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Behind blue eyes The Who

“’Nadie sabe lo que significa ser excluido Detrás de Ojos Azules, “Behind Blue Eyes”. El resultado de la inconclusa Lifehouse de 1971, Idea Musical: The Who” (Viñeta original para esta canción, escrita por Luis Gerardo Salas y utilizada en la mítica estación XHROK – Rock 101, en el 100.9 de FM de la Ciudad de México, entre 1984 y 1996)

Hola,

Algunas teorías establecen que el Universo, no es otra cosa más que una serie de vibraciones a diferentes frecuencias, siendo su manifestación física, el resultado de nuestra percepción de las vibraciones más lentas (frecuencias más bajas).

En los inicios de la década de los 70s del siglo XX, Pete Townshend co-fundador y principal compositor de la banda Británica “The Who”, quería producir cierto tipo de música que fuera única para cada persona, partiendo de ciertos datos biográficos que serían procesados por una computadora y convertidos a música usando por sintetizadores. La ejecución simultánea de estas piezas personalizadas, produciría un “sonido universal”. Townshend pretendía que, al enlazar la música de cada persona, se lograría re-armonizar a la Humanidad con el resto del Universo, ya que, después de todo, la música es una serie de vibraciones.

La idea de que el Universo es en realidad una serie de vibraciones, es compartida por varias Filosofías y ha sido tema de inspiración para muchos artistas. J.R.R. Tolkien (El Silmarilion) o Pete Townshend, por ejemplo

La idea de que el Universo es en realidad una serie de vibraciones, es compartida por varias Filosofías y ha sido tema de inspiración para muchos artistas. J.R.R. Tolkien (El Silmarilion) o Pete Townshend, por ejemplo

Para llevar este concepto a las audiencias, Pete estuvo trabajando en un proyecto en forma de Opera-Rock, denominado “Lifehouse”. En ella, hay un personaje de nombre “Jumbo” que controla a la humanidad a través de una especie de red cibernética (cuyo concepto es bastante similar al mostrado en las películas “The Matrix”); la canción “Behind blue eyes” es parte de la expresión del constante enojo de Jumbo, que se origina en su posición de poder.

Y el enojo extremo, la ira, es el tema de referencia de esta reseña.

La letra, aquí y allá, nos da muestras de esa ira contenida:

“No one knows what it’s like

Nadie sabe como es

To feel these feelings like I do and I blame you!

Sentir lo que siento ¡Y te culpo por ello!

No one bites back as hard on their anger

Nadie reacciona tanto a su furia como yo

None of my pain and woe can show through

Nada de mi dolor y miseria deben notarse

De manera contrastante al tema central de la canción, la música comienza de manera muy tranquila, con una melodiosa guitarra y un canto amable a cargo del vocalista Roger Daltrey, enfatizados con las voces corales del resto del grupo. Después de 30 segundos entran el bajo y un sonido de teclados que le dan cierto aire ominoso a esa primera parte de la canción.

A partir del minuto 2 con 5 segundos, el ritmo se acelera, la guitarra acústica le cede el paso a una eléctrica con un sonido distorsionado y por aproximadamente un minuto, el tono de vocal de Daltrey se hace más energético.

Vienen a continuación tres versiones; la original, de 1971, en la que destacan la suavidad de los sonidos, la presencia de unos teclados y que ha servido como referencia para esta reseña; luego, viene la versión más conocida, grabada unos años más tarde para ser incluida en el disco “Who’s next”, que se distingue de la original por contener más partes corales y un tratamiento más pesado en la última parte de la canción que refleja mejor el tema de la misma.

Y finalmente, una versión en vivo que permite apreciar la capacidad emocional interpretativa del baterista original: Keith Moon.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: El enojo, el malestar continuo, la furia, la ira, son actitudes que de no ser controladas, o incluso suprimidas, pueden destruir nuestras vidas y las de nuestro más próximo alrededor. De los siete pecados capitales, la ira es quizá el de mayor notoriedad, pues su manifestación suele ser explosiva y devastadora.

La virtud a practicar para combatir la ira es la Paciencia y dentro de la tradición Judeo-Cristiana, los demonios asociados a la ira pueden ser: Satán, Aamon o Pazazu.

Eyes Expression of Fear Anger by Chhitiz Kiran Shrestha

“Anger” / Ira del artista Chhitiz Kiran Shrestha

PD 2: Desafortunadamente, el enorme alcance del proyecto “Lifehouse”, fue demasiado para Townshend y tuvo que desecharlo antes de perder su salud mental, por lo que nunca fue grabado en su totalidad, ni  presentado en teatros como estaba originalmente concebido. Varias de las canciones del fallido proyecto, aparecerían después en otros trabajos de “The Who”.

PD 3: Curiosamente, sería fácil asociar a “The Who” con la ira, pues en muchas de sus presentaciones, solían destruir violentamente sus guitarras, amplificadores y baterías; sin embargo, Pete Towshend, con el paso del tiempo, se ha ido convirtiendo en un tipo reflexivo, sereno, casi contemplativo.

