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Calico Skies Paul McCartney

“McCartney se autoplagia y produce una bizarra versión de “Yesterday”, 32 años después; “Calico Skies” baladita que vale la pena escuchar, de su disco “Flaming Pie de 1997

 

Hola,

Hace ya algunos años, reseñé aquí la famosísima canción “Yesterday” de “The Beatles”. La idea alrededor de aquella reseña era la extrema simplicidad musical de esa canción.

En esta ocasión, retomo otra canción de Paul McCartney, compuesta 32 años después, pero que es bastante similar en su estructura. Se trata de “Calico skies” aparecida en el álbum “Flaming Pie” de 1997 y que se mantiene en el mismo estilo minimalista.

McCartney la escribió durante un evento meteorológico que lo mantuvo sin electricidad por unos días, de ahí que la canción se interpreta tan solo con una guitarra acústica.

Lo que la distingue totalmente de “Yesterday”, es la letra. Por momentos parece una canción dedicada a su madre:

It was written that i would love you

Estaba escrito que que te amaría

From the moment i opened my eyes

Desde el momento en que abriera mis ojos

Pero más adelante y como el propio McCartney lo ha declarado,  la canción se convierte en una especie de canción de batalla, de protesta, en la que predomina la camaradería:

Always lookin’g for ways to love you,

Siempre buscando maneras de amarte

Never failing to fight at your side.

Nunca fallar al pelear a tu lado

While the angels of love protect us,

Mientras los anegeles del Amor nos protejan

From the innermost secrets we hide.

De los secretos más íntimos que escondemos

I’ll hold you for as long as you like,

Te sostendré todo el tiempo que quieras

I’ll hold you for the rest of my life

Te sostendré por el resto de mi vida

Long live all of us crazy soldiers

Larga vida para nosotros los locos soldados

Who were born under calico skies.

Que nacimos bajo los cielos Calico

May we never be called to handle

Ojala y nunca nos llamen

All the weapons of war we despise

A manejar las armas que tanto despreciamos

 

En realidad, no es tan extraño que McCartney mezcle temas en sus canciones, lo hizo desde que estaba en “The Beatles”; así que cada quien puede interpretar a su gusto lo que la letra le quiere decir.

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Guitarra Martin D28, similar a la utilizada por McCartney en esta canción

En cuanto a la música, consiste básicamente en la repetición de ciertos acordes suaves acompañados por la voz de Paul. Indudablemente que la melodía nos remite a la música tradicional Británica.

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Al igual que con “Yesterday”, esta canción fue coproducida con George Martin.

PD 2: Calico se refiere a una tela de algodón muy rústica que se producía en ciertas colonias Británicas. Aquí puede interpretarse quizá como un cielo gris, sin mayor chiste

Tela Calico

PD 3:En un caso extremo, esta canción  podría incluso ser una canción de cuna . . .

 

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Mundo Sennheiser

Ashes to ashes David Bowie

“No sé adónde iré después de aquí, pero les prometo que no será aburrido / “I don’t know where I’m going from here, but I promise it won’t be boring.” David Bowie”

Hola,

Hace solo unos días murió el que quizá ha sido el músico más peculiar de las últimas seis décadas: David Bowie. El hecho en sí me trastornó mucho, máxime que en lo personal, también estoy pasando por un trance de salud similar al que él enfrentó al final de su vida.

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Mutar era una característica de Bowie, tanto en su estilo musical, como en su imagen

Pero lo más triste, es saber que el Mundo y la cultura pop han perdido a una persona tan creativa, tan perfeccionista, tan divertida. Afortunadamente, aunque se va el Artista, nos deja su obra.

Allá por los inicios de los años 80s del sigol XX, una muy querida compañera de la Universidad (“Lady Slim” para mantener su anonimato), accedió a prestarme algo de la música que tenía. A diferencia de hoy, en ese entonces eso significaba prestar discos LP de vinyl que eran muy delicados y era una gran responsabilidad recibirlos en préstamo pues podían maltratarse muy fácilmente.

Lady Slim había cursado parte de la preparatoria en Boston, así que la música que trajo de allá era muy diferente a la que podía normalmente conseguirse en México, en aquella época de ostracismo cultural que reinaba en el país.

Entre la música que me prestó, estaba “Scary Monsters” (Monstruos terroríficos), obra de Bowie publicada en 1980.

Scary Monsters Cover

Portada del disco “Scary Monsters”, en la que Bowie encarana a otro de sus legendarios alter-ego: Pierrot-Bowie

Escucharlo por primera vez fue un shock. En primer lugar, nunca un disco me había producido emociones tan fuertes como encontradas, ignorarlo era imposible. Al principio me disgustó mucho, me pareció caótico e indigerible. Pensé que era el ejercicio caprichoso e “intelectualoide” de una estrella del rock para justificar su fama de originalidad.

Sin embargo, al terminar de escucharlo me quedó un tenue impulso, inexplicable, para volverlo a oír. Y qué bueno que lo hice, pues cada vez que volvía a escuchar una de sus canciones, iba descubriendo su genialidad, originalidad y sobre todo, su calidad.

Como mucha del resto de la obra de Bowie, su música es un reto. No es fácil de asimilar, es exigente y generalmente no da concesiones, pero a la larga, te convence por ser auténtica y conscientemente cercana a la perfección.

