trabajado con “Mott the hoople” (“All the Young dudes”) y con “Traffic” (Que incluía entre sus miembros a músicos de la talla de Steve Winwood y Jim Capaldi) y cuyos métodos de grabación se consideraban poco ortodoxos, pero que compaginaron con los miembros de “The Clash” ayudándolos a formar un grupo compacto y comprometido, lo cual se nota destacademente en el disco.

PD 4: El disco fue grabado en los Estudios Wessex en Londres, donde también grabaron, entre otros, “The Sex Pistols” y “The Pretenders”

Stevens murió de manera trágica al poco tiempo de publicarse su obra maestra.

PD 4: Al final de la canción, la letra hace referencia hacia una de las prendas características de los “Rude Boys”, el sombrero tipo “Pork Pie”.

 

En la letra de la canción, se hace mención específica a este tipo de dombreros, típiocos de los "Rude Boys" "You think you're pretty hot In your pork pie hat But...Rudie can't fail"

En la letra de la canción, se hace mención específica a este tipo de sombreros, típicos de los “Rude Boys”
“You think you’re pretty hot
In your pork pie hat
But…Rudie can’t fail”

 

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

a 30 años . . .

Hola,

¿Se imaginan ver en una sola presentación a “The Who”, “Led Zeppelin”, “Dire Straits”, “Sting”, “U2”, “Paul McCartney”, “Elton John”, “David Bowie”, “Queen”, “Status Quo”, “Crosby, Stills & Nash”, “Neil Young”, “Eric Clapton”, “Bob Dylan” y a una veintena más de artistas?

Eso fue exactamente lo que sucedió el sábado 13 de julio de 1985, en el concierto “Live Aid”, cuyo principal objetivo fue recaudar fondos para aliviar un poco el hambre en Africa.

Ocho meses antes, el 29 de noviembre de 1984, a instancias de Bob Geldoff (Vocalista de “The Boomtown Rats” y protagonista de la película “The Wall”) salió al mercado “Do they know it’s Christmas?” como un primer intento de recaudar fondos para Africa…

Co escrita por Geldoff y Midge Ure (Guitarrista en “Ultravox”, “Thin Lizzy” y “Visage”), la canción surge a raíz de que Geldoff viera un documental de BBC acerca del hambre en Etiopía. Días más tarde, aprovecha una entrevista en BBC Radio, para lanzar la idea de sacar un sencillo para recaudar fondos para comprar y enviar alimentos a Etiopía, dándole gran publicidad al asunto…aunque, si tener aún la canción…

Trevorn Horn (Canción de la semana 3 – 7 Nov ’08), al no poder producir la canción, le ofrece a Geldoff su estudio en Londres, gratis, por 24 horas y Geldoff llama a Midge Ure para producir. La canción fue grabada y mezclada el 25 de noviembre de 1984.

Para lograr el ambiente necesario, romper el hielo (y probablemente diluir un poco los egos de la cantidad de artistas presentes en el estudio), Ure decide grabar primero el coro final de la canción: “Feed the World, let them know is Christmas time” en el que participan la mayor parte los participantes del evento (+ o – 50). Enseguida, pidió un voluntario para el primer solo de voz…por fin, Tony Hadley de “Spandau Ballet” se animó, cantó y abrió el camino para el resto de los solistas…solo es posible imaginarse la complejidad de grabar una canción que ninguno de los artistas conocía y con tan solo 24 horas para lograrlo…

Al día siguiente, Geldoff regresó a la BBC para anunciar la salida próxima del sencillo, indicando que todas las ganancias del mismo irían a Africa…En un principio el gobierno se negó a condonar el IVA, pero la presión del público hizo que, días más tarde, el Gobierno Británico declarara que ellos también donarían el IVA recaudado por la venta del disco.

Todo mundo puso de su parte, BBC Radio la programó 1 vez por hora durante varios días. A instancias de Geldoff, BBC TV programó el video (tomas de la grabación) en el programa musical “Top of the Pops” aún y cuando la tradición de dicho programa era sacar al aire únicamente canciones ya lanzadas.

La portada del disco es del artista Pop Británico Peter Blake, conocido también por la portada del “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”.

