Archivo de la categoría: Covers

Feelin’ good, Nina Simone

Hola,

En algunas entregas anteriores, comenté acerca de unas canciones (Under pressure, Overkill) que tocaban temas relacionados a estados de ánimo extremos que a veces experimentamos, como la ansiedad y el estrés.

En esta ocasión, voy a platicarles acerca de un estado de ánimo en el otro extremo: El sentirse bien, muy bien.

Feeling Good

Escrita para una obra teatral musical en 1964, esta canción ha sido retomada por muchos artistas, siendo el primero de estos covers, el de Nina Simone prolífica cantante de Jazz, el más reconocido por la elegante combinación entre la música, la letra y la expresión vocal de esta cantante.

Se trata de “Feelin’ good” aparecida en su disco “I put a spell on you” de 1965.

La letra expresa el agradable sentimiento de haber logrado sobreponerse a una  situación adversa; el triunfo que significa haber convertido la Esperanza en realidad.

“It’s a new dawn  /  Es un Nuevo amanecer

It’s a new day  /  Es un Nuevo día

It’s a new life  /  Es una nueva vida

For me  /  para mí

And I’m feeling good  /  y me siento bien”

Paradójicamente, la música en esta versión lleva un ritmo lento y la voz de Simone tiene un dejo de dolor propio del Blues; el estilo es cercano al cabaret (quizá porque es una pieza para teatro) en el que se distinguen, además de la voz, instrumentos de viento, piano y algunas cuerdas.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Otra versión muy destacada es la del grupo británico “Muse”, la cual en un principio  también suena un poco melancólica, para luego dar paso a un ritmo energético dominado por los teclados el bajo y la batería; y sin embargo el carácter musical de esta versión tampoco es ligero, alegre u optimista, sino más bien un poco siniestro. Y al video me remito

Bajo Pedulla Rapture RB4, como el utilizado en el video de la versión de Muse a "Feelin' good"

Bajo Pedulla Rapture RB4, como el utilizado en el video de la versión de Muse a “Feelin’ good”

PD 2: Como hemos comentado en otras ocasiones, el cine y la música muchas veces van lado a lado; yo conocí recientemente esta canción por la siguiente escena de la película francesa: Los Intocables / “The intouchables”; en la que es utilizada de manera precisa tanto para el mensaje de la escena como para la propia letra de la canción.

PD 3: Existen otras versiones, como las de George Michael, “Traffic”, Joe Bonamassa, Sheryl Crow, Sammy Davis Jr y John Coltrane, entre muchas otras.

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Celluloid heroes, The Kinks

Hola,

En buena parte del siglo XX y aún hoy en día, muchas personas nos hemos sentido fascinadas por la magia del cine y hemos reactuado alguna escena, repetido algún diálogo, llorado, reído, cantado o simplemente hemos imitado a alguno de nuestros héroes cinematográficos; tal es el caso también de Ray Davies, autor de la canción a comentar aquí.

Imagen

Ray Davies, compositor, vocalista y fundador de “The Kinks” y que en esta canción, nos señala su gusto por el mundo del cine

Ya en alguna ocasión anterior, he relatado que algunas canciones se encuentran irremediablemente identificadas con alguna película (“Pretty in pink”). En esta reseña sucede al revés, se trata de una canción que le hace un homenaje al cine.

Hablaremos de “Celluloid héroes”, canción del disco “Everybody’s in show-biz”, de 1972, del grupazo británico “The Kinks”.

“The Kinks” es un grupo surgido en el norte de Londres a principio de los 60’s y es quizás, después de “The Beatles”, “The Rolling Stones” y “The Who”, el grupo inglés que más influencia ejerció en la música que vino después.

“Celluloid héroes” es una canción de ritmo lento que relata, la relación entre la gente ordinaria y el cine, que le hace un pequeño homenaje a algunas estrellas de Hollywood y que reflexiona acerca del éxito en el mundo del espectáculo.

 

 

Desde la Ciudad más grande del Mundo.