Del “Scary Monsters” tengo que recomendar “Ashes to ashes” / Cenizas a las cenizas.

Esta frase es utilizada frecuentemente en los sepelios, por lo que está asociada a la muerte, a un final y justamente el disco “Scary Monsters”, significó en su momento, el final de una etapa en la carrera artística de Bowie.

Muchas de las frases de la letra tienen un tinte sospechosamente autobiográfico. En particular, a mí me gustan los siguientes versos:

“I never done good things / Nunca hice cosas buenas

I never done bad things / nunca hice cosas malas

I never did anything out of the blue / nunca improvisé”

En general, la canción tiene un tono melancólico. Intentar describir la melodía con palabras sería complicado e inútil; solo me atrevería a decir que es un intrincado conjunto de sonidos que logran el objetivo de transmitir esa sensación de añoranza. . . y desapego.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Estas son algunas de las reseñas que anteriormente he hecho a canciones de David Bowie.

Under Pressure

Thursday Child

Space Oddity

PD 2: David Bowie es uno de los muy pocos músicos que lograron mantenerse en los 5 primeros lugares de las listas, sea con sus álbumes o con sencillos, en 6 décadas diferentes (60s, 70s, 80s, 90s, 00’s y 10’s)

PD 3: Algunas veces, para lograr el sonido que quería para cierto disco, Bowie reclutaba músicos de primer nivel para expresarles sus ideas y pedirles su colaboración; esta fórmula no solo le dio éxito, sino que además, dejó profundas huellas artísticas en los músicos que trabajaron con él (cómo puede constatarse en el muy interesante documental de la cadena británica BBC: “Bowie: 5 years” / Bowie: 5 años). Algunos de esos afortunados músicos fuero: Rick Wakeman (“Yes”), Brian Eno (“Roxy Music” / U2), Luther Vandross, Pete Townshend (“The Who”), Nile Rodgers (Chic, Diana Ross, “INXS”, “Duran Duran”, Madonna), Robert Fripp (“King Crimson”) y varios más.

PD 4: En esta canción se hace una referencia muy directa a un personaje que aparece en el primer gran éxito que tuvo Bowie en su carrera: el astronauta “Major Tom” y a través de la letra y de ciertos rasgos autobiográficos que hay en la misma, podría fácilmente deducirse que Bowie está cerrando un círculo, despidiéndose así de una etapa de su vida y de una parte de su estilo musical.

La letra de la canción comienza así

“Do you remember a guy that’s been / ¿Te acuerdas de un tipo que ha estaso
In such an early song / en una antigua canción?”

Y termina así:

“My mother said to get things done / Mi mmadre dice que para lograr algo
You’d better not mess with Major Tom / no hay que volverse a meter con el Mayor Tom”

En lo que parece un claro mensaje de que a pesar de su gran éxito con música del pasado, hay que dejarla de lado para poder seguir adelante.

Este personaje el Mayor Tom, ha sido referenciado en canciones de otros muchos artistas e incluso tiene una secuela en la canción de 1983 del artista Alemán, Peter Schilling, “Major Tom (Coming home).

PD 5: Gracias Bowie, gracias

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Safe from harm, Massive Attack

Hola,

Uno de los grupos con trayectoria a presentarse en el Festival Corona Capital 2014 es “Massive Attack”, que hoy en día, está formado fundamentalmente como dueto por Robert del Naja y Grant Marshall. Sus orígenes se remontan a principios de los 80s, en los que formaban parte de un grupo de arte colectivo y DJs que se hicieron famosos por amenizar las mejores fiestas en Bristol, en Inglaterra.

A veces dúo, a veces trío "Massive Attack" Imágen por Mnollock

A veces dúo, a veces trío “Massive Attack”
Imágen por Mnollock

En 1987 junto con un tercer miembro que luego dejó la agrupación, se forma “Massive Attack”; del Naja y Marshall consideran que su música es de un estilo único, por lo que no simpatizan con la idea de que se les categorice; pero, podría decirse que su sonido es electrónico, con un ritmo siempre un poco más lento que la música electrónica para bailar.

De su disco debut “Blue lines”, de 1991, la canción abridora es “Safe from harm” que es  la que comentaremos en esta oportunidad.

Mi interpretación de  la letra es, que ante un escenario casi ineludible de caos, omnipresente en las sociedades urbanas, este puede tolerarse, mientras no lastime nuestro entorno más íntimo, porque de suceder así, podría haber graves repercusiones . . .

“Midnight rockers                                 /     Rockeros de la medianoche

City slickers                                            /     Animales urbanos

Gunmen and maniacs                          /     Pistoleros y maniánticos

All will feature on the freakshow      /     Todos aparecerán en el show bizarro

And I can’t do nothin’ ‘bout that, no /     Y no puedo hacer nada al respecto

But if you hurt what’s mine                /     Pero si hieres lo que es mío

I’ll sure as hell retaliate”                     /     Ten por seguro que responderé

 

Después de una introducción en la que predominan el bajo y las percusiones, fijando un ritmo no totalmente bailable, entra en escena, en la versión original, la deliciosa voz de Shara Nelson. Conforme avanza la canción van incorporándose sutiles sonidos de teclados y piano, así como un muy fino y etéreo rapeo por parte de Del Naja.