Las imprentas se comprometieron a sacar el vinilo dos días después y el disco llegó a las tiendas el 29 de noviembre…el resto, es historia.

Este sencillo rompió todos los records de ventas y de estadía en el #1 en Inglaterra y logró espectaculares ventas en subsecuentes navidades…Es un disco 6 veces platino.

Este esfuerzo, no solamente fue pionero en la consecución de fondos de caridad, sino que además, influyó para que otros artistas (Wham!, por ejemplo) donaran algunas de sus ganancias de aquella temporada navideña también.

 

Desde la Ciudad más grande del Mundo

JH

PD: Boy George quien le había confirmado a Geldoff su participación, tuvo que ser despertado en NY y enviado por Concorde a Londres para poder llegar a tiempo a la grabación.

PD 1: U2 fue incluido en este proyecto casi de último minuto y Bono dudó bastante en participar al saber que la línea que él cantaría era: “Well tonight thank God it’s them, instead of you”…hasta que entendió que no era una ironía, sino una expresión literal, tal y como se comenta en el magnífico documental: “From a Whisper to a Scream”

PD 2: Ok, ok, ok, ahí va la lista de algunos de los participantes en el proyecto: Duran Duran, Spandau Ballet, Bananarama, Culture Club, Wham!, Paul Young, Style Council, U2, Sting, Heaven 17, Status Quo, Ultravox, Cool and the Gang, Queen, Phil Collins, The Boomtown rats, Big Country, Paul McCartney, David Bowie, Annie Lennox, Frankie Goes to Hollywood, Tears for Fears…

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Somewhere in my heart, Aztec Camera

Hola,

Además de ser un medio de expresión para sus autores, las artes son, esencialmente, entretenimiento y en especial la música, que hoy en día es omnipresente ya que la oímos en el radio, en los reproductores mp3, en las computadoras, en espacios públicos y por otras muchas vías.

En mayor o menor medida, casi todos nos sentimos atraídos por alguna canción que nos hace sentir bien, que nos hace sonreír o incluso, que nos pone a llevar el ritmo o hasta nos hace querer pararnos a bailar.

Somewhere in my heart” es una de esas piezas divertidas; diríamos en México, que nos alivianan (que nos hacen sentir bien); fue escrita por Roddy Frame e intrepretada por el grupo que formó y lidereó, “Aztec camera”, en su álbum “Love”.

A pesar de que se trata de una canción pop sin mayores pretensiones, la letra tiene sus momentos:

“Somewhere in my heart                         /             En algún lugar de mi corazón

There is a star that shines for you        /             hay una Estrella que brilla para tí

Silver splits the blue                                  /             y su luz plateada rompe la tristeza

Love will see it through                            /             el Amor la traspasará

And somewhere in my heart                  /             Y en algún lugar de mi corazón

There is the will to set you free              /             está la voluntad de liberarte

All you’ve got to be is true                       /             Sólo tienes que ser auténtico”

Pero casi al final, refuerza su carácter meramente lúdico:

“From Westwood to Hollywood           /             Desde Westwood y hasta Hollywood

The one thing that’s understood          /             Lo único que se sobreentiende

Is that you can’t buy time                        /             es que no puedes comprar tiempo

But you can sell your soul                        /             pero puedes vender tu alma

And the closest thing to heaven is to rock and roll / y lo más cercano al Cielo es el Rock’n’Roll”

 

No cabe duda de que la ligereza y la cándida alegría que transmite esta canción, provienen de su ritmo y del buen ánimo en la interpretación de Roddy Frame. Comienza con una especie de salutación triunfal, pero, originada en un saxofón en vez de en las clásicas trompetas, que, después de un par de tarolazos, dejan que el bajo (ritmo) y la voz (emoción), tomen las riendas. La incursión esporádica de unos coros femeninos, de un piano y del saxofón, le dan cierto aroma a Rythm & Blues.

Guitarra marca Gretsch, modelo G5620T CB Electromatic, similar a la utilizada por Frame en el video de esta canción, que le da un toque vintage al sonido y a la imagen

Guitarra marca Gretsch, modelo G5620T CB Electromatic, similar a la utilizada por Frame en el video de esta canción, que le da un toque vintage al sonido y a la imagen

¿Mi recomendación? Súbanle al volumen, consíganse una botella de cerveza y bailen al ritmo de esta divertida canción atemporal, proveniente del ya lejano 1987.