JH

Ovation 1617  Ray Davis

Guitarra semi acústica Ovation modelo 1617, utilizada por Ray Davies en esta presentación. Distinguible por su estilizado clavijero

PD: Ray Davies se ha distinguido por hacer letras que giran alrededor de imágenes de la vida cotidiana y por esta habilidad ha sido admirado por artistas como Pete Townshend (“The Who”) o John Lennon (“The Beatles”) y en 1990 cuando su grupo, “The Kinks”, fue adimitido en el salón de la fama del Rock & Roll, de Davies se dijo que era “almost indisputably rock’s most literate, witty and insightful songwriter.” / “casi indiscutiblemente, el compositor de rock más culto, inteligente y perspicaz.”

PD 2: Junto a Ray, su hermano Dave también participó en “The Kinks” como guitarrista y es a él a quien se debe un “experimento”, en el cual, buscando que sonara mejor una canción, rasgó con una navaja el cono del amplificador de su guitarra, logrando un sonido rasposo, muy rockero, que no solo le dio al grupo un sonido único y distintivo, sino que además fue una inspiración para muchos músicos y grupos, entre los cuales están “The Doors”, “The Ramones” y “Van Halen”. También se le debe a Dave un icónico riff (frase musical) del rock, en la canción “Lola”.

PD 3: Existen un par de buenos covers de esta canción, siendo el más interesante el ejecutado por Joan Jett, que, sin perder el tinte melancólico le da a esta versión más fuerza

Y el otro, consistente una versión en vivo, interpretado por Jon Bon Jovi y el mismo Ray Davies.

Guitarra doble marca Taylor, utilizada por Richie Sambora en esta versión de Celluloid herores

Guitarra doble marca Taylor, utilizada por Richie Sambora en esta versión de Celluloid herores

PD 4: En esta canción se hace mención de la actriz Bette Davis, quien años después volvería a aparecer en otra canción: “Bette Davis eyes” / Los ojos de Bette Davis. ¿Conoces a los otros artistas que son mencionados en “Celluloid heroes”?

PD 5: El sencillo de esta canción, aparecido en 1972 en el Reino Unido, tenía una duración 6’16”. Para su lanzamiento en Estados Unidos se hizo una edición dos minutos más corta y extrañamente, ninguna de las dos versiones alcanzó buenos lugares en las listas, pero, se ha convertido en un clásico de culto entre los seguidores de “The Kinks” y del Rock clásico en general y se le escucha frecuentemente en estaciones de radio de Rock para adultos.

Versión completa:

PD 6: El celuloide es un plástico termo formado que, entre otros variados usos, en su formato de película, se usaba en los rollos de negativos de fotografía y cine; quedando como nombre genérico tanto en inglés como en español: “Ví una película” / “I watched a film

Grunge film frame

PD 7: La canción se desarrolla en el Boulevard Hollywood, en Los Angeles, en el que pueden verse estrellas incrustadas en el piso de la acera, ostentado nombres de artistas famosos.

Hollywood Boulevard

Hollywood Boulevard

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Don’t be cruel, Elvis Presley

Hola,

Si conjuntamos a un cantante con buena voz, con una imagen estupenda y lo complementamos con buenas canciones, seguramente que tendrá éxito y si adicionalmente, este cantante surge en una época en la que se comenzaba a diferenciar la música juvenil de la música para adultos y el ritmo de esta música es absolutamente irresistible, entonces estaban dadas todas las condiciones, irrepetibles, para que surgiera El Rey.

El Rey

En julio de 1956, tan solo seis meses después de haber iniciado su meteórica carrera, Elvis Presley graba un disco sencillo (Solo dos canciones, una por cada lado) que incluía “Don’t be cruel”, canción que ejemplifica muy bien lo que fue Elvis.