La canción incursiona tangencialmente en el funky, mediante una fugaz aparición de un rasgueo  de guitarra, pasa por más rapeo y regresa al coro principal, siempre con un sonido envolvente y relajante, que invita a observar el atardecer desde alguna azotea en el centro de la ciudad, acompañado de tu bebida favorita.

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Su estilo fresco, relajado, animoso pero sin llegar a la euforia, se constituyó en toda una influencia, discernible en lo que desde los 90’s y por varios años más, se conoció como música lounge, popular en muchísimos bares alrededor del mundo ya que logra poner un ambiente festivo y al mismo tiempo, permite sin mayor problema, mantener una conversación.

Lounge bar

El género “Trip-Hop” así como otros parecidos, cobraron gran auge en los bares lounge

PD 2: Por el grupo han pasado varias vocalistas; tal es el caso de Tracey Thorn (“Everything but the girl”) de quien ya hemos hablado en este espacio y otras como: Sinead O’Connor o Elizabeth Fraser

PD 3: Por su carácter poco intrusivo pero atrayente, la música de “Massive Attack” ha sido utilizada extensamente en soundtracks de películas y series de TV: “The Jackal”, “Batman forever”, “The Matrix”, “Blade II”, “Push” y otras

 

"Massive Attack" participa en el soundtrack de esta y de otras películas

“Massive Attack” participa en el soundtrack de esta y de otras películas

PD 4: Sus antecedentes como DJs, me hacen pensar que los integrantes de “Massive Attack” tienen un extenso conocimiento de otras piezas de música contemporánea; lo cual, se nota por el uso de sampleo (utilización de partes de otras canciones) en “Safe from harm”. Por ejemplo, la base rítmica (Bajo y batería) viene de la obra “Stratus”, del baterista de Jazz, Billy Cobham.

PD 5: “Massive Attack” ha recibido múltiples nominaciones y premios, como en los “MTV Awards”, “Q Awards” o los “Brit Awards”

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Before today, Everything but the girl

Hola,

Existen varios ejemplos de cómo el trabajo combinado entre dos músicos, muchas veces dominado por fuerzas de tensión-cohesión, ha producido grandes canciones y carreras muy exitosas. A la mente vienen: Lennon/McCartney (“The Beatles”), Jagger/Richards (“The Rolling Stones”), Simmons/Stanley (“Kiss”), Bono/”The Edge” (“U2”), Slash/Rose (“Gun’n’Roses”) y varios otros más. Las duplas mixtas, son menos numerosas y no pocas veces, menos conocidas.

En este blog ya he hablado de un par de ellas: “The Carpenters” y “The white stripes”.

Ahora, es el turno de la pareja que formó “Everything but the girl”, surgidos en 1982, pero, con una amplia discografía y algún éxito importante en los 90s.

Integrado por Tracey Thorn y Ben Watt, este dúo se posicionó en un subgénero poco conocido, denominado “Sophistipop” (Pop sofisticado), que consiste en tener una música elegante, influenciada por el Jazz, pero accesible; el ejemplo más conocido de este sonido es el grupo Sade.

Ben Watt y Tracey Thorn, dúo que formó "Everything but the girl"

Ben Watt y Tracey Thorn, dúo que formó “Everything but the girl”

De su disco “Walking wounded”, de 1996, voy a tomar el primer corte, de nombre “Before today”, para reseñar en esta ocasión.

Portada del disco "Walking wounded", de donde salió la cacnión de esta reseña

Portada del disco “Walking wounded”, de donde salió la cacnión de esta reseña

En esta pieza se combinan, la tendencia jazzística original del dúo, con la muy notable influencia electrónica (Ver la reseña “Daydream in blue”), surgida de su colaboración con la banda “Massive Attack”; el resultado es una canción con varios cambios de ritmo, pero siempre de carácter suave, totalmente diseñada para escucharse, disfrutarla y relajarse.

La letra tiene dos partes claramente separadas, aunque, muy relacionadas y totalmente identificables a lo largo de la canción:

Una muy clara y enfática petición de una persona, acerca de lo que no quiere recibir de su pareja:

“I don’t want excuses / No quiero excusas

I don’t want your smiles / no quiero tus sonrisas

I don’t want to feel like we’re apart a thousand miles /

No quiero sentir que estamos a miles de millas de distancia

I don’t want your attitude / no quiero tu actitud

I don’t want your things / no quiero tus cosas

But I don’t want a phone that never rings /

Pero no quiero un teléfono que nunca suena”

Y una muy simple solicitud, no siempre fácil de ser complacida:

“I want your love and I want it now” / Quiero tu Amor y lo quiero ahora

En cuanto a la música, yo diría que hay tres elementos destacables: la voz suave y atractiva  de Tracey, la multitud de sonidos electrónicos producidos en su mayor parte por Ben y una intermitente batería que de pronto acelera un poco el ritmo de la canción, pero nunca hasta el punto de hacerla bailable.

A continuación, está el audio de la versión Adam F Remix

Cercana en su sonido al “Chill Out” (Ver la reseña “Daydream in blue”), yo recomendaría escuchar esta canción en la Ciudad, al atardecer, acompañados de un buen coctel.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: De manera similar a lo sucedido con los integrantes del dúo “The white stripes”, Tracey y Ben eran también pareja sentimental y mantuvieron este aspecto de su relación muy discreto, casi escondido, para proteger su privacidad.