 

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: En sus inicios, “Aztec camera” tenía un sonido totalmente “New Wave”; “Somewhere in my heart” y en general, todo el disco “Love”, implicaron un cambio radical de sonido, derivado de una madurez musical y que le significó al grupo su mayor éxito en el Reino Unido.

PD 2: Roddy Frame es Escocés, por lo que no tiene ningún nexo que explique el nombre de su grupo; “Aztec camera

PD 3: En el video de esta canción hay un par de referencias, voluntarias o involuntarias, a una de las influencias musicales de Roddy Frame;  “The Beatles” y en especial, a John Lennon

 

El atuendo, peinado, y tipo de guitarra utilizadas por Roddy Frame en este video, recuerdan a John Lennon de la época de Hambuurgo

El atuendo, peinado, y tipo de guitarra utilizadas por Roddy Frame en este video, recuerdan a John Lennon de la época de Hamburgo

 

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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When you were mine; Cyndi Lauper

Hola,

Su más grande éxito le permitió ser reconocida mundialmente, pero también la dejó asociada con una imagen de frivolidad, que a la larga no le hizo justicia a su música.

Se trata de Cyndi Lauper, compositora, cantante, escritora y actriz, cuya imagen “misfit” (inadaptada, desajustada) y el tono despreocupado, casi infantil, del video de su canción “Girls just wanna have fun” (Las chicas solo quieren divertirse), perduraron más en la mente del público, que la calidad de su música.

Cyndi Lauper fue modelo a seguir por quienes salían de la moda; era la Reina del look misfit

Cyndi Lauper fue modelo a seguir por quienes salían de la norma; era la Reina del look misfit

En esta ocasión, comentaré acerca de una canción escrita por otro gran menospreciado de la industria de la música pop: “Prince”, en la versión lograda por Cyndi Lauper en su muy exitoso disco de 1983,“She’s so unusual” (Ella es tan inusual): “When you were mine”.

Prolífico, cambiante, perdurable, compositor, cantante y bailarín; Prince  es un genio de la música, poco apreciado

Prolífico, cambiante, perdurable, compositor, cantante y bailarín; Prince es un genio de la música, poco apreciado

La letra de la canción se refiere al reclamo a una ex pareja, por haberlo dejado por otro. Nada sofisticado, nada poético, pero con ciertas frases con doble sentido que, en la versión de “Prince” suenan explícitas (para su época, 1980) y en la de Lauper resultan, al menos, confusas.

Musicalmente hablando, cualquiera de las dos versiones son reflejo de su tiempo; melodías simples y pegajosas acompañadas de sintetizadores prominentes.

La versión de Prince es, como la mayor parte de su música, sumamente bailable, aunque más cerca del New Wave que del Funk que lo caracterizó en buena parte de su carrera.

Prince, When you were mine

La versión en vivo de una presentación de Cyndi Lauper en el festival de Basel Suiza del 2008, nos muestra las capacidades interpretativas de Lauper, que sigo siendo la Reina del look misfit, que puede tocar guitarra y que, en sus propias palabras sabe ¡rockear!

Guitarra semi acústica Ovation CC257, comoo la utilizada por Lauper en su presentación del festival Basel en el 2008

Guitarra semi acústica Ovation CC257, como la utilizada por Lauper en su presentación del festival Basel en el 2008

Mirar del minuto 1’20”  a 4’36”

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: El disco “She’s so unusual” ha vendido más de 22 millones de copias en el mundo y en total, ha colocado más de 50 millones entre todas sus obras.

PD 2: También, fue el primer disco debut femenino en lograr, consecutivamente, 4 temas en el Top 5 de la lista Hot 100 de Billboard

PD 3: Cyndi Lauper es de las poquísimas artistas que cuentan en su haber con al menos un Grammy (Música) , un Emmy (Actriz de TV), un Tony (Guión y música para una obra de Teatro) y un MTV Video Music Award.

PD 4: Cyndi Lauper, junto con Madonna, quien surgió prácticamente al mismo tiempo que ella, dictaron la moda de miles de jovencitas a principio de los 80s; y sin ellas, no podría entenderse a otras artistas posteriores que usaron su imagen y los videos para sobresalir.