El disco fue grabado el 2 de julio de 1956 y según los registros de los estudios de grabación RCA en Nueva York, Presley no solo eligió “Don’t be cruel” para incluirla en el disco, sino que además, trabajó en los arreglos y pidió realizar 28 tomas, hasta quedar satisfecho con el resultado final. En ese momento, Elvis tan solo contaba con 21 años de edad y aún sin tener conocimientos musicales formales, ni mucha experiencia en estudios de grabación, ya tenía el talento para producir rotundos éxitos.

La canción comienza con 6 notas del contrabajo a las que inmediatamente se une Elvis y el coro, siendo estos tres elementos los rasgos característicos de esta canción. El ritmo, la estructura y la instrumentación son un tanto particulares, ya que no son ni un rock’n’roll puro, ni un rockabilly, ni una balada, pero sí son lo suficientemente originales, para su época, como para diferenciarse de lo producido hasta entonces.

Desde la Ciudad más grande del Mundo.

JH

PD: Es difícil asimilar el éxito y el impacto de esta canción; como muestra, en tan solo 5 meses, se habían vendido 4 millones de copias de este sencillo y hasta 1961 sus ventas sobrepasaban los 6 millones; todo esto cuando la televisión estaba en su infancia, no existía internet y había 60% menos población que hoy.

PD 2: Elvis era el ídolo, no solo de millones de adolescentes norteamericanos, sino que también de adolescentes del otro lado del Atlántico; es de sobra conocida la admiración de los miembros de “The Beatles” hacia Elvis. Tanto John Lennon como Ringo Starr hicieron covers de ella. La de John bajo un estilo algo psicodélico y la de Ringo más apegada al original, pero un poco más rápida.

PD 3: Otro interesante cover es el que, en 1988, lanza la banda norteamericana “Cheap Trick”; versión que logra llegar al número 4 de las listas. Está realizada bajo un formato más cercano al rock’n’roll en el cual incluyen un solo de guitarra y en el que se sustituye el inicio del bajo, con uno de batería. Y también es muy interesante el tratamiento creativo que le dan a los coros.

PD 4: Cuenta la leyenda que la bajista inglesa Suzi Quatro encontró su vocación como música y de paso quedo más que enamorada de Elvis, cuando vio la interpretación de esta canción por televisión; quedando muy impresionada por el efecto que tuvo en ella el “Mmmmmmm” que canta Elvis por ahí del segundo 56.

PD 5: El otro lado del sencillo (recuerden, eran dos canciones por acetato) es nada menos que otro clásico del Rey: “Hound dog”, que también llegó al número 1 de las listas, haciendo que este disco sencillo sea el único en la historia cuyos ambos lados llegaran al primer lugar de las listas.

PD 6: Los coros que acompañan a Elvis en esta canción, son del cuarteto “Jordanaires”, quienes acompañaron a Presley hasta 1972, tanto en el estudio, en vivo y en televisión

PD 7: El compositor de la canción es Otis Blackwell, quien también compuso otro clásico del Rock’n’roll: “Great balls of fire”, para Jerry Lee Lewis

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Last kiss, J. Frank Wilson & the Cavaliers

Hola,

Varias veces he comentado en este foro acerca de la existencia de un estrecho y permanente vínculo entre el Rock’nRoll y los adolescentes y aunque esta música surgió básicamente para divertir, a través del baile y de la constante alusión al romance, el Rock, al igual que los adolescentes, también tiene alguna inclinación hacia la tragedia.

Y quizá una de las mejores muestras de este otro aspecto es la pieza “Last kiss”; conocida en México y en buena parte de Latinoamérica, como “El último beso (Porque se fue)”. Cualquiera que la haya escuchado, no podrá haber dejado  de sentir al menos un poco de pena por la situación, sino es que una auténtica tristeza, acompañada de un par de lagrimitas.

La versión original fue escrita y grabada en 1961, por un muy desconocido cantautor del sur de los Estados Unidos, Wayne Cochran, sin lograr mayor éxito. La canción fue retomada en 1964 por otro desconocido grupo sureño, “J. Frank Wilson & the Cavaliers”, llegando al número 2 de las listas, a ser disco de oro y darse a conocer de forma Nacional e Internacional.