PD 2: “Everything but the girl” surgió en Hull, ciudad costera al este de la Gran Bretaña. En esta misma pequeña ciudad, surgieron otros grupos como “Sade”, también identificado con el sub género “Sophistipop” (Pop sofisticado) y el desconocidísimo, pero muy divertido,  “The Housemartins”. También oriundo de Hull, fue el guitarrista Mick Ronson, quien colaboró en varios importantes proyectos con David Bowie.

PD 3: Tracey y Ben tuvieron algunas colaboraciones con otras agrupaciones; participaron en el disco “Café Bleu” del grupo “The style council” (También pate del sub género “Sophistipop”) y como ya mencionamos, tomaron sus influencias electrónicas del grupo “Massive attack”, con quienes participaron en un par de canciones.

PD 4: El curioso nombre artístico de este dúo, fue tomado directamente del slogan de una mueblería en Hull.

Esta mueblería aseguraba que tenía todo para el hogar, excepto a la chica

Esta mueblería aseguraba que tenía todo para el hogar, excepto a la chica

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Effect and cause, The white stripes

Hola,

A lo largo de la historia de la música pop contemporánea, ha habido algunas parejas famosas y exitosas, contándose entre estas:

Sony y Cher, en los 60s

Music File Photos - The 1960s - by Chris Walter

Ike & Tina Turner, también en los 60s

IkeTina2

Karen y Richard Carpenter (“The Carpenters”), en los 70s

carpenters

Annie Lennox y Dave Stewart (“Eurythmics”) en los 80s.

eurythmics

Aunque este tipo de agrupaciones, parejas mixtas, han sido excepción más que norma, a partir de los años 90 del siglo XX han seguido surgiendo algunos otros dúos interesantes para escuchar.

En esta ocasión, comenzaremos con “The White Stripes”. Formados en 1997, este dúo toma prestado del Blues la temática y parte de su sonido; del Punk su extrema simplicidad y el tratamiento de ciertos temas y del Garage Rock su sonido deliberadamente burdo, casi amateur.

"The white stripes" Otro dueto exitoso, surgido en 1997

“The white stripes”
Otro dueto exitoso, surgido en 1997

La mayor parte de sus canciones incluyen solo 3 elementos musicales: i) Percusiones, a cargo de Meg White, autodidacta, ii) guitarra iii) y voz a cargo de Jack White; o, Piano, percusiones y voz. Este minimalismo sónico, rebasa incluso la simplicidad del sonido Punk de los 70s.

En adición, para buena parte de sus grabaciones, los White, sobretodo Jack, utilizaron instrumentos antiguos, así como amplificadores y consolas de grabación, viejas también (aunque en ocasiones combinando gadgets digitales para lograr ciertos sonidos que compensaran un poco la falta de instrumentos).

jack white gretsch rancher

Guitarra Gretsch modelo Rancher Rita Hayworth, como la utilizada por JAck White en su presentación en el programa Jools Holland Later!

Elegir una canción de “The white stripes” para reseñar, no fue nada fácil, ya que su sonido alternativo no es sencillo de asimilar. “Effect and Cause” es una canción con una letra inteligente, un mensaje original y un sonido muy simple. Es el track 13 de su disco del 2007 “Icky thump”.

La letra es una muestra del ingenio creativo de Jack White, en la que describe cierto tipo de comportamiento manipulador, por el que una persona crea un problema y luego enfoca la discusión en la reacción del afectado.

“Well first came an action and then a reaction

But you can’t switch ‘em ‘round for your own satisfaction”

Bien, primero viene la acción y después la reacción

Pero no puedes intercambiarlas solo para tu satisfacción

En la versión en vivo que estoy presentando a continuación, es sumamente interesante observar y escuchar  como Jack White utiliza el canal derecho y el canal izquierdo para cantar difrerentes frases de la canción, lo cual, enfatiza la principal dualidad tema de la misma: Causa-efecto, acción reacción.

……

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: A pesar de tener  un sonido alternativo difícil de asimilar, “White Stripes” tuvo bastante éxito; colocó canciones en los primeros lugares de las listas tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido y ganó varios importantes premios como Grammys, Brits (El equivalente Británico de los Grammys) y MTVs

PD 2: En parte debido a su originalidad y en parte a lo prolífico y artísticamente inquieto que es Jack White, es que músicos de la talla de “The Rolling Stones”, Alicia Keys, Jimmy Page (“Led Zeppelin”), “The Edge” (U2) o Norah Jones, han buscado trabajar con él. En este espacio hemos reseñado la excelente “Shakin’ all over” en colaboración con la leyenda del género “Rockabilly”, Wanda Jackson.

PD 3: Una caracterísitca de “White Stripes” es el uso exclusivo de los colores rojo, negro y blanco para las portadas de sus discos y para sus presentaciones en vivo. Esta idea viene de Jack White quien como tapicero en su adolescencia, tuvo la oportunidad de trabajar con telas y colores.