PD 4: Finalmente, “Behind blue eyes” apareció en el quinto álbum del grupo: “Who’s next” que contiene algunas canciones del proyecto “Lifehouse” por lo que, por ejemplo, algún solo de guitarra es compartido entre “”Won’t get fooled again” y “Behind blue eyes” como hilo conductor entre ambas canciones que originalmente pertenecían a una sola historia…

La portada del disco, en la que destaca un monolito de concreto, es un homenaje a la película 2001: Odisea Espacial de Stanley Kubrik.

Who'S Next cover

Esta portada ha sido considerada como una de las mejores en la historia del Rock

monolith 2001 Space Odyssey

PD 5: Parte del disco fue grabado en el Estudio móvil de los “Rolling Stones”, cuya principal característica era precisamente ser un estudio que podía llevarse a cualquier lado, permitiendo a los artistas cierta libertad en los horarios y en la elección de locaciones en donde querían grabar.

Una más de las ideas revolucionarias alrededor de los Rolling Stones y que dejó huella en la música pop del siglo XX

Una más de las ideas revolucionarias alrededor de los Rolling Stones y que dejó huella en la música pop del siglo XX

En este estudio móvil fueron grabados varios discos legendarios como: “Led Zeppelin III”, Led Zeppelin IV”, “Sticky fingres” y fue utilizado por músicos de la talla de Bob Marley, “Deep Purple”, “Iron Maiden”, “Fleetwood Mac”, Santana y otros…

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Mundo Sennheiser

There is a light that never goes out, Dum Dum Girls

Hola,

La gran mayoría de los grupos de música pop contemporánea han sido enteramente masculinos; sin embargo, ha habido también una muy importante presencia de mujeres. Desde luego están las solistas y la participación protagónica de mujeres en tres tipos generales de bandas:

Los ensambles vocales: “The Supremes”, “The Ronnettes”, “Bananarama”, “Spice girls”, “Destiny’s child”, “Girls aloud”, “Wilson Phillips”, etc…

Las vocalistas en grupos masculinos: “Joan Jett & the Blackhearts”, Pat Benatar, Siouxie Siuoux (“Siouxie & the Banshees”), Martha Davis (“The motels”), Dale Bozzio (“Missing Persons”), Kate Pierson (“The B-52’s”) Shirley Manson (“Garbage”), Grace Slick (“Jefferson airplane”, “Jefferson starship”, “Starship”), Edie Brickell (“Edie Brickell & New Bohemians”), Nanna Bryndís Hilmarsdóttir (“Of Monsters and Men”), Marie Fredriksson (Roxette), Dolores O’Riordan (“The cranberries”), Beth Gibbons (“Portishead”), Deborah Harry (“Blondie”), Debora Iyal (“Romeo void”), Amy Lee (“Evanesence”), Courtney Love (“Hole”), Stevie Nicks (“Fleetwood Mac”), Natalie Merchant (“10,000 maniacs”), Andrea Corr (“The Corrs”), Nico (“The Velvet underground”), Karen Orzolek (Yeah Yeah Yeahs), Margo Timmins (“Cowboy Junkies”), Florence Welch (“Florence and the machine”), Ann Wilson (“Heart”), Courtney Love (“Hole”) . . .

Y finalmente, las agrupaciones totalmente femeninas que, aún hoy en día, son relativamente escasas:

“The Runaways”, “The Go-go’s”, “The Bangles”, “The Donnas”, “4 Non blondes”

En esta ocasión, reseñaremos una canción interpretada por una banda emergente, “Dum dum girls”, conformada solo por chicas; se trata de “There is a light that never goes out”,  publicada en el EP “He gets me high” en el 2011.

dum-dum-girls He gets me high EP

Publicado en Febrero del 2011, este EP contiene un muy bien logrado cover de la prominente “There is a light that never goes out”

 

Se trata de un cover a la versión original de la banda Británica “The Smiths”, que es una canción seminal de la música alternativa de los años 80 del siglo pasado y que ha sido inspiración e influencia para muchísimos grupos, incluso hasta la fecha.

La letra, de tono triste, trata sin duda alguna, acerca de la no pertenencia, el rechazo en el hogar y la importancia de evadirse de esa realidad:

“Take me out tonight                   /          Invitame a salir esta noche

Because I want to see people    /          Porque quiero ver gente

And I want to see life                  /          Y quiero ver algo vivo

Driving in your car                      /          paseando en tu auto

Oh please don’t drop me home /          Y, oh, por favor, no me dejes en casa

Because it’s not my home, it’s their home  /  Porque no es mi casa, es su casa

And I’m welcome no more         /          Y ya no soy bienvenido”

 

En cuanto a la música, a diferencia de la versión original esta no contiene teclados, lo cual, hace que suene un poco más potente, pero, sin perder su esencia original que oscila entre la pesadumbre y una cierta alegría mórbida:

And if a double-decker bus        /          Y si un camion de dos pisos

Crashes into us                             /          nos choca

To die by your side                       /          morir a tu lado

Is such a heavenly way to die    /          sería una forma gloriosa de morir

And if a ten ton truck                  /          Y si un camion de diez toneladas

Kills the both of us                       /          nos matase a ambos

To die by your side                       /          morir a tu lado

Well the pleasure, the privilege is mine  /  sería un placer y mi privilegio

 

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Dum dum girls es un proyecto de la vocalista y guitarrista Dee Dee Penny, al que en diversos momentos ha sumado a distintas integrantes.