La letra describe un accidente en auto, en el que un joven pierde a su novia, quien justo antes de morir, le da un último beso al desdichado muchacho.

Musicalmente, a este género, muy popular hacia finales de los 50s e inicios de los 60s,  se le ha nombrado balada trágica y efectivamente, su ritmo lento le asemeja mucho a las baladas, pero la letra transforma el romance en drama.

La pieza tiene una estructura muy sencilla, una base rítmica que varía poco a cargo del bajo y la batería, acompañados de pequeños rasgueos de guitarra y algún muy tenue fondo de teclados, que en su conjunto se asemejan mucho a un ritmo de balada bailable y todo dominado por la voz, que es la que lleva la carga emocional.

Para esta reseña he elegido un cover más reciente, el realizado por “Pearl Jam” en 1999, que conserva el ritmo y la esencia acoplados a una energética ejecución que les valió llegar, también, al número 2 de las listas y ganar un disco de oro.

Desde la Ciudad más grande del Mundo.

JH

PD: Los temas de autos, accidentes y romances eran recurrentes allá a mitad de los 50s; otro ejemplo clásico, este del cine, es “Rebelde sin causa” de 1955

En la película “Rebelde sin causa”, también aparece el tema de una muerte trágica en un auto

PD 2: Wayne Cochran vivía cerca de una autopista en la que eran frecuentes los accidentes; quizá de ahí vienen la credibilidad y la fuerza de la historia que plasma en la canción.

PD 3: “Pearl Jam” ya era una leyenda cuando lanzó esta canción, pero, muy pocas veces logró el mismo éxito que el alcanzado con este “cover”, demostrando una vez más que el Rock se alimenta de sí mismo y que suele ser exitoso cuando regresa a sus raíces.

PD 4: Una singularidad de esta canción y que le da cierta fuerza emotiva, es que describe la muerte de una joven. La versión en español de la letra es aún más directa:

“Al fin la abracé y al besarla se sonrió

Después de un suspiro en mis brazos

Quedó…”

PD 5: Va enseguida una de las versiones en español, la de Leo Dan (Hay también de Polo, Gloria Trevi y un grupo peruano llamado Los Doltons)

PD 6: Jóvenes, no utilicen el móvil (celular, smartphone) al conducir.

No seas parte de una tragedia, no uses el móvil mientras manejas

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Hey, little rich girl; Amy Winehouse, 2006

Hola,

A partir de la Segunda Guerra Mundial comenzaron a llegar radios masivamente a los países caribeños, mismos con los que podían escucharse estaciones de radio del sur de Estados Unidos. El Blues, el Jazz y el Rythm and Blues llegaron hasta esos lugares, donde fueron asimilados y luego reproducidos, con un toque propio, más tropical.

De esa asimilación, hacia finales de los 50s surge en Jamaica el “Ska”, ritmo muy particular que fusionó el Mento y el Calypso (Música caribeña con marcada influencia africana) con el Jazz y el R&B y que sería el punto de partida para otros estilos posteriores como el “Reggae” y el “Rock Steady”.

El Ska fue sumamente exitoso en Jamaica durante la primera parte de década de los 60s; a este período se le conoce como la “Primera Ola Ska”. Con la migración de personas de Jamaica hacia la Gran Bretaña, este ritmo se “exportó” y fue asimilado y reproducido en Inglaterra con un toque propio, más urbano. Esta asimilación se da a finales de los 70s y se le conoce como la “Segunda Ola Ska”. Muchos éxitos de la “Primera Ola” fueron hechos covers por bandas inglesas (racialmente mixtas) y volvieron a ser éxitos en la “Segunda Ola”.

De esta época un grupo nodal fue “The Specials AKA”, de Coventry, Inglaterra. Su segundo disco, “More Specials” de 1980, incluye el track “Hey, little rich girl”. La canción de esta semana es la versión a esta canción realizada por Amy Winehouse, como lado B a su sencillo “Back to Black” del 2006.

La letra es una historia muy sencilla de una chica provinciana que termina en Londres arruinando su vida.

La interpretación, tomada del video del DVD “I told you I was trouble”, del 2007, nos presenta a una Winehouse inusualmente alegre y acompañada de un muy buen grupo de músicos que producen un “Ska” quizá demasiado limpio, pero, que refleja perfectamente la esencia de la “Segunda Ola Ska”. Se destacan, el solo de Saxofón (2’10”) y la intervención de los coristas (1’32”). La utilización de una guitarra Gibson semi acústica le da un sonido cercano al que se escuchaba a principio de los 60s, cuando nació el “Ska”.

El sonido de esta guitarra semi acústica, nos remite a la “Primera Ola Ska” de principio de los 60s

El teclado y los vientos sirven de fondo de acompañamiento, mientras que el característico ritmo “Ska” lo llevan la guitarra y el bajo.

No cabe duda de que la muerte prematura de Winehouse nos privó de su indudable talento interpretativo, mismo que le alcanzó para salirse un poco de su veta R&B e incursionar, de manera muy exitosa, en esta pieza “Ska”.

Desde la Ciudad más grande del Mundo

JH

PD: En la versión original de “The Specials AKA”, participa Lee Thompson, el saxofonista de “Madness”, el grupo más exitoso de la “Segunda Ola Ska”

PD 2: El vocalista de “The Specials AKA”, Terry Hall, ha participado también en proyectos como “Fun boy three” (trío que realizó un cover a de “The Go-go’s” y alguna colaboración con “Bananarama”). Y aparece como pequeño cameo, en el video de la canción “Sunday morning” de “No doubt”, el grupo más destacado de la “Tercera Ola Ska”, que se desarrolló principalmente en EUA.

PD 3: Una característica social importante del “Ska”, en su segunda ola, es que fomentaba la integración interracial. Tanto “The Specials”, como el grupo que acompaña a Amy Winehouse en el concierto / DVD “I told you I was trouble”, cuentan con integrantes tanto negros como blancos. Esta integración se plasmó en el símbolo por excelencia del “Ska” (Segunda ola), la cuadrícula blanco y negra, tan de moda en los 80s.

La cuadrícula blanco y negra es el símbolo por excelencia del Ska y su divisa de mezcla interracial

PD 4: “The Specials AKA” saltaron de la fama local, a la nacional en el Reino Unido, gracias a que Joe Strummer, guitarrista de “The Clash”, los invitó a que le abrieran sus conciertos durante una gira a finales de los 70s.

PD 5: Los grupos y seguidores del “Ska” de la segunda ola, adoptaron la moda Mod de los 60s, de pantalones ajustados, al tobillo, mocasines, corbatas angostas y sombreros tipo “Pork pie”.

La Segunda Ola Ska también influenció la moda de los 80s

PD 6: Bandas representativas de la “Tercera Ola Ska” son las californianas: “Save Ferris” y “No doubt”.

PD 7: La interpretación de “The Specials AKA”, tiene identificables influencias del movimiento Punk de su época, en el sonido de la guitarra y el desempeño escénico.

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The dark end of the street, The Commitments

Hola,

El grupo que interpreta la canción de esta semana, tiene una historia de película; literalmente, de película.

Se trata de “The Commitments”; esta es una banda que se formó con músicos de Dublín en 1991, para que fueran los protagonistas de la película del mismo nombre, dirigida por Alan Parker.

La película, que trata acerca de la formación de un grupo de música Soul en el muy decaído Dublín de finales de los 80s, tuvo mucho éxito en Irlanda, al grado de que algunas fuentes la consideran la mejor película irlandesa de la historia. Debido al éxito de la película, la mayoría de los miembros del grupo decidió lanzarse a la vida real y estuvieron un par de años de gira.

La canción, originalmente de 1966, se llama “The dark end of the street” en la versión que es parte del soundtrack de la película “The Commitments” (Camino a la fama), de 1991.