La versión del disco "Icky thump" en memoria USB, también mantuvo el uso exclusivo de los colores Blanco, Rojo y Negro

La versión del disco “Icky thump” en memoria USB, también mantuvo el uso exclusivo de los colores Blanco, Rojo y Negro

White ha declarado que el uso de estos tres colores era deliberado, pues son colores que, combinados, causan de manera natural un impacto emocional en los seres humanos.

La importancia de la combinación de estos colores, desde hace mucho tiempo, queda manifiesrta en el interesante  artículo “Red as Blood, White as Snow,Black as Crow: Chromatic Symbolismof Womanhood in Fairy Tales” / Rojo como la sangre, blanca como la nieve, Negro como cuervo: El Simbolismo Cromático de la condición de mujer en los cuentos de hadas, del Antropólogo Francisco Vaz da Silva.

Y muchos diseñadores contemporáneos  lo han plasmado también en logotipos exitosos.

Los colores Blanco Rojo y Negro son de gran impacto para el ser humano, por eso se usan frecuentemente para transmitir ideas o provocar emociones

Los colores Blanco Rojo y Negro son de gran impacto para el ser humano, por eso se usan frecuentemente para transmitir ideas o provocar emociones

PD 4: Por mucho tiempo, Jack y Meg decidieron presentarse ante el público como hermanos, cuando en realidad eran esposos y aunque se divorciaron, todavía siguieron un tiempo como pareja artística. Contrario a la costumbre, fue Jack el que tomó el apellido de su esposa.

Después de divorciarse de Jack, Meg se casó con Jackson Smith, hijo de la cantante y escritora Patti Smith, de quien recientemente reseñé su canción “Because the night” en este blog.

Jack, viene de una familia Católica y poco antes de dedicarse a la tapicería y a la música, estuvo a punto de inscribirse en un Seminario para convertirse en Sacerdote.

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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At your side, The Corrs

Hola,

Un tema presente en la música popular contemporánea, aunque no tan recurrente como el Amor, es la Amistad.

Muy en la línea del apoyo incondicional, externado en canciones como “I’ll stand by you” del grupo “Pretenders” (reseñada en este blog), “You got a friend” de Carole King o “You’re my best friend” de “Queen”, en esta ocasión hablaremos del tema “At your side”, grabado para el disco “In blue” de la agrupación Irlandesa “The Corrs”, en el año 2000.

Los hermanos Corr, que aprendieron música de sus padres, fueron muy exitosos en Europa en los 90s

Los hermanos Corr, que aprendieron música de sus padres, fueron muy exitosos en Europa en los 90s

At your side” es una balada pop, cuya letra es una declaración firme y clara de apoyo y amistad:

When the daylight’s gone,                                     /      Cuando la luz del día se ha ido,

and you’re on your own                                          /      y estás solo

And you need a friend, just to be around         /      y necesitas a un amigo, que esté ahí

I will comfort you, I will take your hand           /      yo te confortaré, tomaré tu mano

And I’ll pull you through, I will understand    /      y te sacaré adelante, yo te entenderé

La idea logra transmitirse aún mejor gracias a las armonías vocales de las hermanas Corr.

La interpretación de esta canción en el concierto acústico (“Unplugged”) es brillante, ya que deja ver el entusiasmo y la alegría de interpretar una obra propia.

Al inicio, son el piano y el violín, intrepretado por Sharon Corr, los que llevan la melodía y más adelante son dos guitarras acústicas y un bajo, también acústico, los que acompañan a la voz de Andrea Corr.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD 1: En esta versión de su concierto “Unplugged” para MTV, puede apreciarse, de izquierda a derecha, a Sharon Corr tocando el violín y haciendo coros, a Andrea Corr en la voz principal, a Caroline Corr tocando un pandero (Normalmente es la baterista) y a Jim Corr en la guitarra acústica de 12 cuerdas.

PD 2: El disco de esta presentación fue muy exitoso en Europa, llegando a vender más de dos millones de copias

PD 3: Jim y Sharon aparecieron en la cinta “The Commitments” (reseñada con anterioridad en este blog) en cuyas audiciones, fueron descubiertos por quien después fuera su manager.

PD 4: “The Corrs” aparecieron tanto en la Copa del Mundo de Estados Unidos en 1994, como en los Juegos Olímpicos de Atlanta en 1996.

PD 4: “The Corrs”, después de “The Beatles”, fueron la segunda banda en tener los lugares 1  2 en las listas de álbumes en el Reino Unido con dos discos distintos y de manera simultánea.

PD 5: Dentro de su repertorio cuentan con varias piezas Celtas, dado su origen Irlandés (Para conocer más acerca de la música pop contemporánea de Irlanda, ver la reseña “Linger”)

PD 6: “The Corrs” ha ganado el premioi Brit (el equivalente Inglés de los Grammys Estadounideneses) y ha sido nominado en un par de ocasiones al Grammy.

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Seven years in Tibet David Bowie

Hola,

En este mismo Blog he comentado en varias oportunidades, que la música Pop contemporánea se desarrolló a partir de la necesidad de divertirse por parte de ciertos jóvenes músicos de la década de los 50s del siglo XX. Como resultado de lo anterior, por algún tiempo el objetivo primordial de esta música era el baile y su temática principal, las historias de amor (o desamor).