PD 2: En la producción del EP “He gets me high” participaron: Richard Gottehrer, legendario compositor y productor, quien lanzó los álbumes debut de “Blondie” y de otra banda de chicas: “The Go-go’s”; y además cofundador de la firma discográfica “Sire Records” por la que han pasado muchos reconocidos artistas de la escena pop y rock contemporánea.

Y el otro colaborador es  Sune Rose Wagner integrante de “The Raveonettes” agrupación a la que próximamente reseñaremos en este espacio.

PD 3: La actual bajista del grupo (2014), Malia James es también fotógrafa y directora de videos musicales

Malia James: Bajista, vocalista, fotógrafa y directora de videos

Malia James: Bajista, vocalista, fotógrafa y directora de videos

PD 4: Como a otros músicos contemporáneos, a Dee Dee Penny le gusta utilizar guitarras “vintage” (Antiguas), para lograr cierto sonido distintivo; tanto en la portada del EP, como en muchas presentaciones se le puede ver utilizando una muy rara Delectro Silvertone negra.

Muy singular guitarra marca Danelectro, modelo Silvertone, como la utilizada frecuentemente por Dee Dee Penny

Muy singular guitarra marca Danelectro, modelo Silvertone, como la utilizada frecuentemente por Dee Dee Penny

PD 5: Tuve la oportunidad de presenciar a “Dum dum girls” en el Festival Corona Capital 2012, en la Ciudad de México y se puede notar en su presentación que tienen una amplia experiencia en los escenarios, ya que su sonido es limpio y tienen un buen manejo de imagen.

Y a pesar de que fueron uno de los primeros grupos en presentarse, lograron animar bastante a la concurrencia.

Al escucharlas, es difícil no remitirse a “The Bangles” o a “The Go-go’s”, pero, con un sonido más áspero y una imagen más obscura.

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Baby says The kills

Hola,

En reseñas recientes he estado comentando acerca de dúos musicales mixtos; primero fue el turno de los Estadounidenses “White stripes” y después le tocó a los Británicos “Everything but the girl”; hoy, vamos a hablar de una pareja mixta por partida doble: “The Kills”, ella de Estados Unidos, él de Inglaterra.

the kills photo

“The Kills”, integrado por Alison Mosshart y Jamie Hince

De su disco “Blood pressures” del 2011, voy a platicarles acerca del track número 7, “Baby says

“The Kills” está formado por la cantante Alison Mosshart (surgida de la escena Punk de Florida de mediados de los 90s) y por Jamie Hince, guitarrista, 10 años mayor que Alison.

La pareja empezó a escribir canciones por correo, ella desde Florida y él en Londres y después de un tiempo, viendo que artísticamente hablando, ellos podrían funcionar juntos, Alison se mudó a Londres y entonces fundan “The Kills”, alrededor del año 2000.

Dado el pasado Punk de Alison y por el hecho de que son solo un dúo, el sonido de “The Kills” es bastante minimalista; en “Baby says” solo hay 4 sonidos dominantes: la voz envolvente de Mosshart; la elusiva guitarra de Hince, un fondo rítmico de percusiones y una breve incursión de un sintetizador, también interpretado por Mosshart.

La letra es para mí un enigma; la interpreto como la bizarra confrontación entre dos amigos, cuyo punto de discordia es la atracción que siente la novia del protagonista de la canción, por el amigo de este.

En la versión que les presento aquí, la canción comienza con un sonido sintético, al que segundos después, le sigue Hince llevando el ritmo con su pulgar sobre  la cuerda más grave de la guitarra y al mismo tiempo produciendo la melodía principal con el resto de sus dedos; le acompañan en esta versión dos tambores (“Floor tom tom”) que con cierto aire marcial, le ayudan a producir el ambiente de tensión y el carácter masculino de la canción.

Tambor de piso o "floor tom tom"

Tambor de piso o “floor tom tom”

Después de 40 segundos de introducción instrumental, entra Alison Mosshart a relatar la situación, acompañada de otros dos “tom toms” y desplegando una seguridad interpretativa que le da una gran credibilidad a la canción. La segunda voz a cargo de Hince, grave y casi imperceptible, abona al carácter obscuro de la canción.

Guitarra marca Hofner, modelo 176 Galaxy, con la que Hince lleva el ritmo y la melodía

Guitarra marca Hofner, modelo 176 Galaxy, con la que Hince lleva el ritmo y la melodía

Aquí esta interesante versión en vivo, tomada del programa “Sesiones con Alejandro Franco”

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: A diferencia de los miembros de “Whites stripes” y de los integrantes de “Everything but the girl”, Mosshart y Hince no fueron pareja sentimental (Al menos no de manera oficial). Actualmente Hince es esposo de la super modelo Kate Moss.

