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Sunday, bloody Sunday

Hola,

En muchas culturas el Domingo es el día de descanso, el día del Señor, el día del Sol.

Sin embargo, el Domigo que inspiró la composición de la canción que hoy reseño, fue un día trágico; de hecho, fueron dos con el mismo nombre: Domingo sangriento / “Bloody Sunday”  y se refieren a enfrentamientos entre el ejército Inglés y población civil de Irlanda, enmarcados en el larguísimo conflicto político-religioso entre ambas naciones y que ocurrieron, uno en 1920 y el otro en 1972.

Se trata de “Sunday, bloody Sunday” aparecida en el disco “War” lanzado al mercado en 1983 por la banda irlandesa U2.

u2 war

Portada del disco, publicado en 1983

En muchas ocasiones, el líder y vocalista del grupo, Bono, ha declarado que la canción no es una crítica a ninguna de las partes involucradas en los violentos hechos acaecidos en aquellos Domingos yque tampoco es una canción de protesta, sino más bien una enérgica petición para que desaparezca la violencia de manera generalizada. Y una parte muy específica de la letra, en la más conocida versión en vivo, así lo indica:

“No more, sing it, no more

wipe your tears away

No más (violencia), canten, no más

limpien sus lágrimas”

Sin embargo, este sería uno de sus primeros esfuerzos exitosos en una larga serie de canciones que expresan inconformidad de manera neutral, lo que de alguna manera ha sido el sello del grupo dentro y fuera del ámbito musical.

Early U2

Esta foto esta relacionada con el álbum October, pero, muestra la juventud e imagen del grupo U2 a inicios de los 80s

Paradójicamente, la canción se desarrolla sobre un ritmo prácticamente marcial marcado por la batería y en el que se suman tanto la voz de Bono como el fraseo de guitarra de “The Edge” destilando angustia y reclamo.

A continuación comparto la versión en vivo de un concierto de U2 en el increíble escenario semi natural: Red Rocks en Colorado, Estados Unidos y que es una versión quizá más conocida que la del álbum.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: U2 fue uno de esos grupos que se beneficiaron mucho con el lanzamiento de la cadena de videos musicales MTV, a principios de los 80s.

El video de esta canción muestra perfectamente la energía y el impacto visual de las interpretaciones del grupo en vivo; tan es así, que alguna vez el vocalista, Bono, declaró que estbana considerando ya no seguir tocando esa canción en vivo, pues era imposible sobrepasar la interpretación que lograron en “Red Rocks”

Este video es considerado por la revista “Rolling Stone”, como uno de los 50 momentos que cambiaron la historia del Rock’n0Roll

PD 2: Un sello de la banda ha sido el transmitir mensajes muy potentes, a veces con recursos muy simples; en el caso de esta canción y su correspondiente video, fue utilizando la bandera blanca que porta Bono

War Tour logo

No solo fue el logo de la gira War, sino que no pocas veces, Bono portço una bandera blanca que causó gran impacto en aquella época

PD 3: La versión de estudio de la canción incluye un violín, que le da un sonido más dramático y que ayuda a describir mejor el sinsentido y caos de la violencia a la que se alude.

La ejecución de las partes de violín estuvo a cargo de Steve Wickham, quien más adelante en su carrera participaría con el excelente grupo “The Waterboys”

stratocaster-black The Edge

Guitarra Fender Stratocaster Black, como la utilizada por The Edge en la interpretación de la canción en el legendario concierto en “Red Rocks”; su sonido se presta para emular al del violín que suena en la versión de estudio

PD 4: El grupo tenía muy claro que con la canción no querían tomar partido en el conflicto entre Inglaterra y los grupos separatistas irlandeses; pero, temían por su seguridad si es que se llegaba a interpretar como una crítica al movimiento Irlandés.

Por esta razón, tardaron un tiempo en interpretarla en Irlanda  y de cualquier forma, Bono en cualquier presentación, siempre decía, antes de empezarla: “This song, is not a rebel song / Esta canción, no es una canción de protesta” para remarcar su neutralidad en el conflicto y su rechazo a la violencia.

Cuando la tocaron por primera vez en un concierto en Belfast (Capital de Irlanda del Norte), Bono le dijo al público que si no les gustaba, jamás volverían a tocarla; de acuerdo al guitarrista “The Edge”, de los 3,000 asistentes, solo 3 o 4 se salieron del lugar, lo cual los hizo sentirse con más confianza para seguirla tocando en vivo.