Tan solo unos años después, algunos jóvenes se tomaron más en serio las cosas y llevaron la temática de su música más allá de su entorno inmediato; uno de los percusores de esta idea de hablar acerca de temas “serios” fue el estadounidense Bob Dylan, quien a su vez, le recomendó a hacer lo mismo a los miembros de “The Beatles” y desde entonces, la música juvenil contemporánea ha enriquecido su contenido incluyendo los más diversos temas.

Para el comentario de esta ocasión, he elegido una obra sofisticada, retadora y demandante, que ejemplifica muy bien esta corriente de música seria, comprometida, con mensaje.

Y para poder entenderla mejor, hay que tomar dos referencias muy concretas; la primera, es la invasión del Tibet por parte del ejército Chino en 1950. Y la segunda, la admiración que desde muy joven ha sentido el músico David Bowie por la cultura Budista y por el Tibet.

Según el mismo Bowie, más o menos a la edad de 19, un libro cambió su visión de la vida; “Seven years in Tibet”, escrito por Heinrich Harrer, un aventurero Alemán, que describe su estancia en aquel país, previo a la ocupación por parte de China.

sieben jahre in tibet

Las memorias de un aventurero germánico que dieron a conocer más ampliamente a la cultura occidental la vida en el Tibet

Varias canciones de Bowie hacen referencia a las imágenes a la vez exóticas y espirituales que se inspiran en los relatos de aquel libro; pero no sería sino hasta 1996 cuando Bowie plasmaría su visión y sentimiento hacia la ocupación de Tibet por parte de China y la vez su admiración hacia el libro de Harrera través de la canción cuyo nombre es precisamente: “Seven years in Tibet” de su álbum “Earthling”.

El primer verso de la canción basta para mostrar el fondo del mensaje:

“Are you OK?                                   /      ¿Estás bien?

You’ve been shot in the head     /      Te han disparado en la cabeza

And I’m holding your brains      /      Y yo estoy sosteniendo tu cerebro

The old woman said                      /      Dijo la vieja mujer

So I drink in the shadows            /      Así que bebo las sombras

Of an evening sky                           /      De un cielo al atardecer

See nothing at all”                          /      y no veo nada

Es la imagen de alguien que sabe que está muriendo, aunque no sepa porque.

La música complementa perfectamente la imagen anterior. Comienza con una especie de marcha en la que el tambor puede significar la marcha del ejército Chino, que va adentrándose en la villa tibetana, representada por sonidos casi etéreos del sintetizador, que van de un lado a otro como el viento de la montaña.

Repentinos sonidos cortos de guitarra rompen con la armonía que marcan los suaves rasgueos de la guitarra y la breve y repetitiva melodía del saxofón; es la irrupción violenta que rompe con la pacífica rutina inmemorial del poblado.

Aquí y allá (canal derecho y canal izquierdo) se escuchan algunos disparos.

Y es en medio de esta lenta y confusa yuxtaposición de realidades, la apacible y cotidiana con la sorpresiva y destructiva, que sucede la reflexión del moribundo.

A continuación, la canción cambia de ritmo e intensidad y las guitarras y el bajo forman una especie de Guernica sónico que ilustra la violencia de la situación.

Nitefly Parker Guitar Reeves Gabrels

Guitarra modelo Nitefly, marca Parker, como la utilizada magistralmente por Gabrels en esta canción

Guernica: expresión visual del horror de la guerra. Pintura de Pablo Picasso que

Guernica: expresión visual del horror de la guerra. Pintura de Pablo Picasso

De ahí al final, el ciclo se repite, mientras Bowie a través de un mantra nos afirma que nada se destruye (El Alma es eterna) (“Nothing ever goes away”   /  Nunca nada se va)

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Para una más amplia explicación de la influencia del Budismo en la música de Bowie, y en particular una más detallada y profunda explicación de “Seven years in Tibet”, existe este excelente blog: “Pushing ahead of the dame” de Chris O’Leary.

PD 2: En la composición de esta canción participó el guitarrista Reeves Gabrels, quien en algún momento de su carrera tuvo una breve aparición con el grupo Británico “The cure”; en “Seven years in Tibet” la ejecución de Gabrels en la guitarra es fundamental para transmitir la sensación de caos y destrucción que ha de haber sentido la gente del Tibet durante su sometimiento por parte del ejército Chino

La imagen, el estilo musical y la proclividad a la experimentación e improvisación, le permitieron a Gabrels integrarse naturalmente al resto del equipo de Bowie para este disco

La imagen, el estilo musical y la proclividad a la experimentación e improvisación, le permitieron a Gabrels integrarse naturalmente al resto del equipo de Bowie para este disco

PD 3: Casi de manera simultánea a la aparición del disco “Earthling”, se estrenó la película “Seven years in Tibet”, protagonizada por Brad Pitt en el papel de Heinrich Harrer; lo cual refleja el interés que por aquella época volvió a sucitarse en relación a la situación, todavía hoy prevaleciente, en Tibet.

Movie 7YIT

Película basada en el muy influyente libro de Harrer

PD 4: La promoción de este disco en 1997 permitió la única presentación de David Bowie, en México hasta la fecha;  inaugurando del Foro Sol el 23 de octubre de 1997.