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Jamie Hince está csado con la super modelo Kate Moss (Quien tiene cierto parecido con Alison Mosshart, su compañera en “The Kills” y quien ocasionalmente también modela)

PD 2: Antes de publicarse el disco, “Blood pressures”, en el que viene esta canción, Alison Mosshart estuvo participando en otro grupo, “The dead weather” en el que también participó Jack White, miembro de “White stripes”, otra de las parejas artísticas mixtas que he estado reseñando.

Alison Mosshart ha tenido además, algunas apariciones con otras bandas como “Placebo”, “Primal scream”, “Artic monkeys”, entre otras.

PD 3: Música de “The Kills” ha sido utilizada en las bandas sonoras de programas como “Criminal minds”, “House”, “True blood”, Vampire diaries” y “Person of interest”  y en películas como “Childern of Men” del Mexicano Alfonso Cuarón.

PD 4: Al principio de su carrera, la instrumentación de la banda era una batería electrónica automática (“Drum machine”), una guitarra y un sintetizador vintage o “moog”

Uno de los primeros sintetizadores: Moog; utilizado por "The kills" por su sonido retro

Uno de los primeros sintetizadores: Moog; utilizado por “The kills” por su sonido retro

PD 5: Al formar “The Kills”, Alison Mosshart adoptó el nombre artístico “VV” y Jamie Hince se autonombró “Hotel”

PD 6: El hecho de ser un dúo mixto, de tener influencias Punk, de adoptar un sonido “sucio” (Poco producido) y minimalista, les valió ser comparados con “White stripes”.

Y la portada del disco “Blood pressures”, evoca a la portada del disco “Walking wounded” de “Everything but the girl”, de otro dúo mixto del que ya hemos hablado aquí.

Hay ciertas similitudes entre grupos formados por parejas mixtas, tanto en su sonido como en sus portadas

Hay ciertas similitudes entre grupos formados por parejas mixtas, tanto en su sonido como en sus portadas

PD 7: “The Kills” fue uno de los grupos que se presentó en el Festival Corona Capital 2012, en la Ciudad de México. Estuve ahí, pero optamos por “Cat power y “Franz Ferdinand” que tocaron a la misma hora; lástima, me los perdí.

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Before today, Everything but the girl

Hola,

Existen varios ejemplos de cómo el trabajo combinado entre dos músicos, muchas veces dominado por fuerzas de tensión-cohesión, ha producido grandes canciones y carreras muy exitosas. A la mente vienen: Lennon/McCartney (“The Beatles”), Jagger/Richards (“The Rolling Stones”), Simmons/Stanley (“Kiss”), Bono/”The Edge” (“U2”), Slash/Rose (“Gun’n’Roses”) y varios otros más. Las duplas mixtas, son menos numerosas y no pocas veces, menos conocidas.

En este blog ya he hablado de un par de ellas: “The Carpenters” y “The white stripes”.

Ahora, es el turno de la pareja que formó “Everything but the girl”, surgidos en 1982, pero, con una amplia discografía y algún éxito importante en los 90s.

Integrado por Tracey Thorn y Ben Watt, este dúo se posicionó en un subgénero poco conocido, denominado “Sophistipop” (Pop sofisticado), que consiste en tener una música elegante, influenciada por el Jazz, pero accesible; el ejemplo más conocido de este sonido es el grupo Sade.

Ben Watt y Tracey Thorn, dúo que formó "Everything but the girl"

Ben Watt y Tracey Thorn, dúo que formó “Everything but the girl”

De su disco “Walking wounded”, de 1996, voy a tomar el primer corte, de nombre “Before today”, para reseñar en esta ocasión.

Portada del disco "Walking wounded", de donde salió la cacnión de esta reseña

Portada del disco “Walking wounded”, de donde salió la cacnión de esta reseña

En esta pieza se combinan, la tendencia jazzística original del dúo, con la muy notable influencia electrónica (Ver la reseña “Daydream in blue”), surgida de su colaboración con la banda “Massive Attack”; el resultado es una canción con varios cambios de ritmo, pero siempre de carácter suave, totalmente diseñada para escucharse, disfrutarla y relajarse.

La letra tiene dos partes claramente separadas, aunque, muy relacionadas y totalmente identificables a lo largo de la canción:

Una muy clara y enfática petición de una persona, acerca de lo que no quiere recibir de su pareja:

“I don’t want excuses / No quiero excusas

I don’t want your smiles / no quiero tus sonrisas

I don’t want to feel like we’re apart a thousand miles /

No quiero sentir que estamos a miles de millas de distancia

I don’t want your attitude / no quiero tu actitud

I don’t want your things / no quiero tus cosas

But I don’t want a phone that never rings /

Pero no quiero un teléfono que nunca suena”

Y una muy simple solicitud, no siempre fácil de ser complacida:

“I want your love and I want it now” / Quiero tu Amor y lo quiero ahora

En cuanto a la música, yo diría que hay tres elementos destacables: la voz suave y atractiva  de Tracey, la multitud de sonidos electrónicos producidos en su mayor parte por Ben y una intermitente batería que de pronto acelera un poco el ritmo de la canción, pero nunca hasta el punto de hacerla bailable.