PD 5: El sonido de banda militar de la batería, se debe en parte a la precisión del ritmo logrado con el uso de un “click track” , que consiste en un apoyo auditivo que genera un sonido rítmico que el baterista puede seguir. Larry Mullen no era proclive a usar este apoyo, pero fue convencido por otro baterista y el resultado es el sonido limpio y exacto de la batería en esta canción.

PD 6: Al momento de escribir estas líneas, acaban de cumplirse 30 años del lanzamiento de esta canción; su mensaje y su sonido, siguen vigentes.

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Avalon, Roxy Music

Hola,

A la música de los 80s se le ha criticado por el uso excesivo de sintetizadores (teclados que emulan a otros instrumentos o que producen sonidos electrónicos) y también se le ha tildado de simplona, ingenua y de baja calidad.

Las generalizaciones tienden a ocultar la verdad.

En 1982, salió al mercado el que es quizá uno de los discos más bellos, elegantes y sofisticados, no solo de la década de los 80s. Se trata de “Avalon” del grupo Británico “Roxy Music”, cuyo corte número tres, “Avalon”, es el que estaremos comentado en esta oportunidad.

Esta canción, así como el resto del álbum, es la culminación de aproximadamente 10 años de existencia del grupo, en el que experimentaron una notoria evolución artística.

Parte del encanto de “Avalon” es que es sumamente difícil de categorizar, tanto en su estilo musical, como en el contenido de su letra.

No es una balada, ya que ni siquiera habla del amor (o del desamor) y dado su ritmo lento, tampoco es bailable, aunque es estupenda para mecerse abrazado a la pareja; no es melancólica, ni alegre; es simplemente muy madura, balanceada, exacta, casi perfecta.

Musicalmente, no es Soul Blanco, no es Bossanova, ni es puramente Pop; el concepto que a mí me gusta para clasificarla es: “Art Rock “; ya que cada nota, cada intervención de algún instrumento y la irrupción de las voces, tanto del vocalista del grupo, Bryan Ferry, como la de la corista invitada, Yannick Etienne, tienen la misma función que las pinceladas en un cuadro o las sombras en una fotografía: son arte en sí mismas, tanto por su ejecución individual, como por su armónica interacción colectiva.

Comienza con la guitarra de Phil Manzanera y los teclados a cargo de Ferry, a los que se unen rápidamente unas percusiones que le dan un cierto toque latino a la canción; a los 8 segundos se incorpora el bajo que, antes de marcar el ritmo, parece entrar en una conversación con los demás instrumentos.

A los 17” entra la voz de Ferry que, en tan solo 3 versos, nos relata la fascinación instantánea, la completa rendición ante una situación altamente seductora y lo logra a través de imágenes carentes de la impetuosidad de las canciones de amor adolescente y sin recurrir a la cursilería. La canción está  enfocada en la protagonista, pero sin describirla y en lo que sucede alrededor de una fiesta que ya se acaba.

La fortuna de tener un encuentro tan agradable como fortuito y en el que al parecer hay reciprocidad, se plasma en la imagen de “Avalon”, la mítica isla semejante a un Paraíso y se describe musicalmente a la perfección, con el solo del saxofón y las vocalizaciones de Etienne.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: El ritmo suave, el uso de percusiones y sintetizadores, así como la inclusión de una voz femenina, presagia en esta canción la aparición de lo que años después se conocería como música Chill Out

PD 2: “Roxy Music”, dado el antecedente de que algunos de sus miembros fueron  estudiantes de arte, desde sus inicios fue un grupo innovador y cercano a la moda y a otras formas de arte.

En la primera parte de los 70s fueron uno de los principales impulsores de lo que se conoció como “Glam Rock”, que además de tener un estilo musical particular, se apoya en elementos escénicos como vistosos vestuarios, maquillaje, zapatos de plataforma, cabellos de colores y apariencia andrógina

Roxy Music Cartoon

El grupo Roxy Music fue uno de los impulsores del “Glam Rock” cuya imagen influyó en otros muchos artistas

Otros exponentes de esta corriente fueron: David Bowie, “Slade”, “T. Rex” / Marc Bolan, Elton John entre otros en Inglaterra y Lou Reed, Iggy Pop y “The New York Dolls” en Estados Unidos.

Esta corriente influenció notablemente a otros artistas, entre los que se encuentran: “Queen”, “Kiss”, Rod Stewart, “Twisted sister”, Prince y Marylin Manson.

Para 1982, los integrantes de “Roxy Music”  ya habían dejado atrás esa etapa y su imagen era mucho más convencional y elegante, muy acorde a la música que estaban realizando entonces.