Sus looks estridentes más el advenimiento de MTV, hicieron que tanto Lauper como Madonna fueran imitadas por miles de jovecitas en los 80s

Sus looks estridentes más el advenimiento de MTV, hicieron que tanto Lauper como Madonna fueran imitadas por miles de jovecitas en los 80s

PD 5: Lauper es una de esas artistas, sin las cuales, MTV no hubiera sido lo que fue . . . y viceversa.

Al igual que con un puñado más de artistas, la simbiosis entre Lauper y MTV fue de sump provecho para ambos

Al igual que con un puñado más de artistas, la simbiosis entre Lauper y MTV fue de sumo provecho para ambos

PD 6: En su momento, la letra de la canción “Girls just wanna have fun”, se interpretó como una declaración feminista, casi como un himno de liberación.

Lauper fue un ícono feminista en su momento por su mega éxito "Girls just wanna have fun"; pero, lamentablemente, también le imprimió una imagen de chica chistosa que no le hace honor a sus capacidades interpretativas

Lauper fue un ícono feminista en su momento por su mega éxito “Girls just wanna have fun”; pero, lamentablemente, también le imprimió una imagen de chica chistosa que no le hace honor a sus capacidades interpretativas

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Pressure, Billy Joel

Hola,

En la reseña de la canción “Under pressure”, escribí acerca de la visión que tenían sus compositores respecto de qué pasa cuando se vive bajo presión.

En esta ocasión, voy a relatarles mi interpretación de la postura que tuvo otro gran compositor, Billy Joel, respecto del mismo tema y que quedó plasmada en su canción “Pressure”, publicada en 1982 (solo unos meses después que “Under Pressure”) y que formó parte de su disco “The nylon curtain”.

Billy Joel conjunta en esta canción su estilo narrativo con el sonido New Wave de la época

Billy Joel conjunta en esta canción su estilo narrativo con el sonido New Wave de la época

Esta canción es una especie de admonición de una persona experimentada hacia una más inmadura, o, más optimista, en la que la primera le advierte a la segunda, que tarde o temprano tendrá que enfrentarse a la presión (condición inherente a la vida humana):

“But you will come to a place  / Pero llegarás a un punto

Where the only thing you feel  /  en el que lo único que sentirás

Are loaded guns in your face  / es algo como una arma cargada apuntando a tu cara

And you’ll have to deal with pressure  /  Y entonces tendrás que lidiar con la presión”

Musicalmente, “Pressure” fue un intento de Billy Joel por actualizar su sonido y hacerlo parecerse a lo que sonaba a principio de los 80s: el “New Wave”; estilo que utiliza muchos sintetizadores.

Joel incurre en cambios de ritmos en el uso de los sintetizadores, para referirse a las dos visiones de los protagonistas: Para enfatizar la vida color de rosa de uno de los protagonistas, usa un ritmo lento y un sonido armonioso y cambia a un ritmo más rápido y perturbador para ilustrar lo que puede ser la presión.

En algunas partes, el sonido de esta canción apunta hacia la paranoia

En algunas partes, el sonido de esta canción apunta hacia la paranoia

El video de esta canción está visualmente referido a ciertas escenas de la legendaria película “Clockwork orange” / Naranja mecánica y metafóricamente, transmite muy bien la idea de lo que puede significar para una persona el estrés (La presión)

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: El carácter de esta canción es pesimista, pues asume que todos, llegado cierto punto en la vida, deberán lidiar con algún tipo de presión.

PD 2: En la letra de esta canción, Joel menciona diversas situaciones relativamente familiares: una teoría psicológica, un par de películas, un programa de televisión, una situación de beisbol y una revista  ¿Puedes identificarlas?

El video de esta canción toma prestadas de la legendaria película Naranja Mecánica, la escena del tratamiento psicológico con base en imágenes

El video de esta canción toma prestadas de la legendaria película Naranja Mecánica, la escena del tratamiento psicológico con base en imágenes

PD 3: Esta versión en vivo suena un poco más rockera debido a una mayor presencia de la batería, dos guitarras y la energética intervención de la percusionista Crystal Talifero.

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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