A continuación, está el audio de la versión Adam F Remix

Cercana en su sonido al “Chill Out” (Ver la reseña “Daydream in blue”), yo recomendaría escuchar esta canción en la Ciudad, al atardecer, acompañados de un buen coctel.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: De manera similar a lo sucedido con los integrantes del dúo “The white stripes”, Tracey y Ben eran también pareja sentimental y mantuvieron este aspecto de su relación muy discreto, casi escondido, para proteger su privacidad.

PD 2: “Everything but the girl” surgió en Hull, ciudad costera al este de la Gran Bretaña. En esta misma pequeña ciudad, surgieron otros grupos como “Sade”, también identificado con el sub género “Sophistipop” (Pop sofisticado) y el desconocidísimo, pero muy divertido,  “The Housemartins”. También oriundo de Hull, fue el guitarrista Mick Ronson, quien colaboró en varios importantes proyectos con David Bowie.

PD 3: Tracey y Ben tuvieron algunas colaboraciones con otras agrupaciones; participaron en el disco “Café Bleu” del grupo “The style council” (También pate del sub género “Sophistipop”) y como ya mencionamos, tomaron sus influencias electrónicas del grupo “Massive attack”, con quienes participaron en un par de canciones.

PD 4: El curioso nombre artístico de este dúo, fue tomado directamente del slogan de una mueblería en Hull.

Esta mueblería aseguraba que tenía todo para el hogar, excepto a la chica

Esta mueblería aseguraba que tenía todo para el hogar, excepto a la chica

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Runaway train, Soul asylum

Hola,

La canción tema de esta reseña, fue obra de un grupo cuya mayor parte de su carrera fue desconocida; pero la fuerza de su letra, aunada a una pieza musical sencilla y que ayuda a transmitir el sentimiento detrás de la idea, hizo que se convirtiera en un éxito internacional y algo más…

La canción habla del hastío, la desesperación y el desencanto, sin atribuirlo a nada en especial, tan solo describiendo como se siente estar atrapado en una situación; parte del éxito de la canción se debe a que prácticamente todos hemos tenido esta sensación en algún momento de nuestras vidas.

Y en el coro de la canción se delinea la posible solución: escapar, finalizar la etapa y comenzar en otro lado desde cero, utilizando el socorrido símil del viaje en tren y dejando entrever que quizá ni aun escapando, se resuelvan las cosas.

Como pequeña muestra de la belleza y fuerza de la canción, va una estrofa:

“Can you help me remember how to smile

Make it somehow all seem worthwhile

How on earth did I get so jaded

Life’s mystery seems so faded”

 

“¿Me puedes ayudar a recordar como sonreír?

Y a hacer que de alguna forma, todo parezca que vale la pena

¿Cómo demonios llegué a estar tan hastiado?

Los misterios de la Vida lucen tan gastados”

 

Musicalmente, se trata de una balada en la que las cuerdas, dos guitarras y un bajo, son todas acústicas, complementadas con el sonido de un órgano eléctrico (Hammond) que le da el toque de ansiedad que caracteriza a la canción y el ritmo a cargo de la batería.

Se trata de “Runaway train”, publicada en 1992 en el disco “Grave Dancer’s Union”, del grupo “Soul asylum”.

ATENCION: EL VIDEO DE ESTA CANCION ES FUERTE Y PODRIA SER  PERTURBADOR PARA ALGUNAS PERSONAS

 

 

Desde la Ciudad más grande del Mundo.

JH

PD: Es ampliamente conocido que el video de la canción incluye imágenes de personas desaparecidas, en un esfuerzo de intentar localizarlas. De hecho, existen diversas versiones del video, en las que las imágenes de las personas desaparecidas se cambiaron para que se adaptaran a la región en la que se transmitiría el video.

Y la idea tuvo éxito, pues se lograron localizar a varias de estas personas, aunque no siempre con un final feliz.

PD 2: La canción ayudo a vender millones de sencillos y copias del álbum, llegando a los primeros lugares de las listas en Estados Unidos, e incluso, ganó el Grammy a Mejor canción de Rock, en 1994. Sin embargo, el grupo no pudo mantener la consistencia y a pesar de un par de éxitos más, sus 9 discos lanzados entre 1984 y el 2006, permanecen más bien desconocidos.

PD 3: En el video puede observarse al vocalista y cofundador de la banda, Dave Pirner, tocar una guitarra acústica, Gibson J200; Elvis Presley, Pete Townsend y John Lennon, entre otros, llegaron a usar alguna versión de dicho modelo.

 

 

Gibson J-200 utilizada por Dave Pirner en el video

 

PD 4: En el grupo, al momento de grabar “Runaway train”, no había un tecladista de planta; a quien se escucha tocar en esta grabación es a una leyenda del Soul, en concreto, del llamado sonido “Memphis Soul Sound”, de nombre Booker T. Jones, quien ha colaborado con artistas como: Elton John, Neil Young, Willie Nelson, “Rancid”, Ray Charles, Otis Redding y quien es miembro del Salón de la Fama del Rock y ganador del Grammy Honorario “Lifetime achievements” (por los logros a lo largo de su vida).