PD 3: El video de la canción fue filmado en una finca denominada “Mentmore Towers” en Inglaterra.

En este mismo lugar se han filmado películas (“Eyes wide shut” de Stanley Kubrick, “Batman Begins” entre otras) y videos para Enya y las “Spice girls”

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“Mentmore Towers”, Locación del video de la canción y de otras conocidas filmaciones

PD 4: Todas las portadas de los 8 discos de estudio de “Roxy Music” tienen en su portada a mujeres, algunas de ellas famosas modelos de la época, como Jerry Hall (En algún momento pareja de Bryan Ferry y posteriormente esposa de Mick Jagger) y la de “Avalon” no es la excepción.

Aunque no se le puede ver el rostro, se trata de la modelo y socialité: Lucy Helmore, con quien Ferry estuvo casado 20 años y procreó 4 hijos

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PD 5: Aun siendo parte de “Roxy Music” y después de disolverse el grupo, Bryan Ferry tuvo una carrera como solista en la que abarcó géneros como el Jazz, “Motown”, “Country”, “Pop-Funk”, Cabaret-Pop”, “Soul” y el Rock’n’Roll, realizando covers a artistas como “The Beatles”, “The Rolling Stones”, Bob Dylan y John Lennon y trabajando con músicos de la talla de David Gilmour (“Pink Floyd”) o John Wetton (“Yes”)

Además del notable éxito con “Roxy Music” y como solista, Bryan Ferry fue siempre afecto a la moda, por lo que regularmente luce impecable.

Bryan Ferry

Dado su antecedente en estudios de Arte, Bryan Ferry siempre estuvo cercano a otras artes y a la moda

Roxy Music Glam 2

El “Glam Rock” era tanto una corriente musical como una imagen escénica, en la que había colores brillantes, zapatos de plataforma, maquillaje, cabello de colores y otras extravagancias

PD 6: La modelo (otra más) / Actriz que aparece en el video se llama Sophie Ward

Actress and model Sophie Ward

Imagen reciente de la modelo aparecida en el video de la canción, Sophie Ward

PD 7: Recomiendo escuchar esta canción en una noche tibia de verano, acompañado de una copa de un ben vino.

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Look at that Cadillac Stray Cats

Hola,

En la década de los 40s, el 44% de la población en Estados Unidos era rural, pero en algunos estados era mayor al 60%. Esta población estaba compuesta por inmigrantes o descendientes de inmigrantes, provenientes de Gales, Inglaterra, Escocia, Irlanda, Alemania, Polonia y en menor medida de Italia, España y por supuesto, de África.

Aquellos inmigrantes trajeron consigo sus costumbres y parte de su cultura, incluyendo la música.

Así que la música rural de Estados Unidos se formó de la mezcla entre la música folk (folclórica) de origen Anglo-Sajón y la de origen europeo continental, como la polka y el vals (Waltz), mezclado con algunas influencias latinas y africanas. El resultado: la música Country, dominada en sus inicios por instrumentos de cuerda, como el violín (“fiddle”), la guitarra española y el banjo.

Entonces allá por los 40s, la música Country era muy relevante debido a la extensa población rural, sobretodo en los estados centrales y del sur y era también conocida con el nombre de “hillbilly”

Después de la 2ª Guerra Mundial, se aceleró la migración hacia las ciudades y la música “hillbilly” se urbanizó y se influenció de otros géneros como el Blues, el swing, el Jazz y el boogie; los temas de las canciones eran aún relacionados con los del country o del blues, pero los ritmos se aceleraron, se añadieron instrumentos como la batería, los instrumentos de viento y el piano, se adoptaron las guitarras eléctricas, pero sobretodo, se enfatizó la base rítmica, particularmente la del bajo (o contrabajo), para convertirse en una música esencialmente bailable que a principios de los 50s comenzó a llamarse “Rockabilly”.

La era dorada del “Rockabilly” se dio entre 1951 y 1958, nace casi simultáneamente en Memphis, Jackson y Nashville, pero rápidamente se extiende a todo Estados Unidos y al Mundo. Entre sus más exitosos exponentes se cuentan: Carl Perkins (“Blue suede shoes” / Zapatos de ante azul), Bill Haley (“Rock around the clock” / El Rock del reloj), Johnny Cash y por supuesto, Elvis Presley.

A mediados de los 70s, algunos jóvenes buscaron alejarse de la excesiva superfluidad de la música Disco y de lo comercial del “Light Rock” de la época y otros, encontraban al Rock Progresivo demasiado elaborado y pretencioso…de esta insatisfacción surge el Punk y paralelamente, una resurrección del “Rockabilly”.