Bowie Foro Sol

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Where have all the cowboys gone? Paula Cole

Hola,

En la entrega anterior (“Voices carry, ‘til Tuesday”), hablamos acerca de cómo algunas intérpretes comenzaron a usar su música como vehículo de protesta en contra de actitudes machistas.

En esta ocasión, presentaré una reseña de una canción más reciente, que fue un paso más allá y que, sin caer en acusaciones burdas o en referencias comunes, denuncia otro tipo de abuso: el robo de sueños.

Se trata de “Where have all the cowboys gone?” de la intérprete Paula Cole, surgida de su disco “This fire” lanzado en 1997.

"This fire" disco en el que Paula Cole , compuso, produjo e interpretó

Disco que Paula Cole compuso, produjo e interpretó

La canción habla acerca de cómo se siente la protagonista, al darse cuenta de que a cambio de entregar su Amor, ha recibido una vida que no se parece en nada a sus sueños; historia enmarcada en un escenario rural Estadounidense, que fácilmente refleja situaciones similares que acontecen en cualquier otro lugar.

Esta sensación de desencanto queda perfectamente plasmada en el coro de la canción:

Letra Where have

Entiéndase que cuando Cole habla de “cowboys” / vaqueros, la imagen se refiere a lo que en las culturas latinas se entendería como Caballeros, es decir, hombres dedicados a proteger, honrar y halagar a las mujeres.

En cuanto a la música, resalta el manejo de la voz de Cole, quien utiliza diferentes técnicas para enfatizar los diferentes mensajes; así, por ejemplo, prácticamente susurra en las partes de la canción donde se quiere transmitir sensualidad y aumenta el volumen de su voz complementado con un poco de falsete, en las partes en las que busca expresar frustración.

También cabe destacar el uso de coros y la presencia constante de la batería que le dan dinamismo y carisma a la canción, a pesar de la temática.

En el video de la canción, Paula Cole utiliza además, expresiones faciales totalmente sincronizadas con los mensajes de la letra.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Paula Cole impulsó su carrera profesional al participar como corista en la gira “Secret World” de Peter Gabriel (ex Genesis) en 1993 y 1994.

Cole Gabriel 2

Cole interpretando a dúo “Don’t give up” con el legendario Peter Gabriel

PD 2: También logró algo de notoriedad internacional con su canción “Feelin’ Love” que fue incluída en 1998 en el soundtrack de la película “City of Angels” (Un Angel enamorado)

PD 3: Otra lectura posible a esta canción, sería el que aquellas mujeres que lo dejan todo; estudios, familia, carrera, a cambio de seguridad económica, pueden quedar atrapadas en un trampa si el amor no es recíproco.

PD 4: Cole no solo escribió la totalidad de las canciones del disco “This fire”, sino que además, lo produjo y encima, logró una nominación en la categoría Gammy Mejor Productor, siendo hasta entonces, apenas la tercera mujer nominada en dicha categoría.

PD 5: Esta canción logró tres nominaciones Grammy en 1997 y una en los MTV Award

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Friday I’m in love, The Cure

Hola,

En esta ocasión es el turno del viernes, día que en muchos países es el preámbulo del fin de semana y por lo tanto, es un día de espíritu divertido.

Acorde con dicho carácter, la canción que he elegido para reseñar en esta oportunidad y que habla del viernes, es una obra simple y alegre.

Se trata de “Friday I’m in love” del grupo inglés “The Cure”, surgida del disco “Wish” de 1992.

Esta canción es la antítesis de la obra de “The Cure”; identificados con movimientos como el “Goth”, que hacen énfasis en temas como la melancolía o la  franca depresión, la muy deliberada alegría inyectada a este tema, desconcertó a muchos de los seguidores del grupo.

Pero por otra parte, desde los primeros acordes es totalmente claro que se trata de una canción de “The Cure”, es decir, tiene su inconfundible sello.

La canción tiene dos partes, un poco al estilo de algunas canciones de “The Beatles”, en las que dos historias aparentemente inconexas, conviven en la letra.

La historia principal es una argumentación de porque el viernes es el mejor día de la semana, opinión resumida en la frase “Friday I’m in love” / El viernes me enamoro. La otra parte, es un relato de su pareja teniendo un almuerzo a la media noche.

Comienza con una parte instrumental que dura 30 segundos, en los que el riff de la guitarra ya denota el ánimo festivo de la canción y a un ritmo que definitivamente invita a saltar y a girar; a continuación entra Robert Smith, con una interpretación luminosa, bastante distinta a las melancólicas que suele ofrecer y la canción concluye con otros 30 segundos instrumentales que incluyen tarareos y juguetones sonidos provenientes del teclado y la guitarra.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: A lo largo de la existencia de “The Cure”, el motor del mismo y prácticamente el único miembro permanente desde 1977, ha sido su icónico vocalista Robert Smith.

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Robert Smith, fundador de The Cure y figura icónica del movimiento Goth

Caifanes

La imagen y la música de The Cure ha sido influencia para muchos grupos alrededor del Mundo; la banda mexicana Caifanes es un ejemplo

PD 2: A finales de los 70s, “The Cure” y el grupo “Siouxie and the Banshees” compartían la misma compañía disquera e hicieron una gira juntos en la que Robert Smith tocó para ambas bandas. Despuçes, en 1983, Smith participaría en la grabación del disco “Hayena” de “Siouxie and the Banshees” y en la gira de su promoción.