PD 5: Dave Pirner fue pareja de la actriz Wynona Ryder

Winona Ryder y Dave Pirner, vocaista de Soul Asylum

 

 

 

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Never forget you, The Noisettes

Hola,

Aunque existían desde la década de los 30s, los grupos femeninos (en inglés “girl groups”), tuvieron su apogeo en los 50s y los 60s. La versión más exitosa de estos grupos fue la que contenía tres cantantes (no pocas veces hermanas) respaldadas por excelentes músicos y compositores.

Quizá el ejemplo más reconocible de este subgénero es el de “The Supremes”, trío del cual surgió Diana Ross.

Todos hemos escuchado algún tema de un "girl group". The Supremes

El éxito y la influencia de estos grupos fue enorme; bandas como “The Beatles”, “The Hollies”, The Carpenters” y “Blondie” o artistas como Phil Collins, han hecho covers de canciones de aquellos grupos y el formato ha sido reproducido, con más o menos éxito, desde entonces y hasta la fecha.

La canción de esta semana no es interpretada por uno de estos grupos, pero su sonido, se asemeja mucho a aquellas producciones de principios de los 60s; se trata de “Never forget you” del trío británico “The Noisettes”, aparecida en su disco “Wild Young hearts” del 2009.

La canción habla acerca de un rencuentro amable de una pareja que desde hace tiempo ya ha dejado de serlo y que ocurre sin resentimientos y sin reclamos, lo cual la hace muy peculiar en su tema.

En cuanto a la música, en los primeros 30 segundos domina el ritmo marcado por el sonido del bajo y acentuado por la voz de Shingai Shoniwa, que junto con el rasgueo de guitarra replican casi con exactitud los sonidos de los 60s. Al llegar la primera interpretación del coro puede notarse una salpicadita de modernidad a través del sonido ahora potente, dominante y distorsionado de la guitarra, para que segundos después, al entrar los sonidos de cuerdas (violines y cello), la canción retome su tono retro y así alternadamente hasta el final, pero siempre con un carácter alegre que embona con el mensaje de la letra.

Desde la Ciudad más grande del Mundo.

JH

PD: El éxito del grupo “The Marvelettes” de 1961″Please Mr. Postman”, fue hecho cover por “The Beatles” y “The Carpenters”. Las tres versiones fueron sumamente exitosas

PD 2: Otro “girl group”, “The Shangri-Las” graba en 1964 la canción “Remember (Walking in the sand)”; en la grabación del demo participó un músico de estudio, pianista, entonces desconocido, llamado Billy Joel.

El look de las cantantes influenció a grupos Punk como “New York dolls” y Blondie y la canción Remember (Walking in the sand) fue reinterpretada por “The Go-Gos” y “Aerosmith”.

PD 3: En 1982, Phil Collins grabó un cover de la canción “You can’t hurry love”, originalmente grabada por “The Supremes”, logrando llegar al #1 de las listas por primera ocasión.

PD 4: Un clásico del género, “Be my baby” (Por cierto, la primera canción reseñada en este blog), ha sido retomada entre muchos otros por, John Lennon, “Kenny and the Electrics”, Charly García, “Blue Oyster Cult”, Linda Rondstadt, “Maroon 5” y su sonido a influenciado o inspirado canciones y respuestas en músicos como “The Beach boys”, Bruce Springsteen, Asia, “Meat loaf”, Billy Joel, “King of Leon”, Eddie Money, Amy Winehouse y hasta por “Lady Gaga”.

Es con esta canción que el legendario productor Phil Spector impulsó definitivamente el “Wall of sound”, técnica de grabación de su invención que le daba a las canciones un sello distintivo que destacaba en la radio AM y en las rockolas (“Jukeboxes”) y que ha sido retomado por muchos artistas desde entonces y generado grandes temas del Rock.

PD 5: El éxito “Dancing in the street” interpretado a dúo por David Bowie y Mick Jagger, es otro cover, esta vez al éxito de “Martha and the Vandellas” de 1964, que también llegó al primer lugar de las listas.

PD 6: En la canción de esta semana el sonido de la guitarra de Dan Smith, que le da un toque de modernidad a la pieza, proviene de una poco usual guitarra Dipinto. Dan Smith mezcla equipos modernos y antiguos y gusta de experimentar con nuevos sonidos.

Guitarra Dipinto como la utilizada por Dan Smith en la canción de esta semana

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Shakin’ all over, Wanda Jackson

Hola,

En esta ocasión, voy a compartir con ustedes una canción lanzada a principios del 2011, pero que aún así, tiene su (larga) historia.

Se trata de una colaboración de Jack White (Fundador y líder de  “The White Stripes”) y Wanda Jackson (Veteranísima cantante de Country / Rockabilly)

¿El resultado? Un enésimo regreso del Rockabilly, actualizado pero reconocible, gracias a White y autentificado por Jackson.

La canción, track 1 del disco “The Party ain’t over”, es “Shakin’ all over”, de enero del 2011.