La letra, por supuesto, habla acerca del amor, en este caso, un amor prohibido y que se desarrolla en lo oscuro, más concretamente, “en la parte oscura de la calle”.

Esta versión, tiene un ritmo lento y una estructura Soul que incorpora coros, instrumentos de viento y una discreta participación del teclado y la guitarra eléctrica, que inmediatamente nos remite a 1966, año en que fue escrita y a un estado de ánimo entre romántico y melancólico sorprendentemente bien replicado por un grupo de chicos blancos.

Desde la Ciudad más grande del Mundo

JH

PD: “The Commitments” ha anunciado que durante el 2011, volverán a reunirse y a salir de gira, para festejar el 20 aniversario del estreno de la película

 PD 2: En la película aparecen, en diversos discretos roles, unos muy jóvenes hermanos Corr, quienes después formarían el grupo “The Corrs”.

 PD 3: La película está basada en una novela del mismo nombre escrita por Roddy Doyle.

En esta ocasión, se enlazan la literatura, el cine y la música, para ofrecer un homenaje a la música Soul

PD 4: Alan Parker cuenta entre su filmografía, películas como “Melody” de 1971, “Midnight Express” / Expreso de medianoche de 1978, “Fame” 1980, “Birdy” 1984 y “Pink Floyd The Wall” de 1982 entre otras.

PD 5: Durante el film y en todas las interpretaciones, se utiliza una relativamente rara guitarra Fender Thinline Tele, semihueca (semiacústica).

Fender Thinline Tele

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Shakin’ all over, Wanda Jackson

Hola,

En esta ocasión, voy a compartir con ustedes una canción lanzada a principios del 2011, pero que aún así, tiene su (larga) historia.

Se trata de una colaboración de Jack White (Fundador y líder de  “The White Stripes”) y Wanda Jackson (Veteranísima cantante de Country / Rockabilly)

¿El resultado? Un enésimo regreso del Rockabilly, actualizado pero reconocible, gracias a White y autentificado por Jackson.

La canción, track 1 del disco “The Party ain’t over”, es “Shakin’ all over”, de enero del 2011.

Portada del disco "The party ain't over" del 2011

 

Como hemos platicado con anterioridad, el Rockabilly se trata fundamentalmente de una fusión de ritmos negros con Country blanco, combinación que a la postre provocó la gran explosión que conocemos como Rock’n’Roll.

Esta version de “Shakin’ all over” es un Rockabilly actualizado en su sonido por White e interpretado vocalmente por quien tiene que ser una de las últimas cantantes de Rockabilly originales.

Comienza con una introducción instrumental de 20 segundos, en los que predomina la sección de vientos (Sax, trompeta y trombón), que enseguida le dan paso a un sólido riff de guitarra que se repite durante el resto de la canción y a un ritmo que inevitablemente invita a moverse, comandado por la sección rítmica (Bajo y Batería) y los teclados.

La voz de Wanda aún conserva una candidez y claridad que contrastan bien con la fuerza instrumental.

Desde la Ciudad más grande del Mundo

JH

PD -1: Normalmente tendría que explicarle a los lectores más jóvenes quien es y de dónde viene el grupo o solista que interpreta la canción de la semana; pero en esta ocasión, es justamente al revés; para mis amigos co-generacionales, “The White Stripes” es un dúo contemporáneo (1999 a la fecha), de Rock Garage / Rock Indie, que ha durado ya 11 años manteniendo su calidad (algo poco usual actualmente) y que tiene un sonido ecléctico (Punk, Blues, Metal, Country, Bubblegum, Cabaret, Garage, Hillibilly, Celtic…) balanceado con buenas letras y una imagen distintiva.

Caricaturización de los "White Stripes" para Los Simpsons

 

PD: La canción es de Johnny Kidd, quien con su grupo “Johnny Kidd and the Pirates” la llevó al #1 de las listas Británicas en Agosto de 1960

PD 2: La expresión “Shakin’ all over” (“Sacudiéndose todo”) se refiere a los espasmos y escalofríos que provocan la visión de una mujer extremadamente guapa y es precisamente esto lo que inspira la letra de la canción.