Siouxie Sioux & Robert Smith

Robert Smith y Siouxie Sioux.
¿Quién le copió el look a quién?

PD 3: En el video de la canción puede observarse al guitarrista en turno de la banda, Porl Thompson, utilizando una guitarra Hopf modelo Saturn 63

HopfSaturn63

Guitarra Hopf modelo Saturn 63 como la utilizada en el video por Porl Thompson. Existen réplicas recientes fabricadas por la casa Emerson

El mismo Thompson fue el encargado de diseñar la funda del sencillo

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Funda del sencillo diseñada por el guitarrista del grupo.
Por su vitalidad esta canción ayudó a atraer a nuevos fans hacia la música de “The Cure”

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Thursday’s Child

Hola,

Es la antesala del fin de semana y día dedicado a Júpiter (O al Dios Thor en las culturas del norte de Europa, de ahí el nombre Thursday) y aun así, no fue fácil encontrar una canción que hable del jueves.

La canción elegida surge de un artista tan pródigo como difícil de asimilar, inclasificable y mutante. Se trata de “Thursday’s Child” del disco “Hours…” publicado en 1999 por David Bowie.

En esta canción, el inconfundible e inquietante estilo vocal de David Bowie, contrasta con una melodía accesible, prácticamente pop; algo sumamente raro dentro de su muy grande repertorio.

La confección musical, quizá por no ser tan compleja, es casi perfecta en su ejecución. La versión en vivo que presento a continuación, incluye una guitarra acústica de doce cuerdas, una guitarra eléctrica, un sintetizador, batería, bajo y a dos vocalistas femeninas y cada uno de sus sonidos es fácilmente discernible e identificable de manera individual, a la vez que es una delicia escucharlos en su conjunto.

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Guitarra acústica Takamine, como la utilizada en la presentación del video adjunto y cuyo sonido es perfectamente discernible, al igual que el resto de los instrumentos, denotando una excelente producción

La letra es definitivamente Bowie; críptica, no muy fácil de seguir, retadora; pero  incluye un par de frases demoledoras, entre ellas:

“Only for you I don’t regret” / Es solo por ti que no me arrepiento (4’34”)

“Nothing prepared me for your smile”  /  Nada me preparó para tu sonrisa (5’33”)

En el video, también puede apreciarse que al minuto con 58 segundos, Bowie se equivoca de verso y tiene que detenerse para volver a empezar; algo que es sumamente raro de encontrar en cualquier grabación.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Quizá porque las canciones del álbum “Hours…”, así como su producción, estuvieron a conjuntamente a cargo del propio Bowie y del guitarrista Reeves Gabrels, es que “Thursday’s Child” no es tan experimental, ni tan inaccesible, como suelen ser las obras de Bowie.

PD 2: El título de la canción está inspirado en la autobiografía de la actriz y cantante Eartha Kitt; quien fue una de las intérpretes del papel de Gatúbela, en la serie televisiva Batman producida en los años 60s.

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Del título de esta autobiografía, lectura predilecta de un joven Bowie, surge el nombre de la canción de esta reseña

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Eartha Kitt, actriz y cantante, que interpretó el papel de Gatúbela en la serie Batman de los 60s

 

PD 3: En la canción se repite muchas veces el coro: “Monday, Tuesday, Wednesday, born I was”  / Lunes, Martes, Miércoles, nací

David Bowie nació el 8 de enero de 1947, que fue un Miércoles.

Entonces, una posible interpretación de porque la canción habla del “Thursday’s Child” / El chico del Jueves, es que al principio de la letra, Bowie menciona que hay algo en él que lo diferencia de los demás y que quizá es solo que nació fuera de la época que le tocaba y entonces pide que le den el mañana, el futuro (donde se sentiría más cómodo).

Una metáfora para expresar que él debería pertenecer al futuro, es que debería haber nacido en Jueves y no en Miércoles, que fue cuando él nació.

PD 4: En el video adjunto, pueden disfrutarse a tres sobresalientes músicos contemporáneos:

Reeves Gabrels en la guitarra, quien como ya mencionamos, produjo y compuso conjuntamente las canciones del disco junto con Bowie y que participó en la gira del grupo “The Cure” del 2012.

Les Paul Jr

Guitarra modelo Les Paul Jr, muy similar a la utilizada por Reeves Gabrel en esta presentación

Mike Garson: en los teclados, es un pianista con fuertes inclinaciones hacia la música experimental y hacia el jazz y es uno de los músicos de sesión más buscados en la escena rock.

Y la fenomenal Gail Ann Dorsey, bajista que ha trabajado con “Tears for fears”, Lenny Kravitz, Bryan Ferry, Boy George, Gwen Stefani, Charlie Watts (baterista de “The Rolling Stones” con una sólida carrera en la escena jazzística), Seal y otros.

Gail Ann Dorsey y Mike Garson dieron un pequeño recital en la Ciudad de México en Diciembre de 2010, en el que pude constatar de primera mano sus excelentes habilidades técnicas, pero sobretodo, su gran capacidad para generar una profunda emoción.

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Poster de la emotiva presentación de Gail Ann Dorsey y Mike Garson en la Ciudad de México en el 2010

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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