Portada del disco "The party ain't over" del 2011

 

Como hemos platicado con anterioridad, el Rockabilly se trata fundamentalmente de una fusión de ritmos negros con Country blanco, combinación que a la postre provocó la gran explosión que conocemos como Rock’n’Roll.

Esta version de “Shakin’ all over” es un Rockabilly actualizado en su sonido por White e interpretado vocalmente por quien tiene que ser una de las últimas cantantes de Rockabilly originales.

Comienza con una introducción instrumental de 20 segundos, en los que predomina la sección de vientos (Sax, trompeta y trombón), que enseguida le dan paso a un sólido riff de guitarra que se repite durante el resto de la canción y a un ritmo que inevitablemente invita a moverse, comandado por la sección rítmica (Bajo y Batería) y los teclados.

La voz de Wanda aún conserva una candidez y claridad que contrastan bien con la fuerza instrumental.

Desde la Ciudad más grande del Mundo

JH

PD -1: Normalmente tendría que explicarle a los lectores más jóvenes quien es y de dónde viene el grupo o solista que interpreta la canción de la semana; pero en esta ocasión, es justamente al revés; para mis amigos co-generacionales, “The White Stripes” es un dúo contemporáneo (1999 a la fecha), de Rock Garage / Rock Indie, que ha durado ya 11 años manteniendo su calidad (algo poco usual actualmente) y que tiene un sonido ecléctico (Punk, Blues, Metal, Country, Bubblegum, Cabaret, Garage, Hillibilly, Celtic…) balanceado con buenas letras y una imagen distintiva.

Caricaturización de los "White Stripes" para Los Simpsons

 

PD: La canción es de Johnny Kidd, quien con su grupo “Johnny Kidd and the Pirates” la llevó al #1 de las listas Británicas en Agosto de 1960

PD 2: La expresión “Shakin’ all over” (“Sacudiéndose todo”) se refiere a los espasmos y escalofríos que provocan la visión de una mujer extremadamente guapa y es precisamente esto lo que inspira la letra de la canción.

PD 3: Fuera de Europa, la canción no tuvo éxito sino hasta que en 1965, fue adoptada por un grupo Canadiense llamado (hasta entonces) “Chad Allan and the Expressions”, quienes también la llevaron al #1 en Canadá.

Para tratar de lograr una mayor expectación antes de lanzar esta versión en Estados Unidos, la disquera promocionó el sencillo preguntando ¿quién creen que toca?, en vez de dar el nombre de la banda. Los DJ’s así la anunciaban y nace entonces el nuevo nombre del grupo “Guess who?”, de quienes ya reseñamos aquí su mayor éxito “American woman”

PD 4: En 1965, en Estados Unidos, era inevitable que las audiencias en vivo confundieran a “The Who” con “Guess who?; así que a éstos siempre les pedían que tocaran “My Generation” y a aquellos que interpretaran “Shakin’ all over”. De ahí que haya algunas grabaciones en vivo de “The Who” tocando nuestra canción de esta semana, siendo la más conocida, la que hicieron en el festival de “Woodstock”.

PD 5: Como hemos comentado antes , el Rock siempre regresa a sus raíces, por lo que no es de extrañarse que haya covers de “Shakin’ all over” por artistas como:

“Led Zeppelin”, “Adam Ant”, “Iggy Pop”, “Suzi Quatro”, “Generation X / Billy Idol”, “Van Morrison” y “Humble Pie”, entre otros.

PD 6: Existe al menos un antecedente de colaboraciones entre un grupo contemporáneo y una cantante veterana, la muy buena colaboración entre “Propellerheads” (también un dúo) y Shirley Bassey en la canción 60s revival: “History repeating”

PD 7: En el video en el que Wanda Jackson interpreta esta canción durante el Show de David Letterman, es impresionante ver la diferencia de estaturas entre este último y Wanda.

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Yoshimi battles the pink robots, Flaming lips

Hola,

Paralelamente al advenimiento masivo de las máquinas, al inicio de la Revolución Industrial que irrumpió en sociedades mayoritariamente rurales, se fue gestando la idea de que las máquinas son malas y apocalípticas.

Esta idea se ha ido transformando y actualizando y se ha reflejado notoriamente en diversas artes, como la literatura, el cine y la música.

En el cine, toda una mitología se ha creado a partir de la obra de ciencia ficción “Terminator”, co-escrita por James Cameron (Director de “Titanic” y de “Avatar”, otra obra con tintes anti-máquinas) y que a partir de 1984 es un símbolo de referencia de la cultura pop a nivel mundial.

Los robots Terminators, diseñados para exterminar a los humanos

Esencialmente, la historia versa acerca de cómo máquinas evolucionadas, Robots casi humanos, intentan exterminar a la humanidad y de cómo esta trata de defenderse. El héroe de la saga es John Connor, líder de la resistencia humana; pero, como detrás de todo gran hombre hay una gran mujer, el personaje de la madre de John, Sarah Connor, es de suma importancia, ya que es ella quien lo prepara y entrena.

Sarah Connor – La madre y formadora del Hérore

De la serie de películas “Terminator”, en el 2009 se desprende la serie de televisión: “Terminator: The Sarah Connor chronicles”, que se adentra en la vida de una mujer, madre soltera, que debe proteger a su hijo adolescente y entrenarlo para que en el futuro sea el líder de la humanidad y esperanza de Paz. Fácil ¿Verdad?