PD 3: Fuera de Europa, la canción no tuvo éxito sino hasta que en 1965, fue adoptada por un grupo Canadiense llamado (hasta entonces) “Chad Allan and the Expressions”, quienes también la llevaron al #1 en Canadá.

Para tratar de lograr una mayor expectación antes de lanzar esta versión en Estados Unidos, la disquera promocionó el sencillo preguntando ¿quién creen que toca?, en vez de dar el nombre de la banda. Los DJ’s así la anunciaban y nace entonces el nuevo nombre del grupo “Guess who?”, de quienes ya reseñamos aquí su mayor éxito “American woman”

PD 4: En 1965, en Estados Unidos, era inevitable que las audiencias en vivo confundieran a “The Who” con “Guess who?; así que a éstos siempre les pedían que tocaran “My Generation” y a aquellos que interpretaran “Shakin’ all over”. De ahí que haya algunas grabaciones en vivo de “The Who” tocando nuestra canción de esta semana, siendo la más conocida, la que hicieron en el festival de “Woodstock”.

PD 5: Como hemos comentado antes , el Rock siempre regresa a sus raíces, por lo que no es de extrañarse que haya covers de “Shakin’ all over” por artistas como:

“Led Zeppelin”, “Adam Ant”, “Iggy Pop”, “Suzi Quatro”, “Generation X / Billy Idol”, “Van Morrison” y “Humble Pie”, entre otros.

PD 6: Existe al menos un antecedente de colaboraciones entre un grupo contemporáneo y una cantante veterana, la muy buena colaboración entre “Propellerheads” (también un dúo) y Shirley Bassey en la canción 60s revival: “History repeating”

PD 7: En el video en el que Wanda Jackson interpreta esta canción durante el Show de David Letterman, es impresionante ver la diferencia de estaturas entre este último y Wanda.

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Spirit in the Sky, Norman Greenbaum

Hola,

A finales de los 60’s, con el movimiento Hippie en su apogeo y la psicodelia dominando algo más que la escena musical, una canción que te invita a vivir una vida de acuerdo a las enseñanzas de Jesús era poco probable…pero existió

Escrita e interpretada por el mundialmente desconocido Norman Greenbaum, esta canción lo convirtió en un “One hit wonder” allá por 1969.

“Spirit in the Sky”, aparecida en su álbum homónimo, comienza con un riff de guitarra y teclados distorsionados y con eco que la hacen definitivamente psicodélica; más adelante, con la aparición de los coros, se nota una cierta influencia Gospel (Música religiosa de origen negro); la voz y entonación de Greenbaum, suenan hasta un poco Country, pero el solo de guitarra del final, le da un sello Rock inconfundible…

La letra es totalmente clara:

“Prepare yourself, you know it’s a must

Gotta have a friend in Jesus

So you know that when you die

He’s gonna recommend you

To the Spirit in the Sky”

Carátula del disco de 45 RPMs

Desde la Ciudad más grande del Mundo

JH

PD: Esta canción fue retomada en 1986 por un grupo británico denominado “The Doctors and the Medics”, quienes también se convirtieron en un “One hit Wonder” con esta canción.

Esta versión, sigue siendo psicodélica, pero un poco más rápida y bailable. Inexplicablemente, el video tiene claras referencias al movimiento Gótico (Darketo)

PD 2: Curiosamente, pocos detractores del Rock hacen referencia a esta canción y sí a los (supuestos) mensajes satánicos de otras…

PD 3: Existe un cover a esta canción, interpretado por Elton Jhon, que es una versión un poco más Folk, pero que definitivamente carece de fuerza…

PD 4: El sonido de la canción, en su momento fue innovador y sentó precedentes para el Glam Rock; fue como un puente entre la psicodelia y el Glam. En algún momento, Lennon comentó públicamente su gusto por la canción y en 3 ocasiones distintas, con tres diferentes intérpretes, ha logrado colarse a los primeros lugares de popularidad.

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Julio 13, 2010 – Julio 13, 1985

Hola,

Para cualquier joven Británico que a principio de los 60s tenía entre 16 y 20 años, era normal engancharse con música de la disquera americana Motown, la cual, producía exclusivamente música negra: Blues, Rythm & Blues, Soul, Rock’n’Roll, Doo woop y Pop vocal. En esa época y en ese lugar, esta música era exótica, rebelde, sensual y divertida.

Si adicionalmente la canción había sido co escrita por Marvin Gaye (de quien ya hemos reseñado la magnífica “Let’s get it on”) e interpretada por “Martha and the Vandellas”, uno de los grupos vocales femeninos más exitosos de Motown, el resultado es que la canción sería un éxito perdurable e influencia en los músicos de aquella irrepetible generación.

Casi exactamente 21 años después, el 13 de julio de 1985, se celebró el evento musical caritativo más importante hasta la fecha: “Live Aid” y en ese entonces “The Rolling Stones” estaban en un break…así que no participarían … a menos que David Bowie, muy comprometido con la causa, hiciera algo. Y lo hizo.

El show más grande de la historia

En junio de 1985, invita a su amigo Mick Jagger a participar en “Live Aid”, mediante la grabación de un sencillo, el cover de una canción que escucharon en su juventud, “Dancing in the streets”: cuya grabación junto con la del respectivo video, les llevó solo 13  horas. Así son los Maestros trabajando juntos.

El video fue estrenado durante el concierto, justo después de la memorable participación de “Queen”

Desde su versión original, “Dancing in the streets” fue una canción para bailar, enfatizando que no importando donde vivas, la alegría está ahí, a la mano, si bailas (en la calle).

En estos días se cumplen 46 años del lanzamiento original de la canción de esta semana y 25 años desde que ocurrió “Live Aid”, que fue visto por más de 2 billones de personas en más de 60 países y que sigue siendo uno de los concierto de Rock más espectaculares y emotivos de la historia.

Desde la Ciudad más grande del Mundo

JH

PD: El sencillo representó para Mick Jagger su único #1 como solista y el más reciente #1 de Bowie

PD 2: La versión original de “Martha and the Vandellas”, en 1964, alcanzó el puesto #2 en Estados Unidos y el #4 en el Reino Unido y vendió más de un millón de copias. También es uno de los sencillos más tocados por radio en la historia

PD 3: Cuando esta canción fue lanzada en Estado Unidos en 1964, fue adoptada por muchos movimientos de Derechos Civiles negros como su himno de batalla

PD 4: 21 años después, tuvo un uso mucho más práctico, al recabar fondos para ayudar a Etiopía. Todas las regalías de la versión de Jagger y Bowie se donan a los fondos “Live Aid”.

PD 5: Para lograr un sonido mucho más potente en la sección rítmica, uno de los músicos tomó una llave de cruz con la cual golpeó el piso del estudio siguiendo el ritmo, logrando así uno de los sonidos distintivos de esta canción

PD 6: Esta canción es tan apreciada por aquellos jovencitos de los 60’s, que hay covers de “Greatful Dead”, “The Mamas and the Papas”, “The Who” y “The Kinks”

En adición, hay covers de “Van Halen”, “Little Richard”, “The Carpenters” y ha sido referenciada en canciones como “Street fighting man” de “The Rolling Stones” o en “Racing in the Street” the Bruce Springsteen”

Y se menciona en la novela gráfica (Comic) “V for vendetta” (del cual hay un excelente film del mismo nombre)

PD 7: Ese día, el 13 de julio de 1985, la idea de Bob Geldoff ayudó a recabar 250 millones de libras esterlinas, que deben sumarse a las regalías del DVD, del sencillo “Do they know it’s Christmas?” y a las regalías de otros muchos esfuerzos ligados a “Live Aid”, pero sobretodo, “Live Aid” nos dejó un legado musical impresionante y la imagen de que la música, los artistas, el Rock, pueden y saben, hacer la diferencia.

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