El grupo que llevó a su máxima expresión esta resurrección fue “Stray Cats”, formado por Brian Setzer (Guitarra y voz), Lee Rocker (Contrabajo) y Slim Jim Pahntom (Batería); de su disco “Rant’n’Rave” (Ruidoso y delirante) de 1983, la canción de esta semana es “Look at that Cadillac”

El tema que trata es uno de los clásicos de la primera era del Rock: Autos, específicamente  el cómo conseguir el muy aspiracional Cadillac. En esta canción, a diferencia de muchas otras de los  “Stray Cats”, domina el saxofón por encima de la guitarra y esto, aunado a la inconfundible base rítmica del contrabajo, le hace sonar muy parecido a “Bill Haley y sus Cometas” (Rock del Reloj) e inevitablemente hace que al escucharla busquemos seguir el ritmo, que es exactamente lo que el “Rockabilly revival” buscaba.

Desde la Ciudad más grande del Mundo

JH

PD: Muchos de los exponentes del “Rockabilly” fueron los héroes musicales de los muchachitos ingleses que después dominarían la escena musical de los 60s, 70s y parte de los 80s y muchos de ellos les hicieron algún tipo de homenaje:

“The Beatles” produjeron  covers de Perkins, “Honey don’t” y “Matchbox” y de otras canciones de la misma época; incluso, el nombre “The Beatles” es en parte un homenaje al grupo de “Buddy Holly”, “The Crickets”

“The Rolling Stones” tiene “Not fade away”

Robert Plant y Jimmy Page (“Led Zeppelin”), incluso crearon el grupo “Honeydrippers” explícitamente para hacer “Rockabilly” y lograron un éxito, el cover de “Sea of love”, que logró un puesto en las listas por encima de cualquier canción de “Led Zeppelin”.

“Queen” tiene “Crazy little thing called love”

“Van Halen” hizo un cover de “Pretty Woman” de Ray Orbison

“Cheap Trick” realizó un excelente cover a “Don’t be cruel de Elvis Presley

El clásico look, de pantalones de mezclilla, t-shirt blanca y chamarra negra de piel, que ha sido adoptado en algún momento por músicos del Rock de todas las épocas, era el uniforme de los fans ingleses del “Rockabilly”, conocidos como “Rockers” (Enemigos de los Mods, como hemos platicado en otras entregas).

Artistas como “Eurythmics”, George Michael, “Aztec camera”, “Adam Ant”, “The Ramones”, “Slash”, “Queen” y muchos otros (¿Cuáles recuerdas tú) adoptaron en algún momento el look “Rocker”

James Dean con el típico atuendo Rocker, Jeans, camiseta blanca y chamarra de cuero negra

También en la TV hubo un renacimiento del Rockabilly; aquí, Fonzie de la serie Happy Days

PD 2: Otro gran compositor “Rockabilly” fue Johnny Burnette, cuyo hijo Rocky Burnette produjo otro hit del “Rockabilly revival” de los 80s: “Tired to toein’ the line” (Cansado de seguir la línea), mismo que alcanzó fama mundial y el #8 de las listas en junio de 1980.

En 1960, Johnny también había alcanzado el #8 con la canción “You’re sixteen”, misma que años después también sería un éxito para Ringo Starr.

PD 3: Parte de el “Rockabilly revival” de finales de los 70s y parte de los 80s se debió a influencia que vino de otras artes como el cine y la TV: “Grease” (Vaselina) y “Happy days”

PD 4: Los autos, la moda y el Rock’n’Roll han estado siempre muy unidos y en particular el Cadillac es una especie de Grial para músicos de Rock de todas las épocas:

En muchos de los establecimientos de “Hard Rock Café” pueden verse fragmentos de Cadillacs antiguos.

Cadillac en la fachada del HRC de la Ciudad de México

 

En videos de “The Clash”, “The Pretenders”, “The Go-gos” aparecen algunos (¿Qué otros recuerdas tú?)

Existen canciones en español que también lo mencionan como “Cadillac solitario” del grupo español Loquillo y los trogloditas.

Incluso, existe un grupo, “Los fabulosos Cadillacs” que lo incluyen en su nombre

PD 5: Brian Setzer, fundador, líder, vocalista y guitarrista de los “Stray Cats”, ha seguido una muy exitosa carrera como solista y también fue parte importante del “Swing revival” de los 90s, logrando incluso reconocimientos de la industria y de sus colegas.

Participó como guitarrista al lado de Jimmy Page y Robert Plant en la agrupación “The Honeydrippers” y  ha sido nominado 9 veces para Grammys, logrando 3 veces ganarlo con su banda “The Brian Setzer Orchestra”

PD 6: Como parte de aquel “Rockabilly revival” están bandas como “Los Lobos” (La bamba), “The fabulous Thunderbirds” (en referencia a otro auto clásico), “Lone Justice”, Chris Isaak, “The travelling Willburys” (Integrado nada más y nada menos que por Ray Orbison, Bob Dylam, George Harrison, Jeff Lyne y Tom Petty), “Sha na na” y “The Honeydrippers” (con ex “Led Zeppelin” Jimmy Page y Robert Plant) entre otras muchas.

En México, también en los 80s, Timbiriche entra a la resurrección del “Rockabilly” con sus interpretaciones de Vaselina y actualmente existen grupos como “Los Gatos Rock & Billy” que también interpretan este estilo.

PD 7: El más reciente éxito “Rockabilly” es la canción “Umbrella” (2009) interpretada por “The Baseballs”, en una versión mucho más energética y divertida que la de Rhianna.

21 Guns, Green day

Hola,

A través de las (no siempre) breves reseñas de canciones que he compartido con ustedes, hemos viajado a los 50s, a los 60’s a los 70’s, a los 80’s y un poco a los 90’s…década que quedo atrás hace ya más de 10 años.

Es por eso que en esta ocasión, voy a intentar salir un poco de la zona de confort y hablar de una canción lanzada en 2009: “21 Guns”, de “Green Day”, aparecida en el álbum “21st Century Breakdown”

La imagen de la portada del disco resume muy bien el tema conceptual en el que está basado

El grupo se formó a finales de los 80s en el norte de California. Para entonces, el Punk prácticamente había desaparecido y el Grunge aún estaba por llegar. “Green Day” comienza a destacarse en la zona retomando el rock duro y rápido de tres acordes, conocido como Punk, a la vez que llenaba ese vacío musical.

De 1989 a 2009 han publicado 10 álbumes (más uno bajo el seudónimo de “Foxboro Hot Tubs”), en los cuales pasaron de ser una banda underground local, a un super  grupo global y evolucionando su sonido para acercarse un poco más al pop y añadiendo mayor complejidad  en sus ideas y en los arreglos.

Su éxito proviene de la vieja fórmula del buen rock: rebeldía, humor, giras, giras y más giras (presentándose en Woodstock ’94 y Live 8), su constante presencia en MTV (como las bandas de antes lo hacían en el Cine o en los shows de TV) y el tener algo que decir acompañado de buena música.

La canción de esta semana versa acerca de lo que debe pasar en la mente de los soldados en acción y de los 21 cañonazos en honor a los caídos en batalla. ¿O No?

¿Y si trata acerca de cómo la ira nos va ganando en una pelea con un ser querido?

O, ¿Si es acerca de la soledad tras un duro rompimiento?

Una gran canción siempre tiene más de un significado.

Musicalmente hablando, está lejos de los inicios Punk del grupo. Incorpora una guitarra extra (Green Day comenzó como un trío, Batería, Bajo y Guitarra-Voz) para acompañamiento y teclados en la parte instrumental. La producción es excelente, combinado pausas, cambios de ritmo, cambios de énfasis sea hacia la voz o hacia los instrumentos y coros tenues pero no superfluos. El solo de guitarra no es protagonista, lo cual, le permite enfatizar el sentimiento de la canción.

Desde la Ciudad más grande del Mundo

JH

PD: Esta canción es parte de una Opera Rock, al estilo “The Who”, que se desarrolla a través de todo el disco. El tema: Ira y frustración contra lo establecido. Los protagonistas: Christian y Gloria.

PD 2: El disco cierra con la canción “See the light”, que en su letra menciona que es lo único que los protagonistas (La banda y toda una generación) quieren: “I just want to see the light” (La Verdad)

PD 3: En el video de “21 guns”, puede observarse en los muros del cuarto, fragmentos de la letra de “See the light”. El momento donde Christian y Gloria se abrazan y besan, podría significar que el amor entre dos personas hace que todo lo que pasa alrededor pierda importancia; esa misma imagen del abrazo puede verse en la portada del disco, lo cual nos remite a que es un álbum conceptual, muy al estilo de “The Who”

PD 4: Mientras el trío grababa las canciones para el disco, solían tener sesiones donde escuchaban discos de vinyl, destacándose “The Kinks”, “Plimsouls”, “The Doors”, “Meat Loaf”, “The Beat” y otros, que definitivamente influenciaron el sonido del disco y la canción