En la serie, Sarah Connor es una mujer dura, versada en armas, artes marciales, explosivos y hasta experta en viajes en el tiempo, cuya misión es evitar que ganen los robots.

La canción de esta semana, aparecida en el 2002, es una descripción casi perfecta de Sarah y sus aventuras. Se trata de “Yoshimi battles the pink robots Pt.1”, del álbum “Yoshimi battles the pink robots” del grupo “Flaming Lips”.

La letra alude a la misión de Yoshimi de proteger a la humanidad del peligro de los robots exterminadores, aunque nadie crea que existen.

La canción es una sugerente combinación entre guitarras acústicas y sintetizadores, que le dan forma a una balada electro-pop, muy contemporánea y muy divertida, salpicada de detalles acústicos que le agregan frescura a un tema que de otra forma sería ominoso. Sin embargo hacia el final, la melodía de los teclados expresa sutilmente lo trágico de la historia, lo difícil que ha de ser Yoshini/Sarah Connor, lo difícil que es ser Madre.

Desde la Ciudad más grande del Mundo

JH

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser

PD: Felicidades (atrasadas) a todas las Mamás y gracias por preparar a los jóvenes que cambiarán el futuro del Mundo, como Sarah Connor.

Creep, Radiohead

Hola,

A muchos nos ha de haber sucedido que, siendo adolescentes y estando enamorados de alguien, cuando había algún tipo de reunión social en la que sabíamos nos encontraríamos a esa persona “especial”, nos comenzaba a dominar en mayor o menor medida una especie de ansiedad, una mezcla de emoción y nerviosismo.

Y a quien no le pasó que ya en la mencionada reunión, de repente nos dimos cuenta de que había, al menos, un par de otras personas en las que era más fácil fijarse que en nosotros y de pronto, esa persona especial se hacía lejana, odiosa, inalcanzable…lo que generaba estados de ánimo incomprensibles gracias a cambios hormonales abruptos y a distintos niveles de autoestima.

No hay canción que refleje mejor esta situación que “Creep”, de “Radiohead”, contenida en el álbum “Pablo Honey” de 1993.

La letra describe perfectamente esa tensión mental entre la admiración y el enamoramiento versus la frustración y la no pertenencia.

Musicalmente hablando, la canción refleja esa dicotomía mediante la utilización de un ritmo suave y lento, acompañado de punteos de guitarra y la voz neutra de Thom Yorke durante el primer verso. Enseguida y antes de que entre el primer coro, irrumpe la ira magistralmente ejemplificada por tres golpes de guitarra con feedback por parte de Jonny Greenwood.

Con excepción del verso donde Yorke grita con desesperación (She runs, runs runs, ruuuuuuuns!!!!!), la interpretación vocal carente de emoción evoca perfectamente a la pequeña vocecita que todos llevamos dentro y que nunca grita, pero que tampoco susurra.

Desde la Ciudad más grande del Mundo

JH

PD: Es difícil escribir acerca de un grupo que, al menos en sus comienzos, sonaba a una mezcla entre “R.E.M.” y “Nirvana” y que muestra claras influencias de “Pink Floyd” y los “Pixies”. Adicionalmente, aunque esta canción fue escrita por Thom Yorke a finales de los 80s, él mismo le dio crédito a Albert Hammond y a Mike Hazelwood (Miembros de “The Hollies”) por su gran parecido a la canción “The air that I breath”

PD 2: “Creep” apareció en el álbum y se lanzó como sencillo por mero accidente, al ser ejecutada entre la grabación de otras dos canciones sí programadas para el disco. A los productores les gustó y quedó incluida. Debe mencionarse que se grabó en una sola toma.

PD 3: En su primer lanzamiento la canción no tuvo éxito, pero, un DJ de Israel la comenzó a promover y paralelamente surgió en la radio de San Francisco y en la de otros países, convirtiéndose en un hit internacional. En su relanzamiento en la Gran Bretaña logró llegar al lugar 7 de las listas.

PD 4: El guitarrazo distorsionado (con feedback) característico de la canción, fue un intento de Jonny Greenwood por sabotear la canción, ya que le parecía de debiluchos.

PD 5: Al grupo le comenzó a disgustar la canción, porque opacaba el resto de su trabajo y es así que dejaron de tocarla en vivo por varios años. En su primera visita a México sí la tocaron.

PD 6: La versión reeditada para radio, donde se cambió la frase “you’re so fucking special” por “you’re so very special” fue duramente criticada por miembros de otras bandas indie (Independientes), que consideraron el hecho como una forma de “venderse” a la industria.

PD 7: En este mundo digitalizado, “Radiohead” lanzó en 2007 su obra “In Rainbows” que puede obtenerse en su sitio de internet a cambio de una cuota voluntaria. También puede ordenarse una copia física que incluye un disco de vinyl y un cd, todo esto sin el apoyo de compañía disquera alguna. Interesante experimento, este sí, original.

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser