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Ashes to ashes David Bowie

“No sé adónde iré después de aquí, pero les prometo que no será aburrido / “I don’t know where I’m going from here, but I promise it won’t be boring.” David Bowie”

Hola,

Hace solo unos días murió el que quizá ha sido el músico más peculiar de las últimas seis décadas: David Bowie. El hecho en sí me trastornó mucho, máxime que en lo personal, también estoy pasando por un trance de salud similar al que él enfrentó al final de su vida.

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Mutar era una característica de Bowie, tanto en su estilo musical, como en su imagen

Pero lo más triste, es saber que el Mundo y la cultura pop han perdido a una persona tan creativa, tan perfeccionista, tan divertida. Afortunadamente, aunque se va el Artista, nos deja su obra.

Allá por los inicios de los años 80s del sigol XX, una muy querida compañera de la Universidad (“Lady Slim” para mantener su anonimato), accedió a prestarme algo de la música que tenía. A diferencia de hoy, en ese entonces eso significaba prestar discos LP de vinyl que eran muy delicados y era una gran responsabilidad recibirlos en préstamo pues podían maltratarse muy fácilmente.

Lady Slim había cursado parte de la preparatoria en Boston, así que la música que trajo de allá era muy diferente a la que podía normalmente conseguirse en México, en aquella época de ostracismo cultural que reinaba en el país.

Entre la música que me prestó, estaba “Scary Monsters” (Monstruos terroríficos), obra de Bowie publicada en 1980.

Scary Monsters Cover

Portada del disco “Scary Monsters”, en la que Bowie encarana a otro de sus legendarios alter-ego: Pierrot-Bowie

Escucharlo por primera vez fue un shock. En primer lugar, nunca un disco me había producido emociones tan fuertes como encontradas, ignorarlo era imposible. Al principio me disgustó mucho, me pareció caótico e indigerible. Pensé que era el ejercicio caprichoso e “intelectualoide” de una estrella del rock para justificar su fama de originalidad.

Sin embargo, al terminar de escucharlo me quedó un tenue impulso, inexplicable, para volverlo a oír. Y qué bueno que lo hice, pues cada vez que volvía a escuchar una de sus canciones, iba descubriendo su genialidad, originalidad y sobre todo, su calidad.

Como mucha del resto de la obra de Bowie, su música es un reto. No es fácil de asimilar, es exigente y generalmente no da concesiones, pero a la larga, te convence por ser auténtica y conscientemente cercana a la perfección.

Del “Scary Monsters” tengo que recomendar “Ashes to ashes” / Cenizas a las cenizas.

Esta frase es utilizada frecuentemente en los sepelios, por lo que está asociada a la muerte, a un final y justamente el disco “Scary Monsters”, significó en su momento, el final de una etapa en la carrera artística de Bowie.

Muchas de las frases de la letra tienen un tinte sospechosamente autobiográfico. En particular, a mí me gustan los siguientes versos:

“I never done good things / Nunca hice cosas buenas

I never done bad things / nunca hice cosas malas

I never did anything out of the blue / nunca improvisé”

En general, la canción tiene un tono melancólico. Intentar describir la melodía con palabras sería complicado e inútil; solo me atrevería a decir que es un intrincado conjunto de sonidos que logran el objetivo de transmitir esa sensación de añoranza. . . y desapego.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Estas son algunas de las reseñas que anteriormente he hecho a canciones de David Bowie.

Under Pressure

Thursday Child

Space Oddity

PD 2: David Bowie es uno de los muy pocos músicos que lograron mantenerse en los 5 primeros lugares de las listas, sea con sus álbumes o con sencillos, en 6 décadas diferentes (60s, 70s, 80s, 90s, 00’s y 10’s)

PD 3: Algunas veces, para lograr el sonido que quería para cierto disco, Bowie reclutaba músicos de primer nivel para expresarles sus ideas y pedirles su colaboración; esta fórmula no solo le dio éxito, sino que además, dejó profundas huellas artísticas en los músicos que trabajaron con él (cómo puede constatarse en el muy interesante documental de la cadena británica BBC: “Bowie: 5 years” / Bowie: 5 años). Algunos de esos afortunados músicos fuero: Rick Wakeman (“Yes”), Brian Eno (“Roxy Music” / U2), Luther Vandross, Pete Townshend (“The Who”), Nile Rodgers (Chic, Diana Ross, “INXS”, “Duran Duran”, Madonna), Robert Fripp (“King Crimson”) y varios más.

PD 4: En esta canción se hace una referencia muy directa a un personaje que aparece en el primer gran éxito que tuvo Bowie en su carrera: el astronauta “Major Tom” y a través de la letra y de ciertos rasgos autobiográficos que hay en la misma, podría fácilmente deducirse que Bowie está cerrando un círculo, despidiéndose así de una etapa de su vida y de una parte de su estilo musical.

La letra de la canción comienza así

“Do you remember a guy that’s been / ¿Te acuerdas de un tipo que ha estaso
In such an early song / en una antigua canción?”

Y termina así:

“My mother said to get things done / Mi mmadre dice que para lograr algo
You’d better not mess with Major Tom / no hay que volverse a meter con el Mayor Tom”

En lo que parece un claro mensaje de que a pesar de su gran éxito con música del pasado, hay que dejarla de lado para poder seguir adelante.

Este personaje el Mayor Tom, ha sido referenciado en canciones de otros muchos artistas e incluso tiene una secuela en la canción de 1983 del artista Alemán, Peter Schilling, “Major Tom (Coming home).

PD 5: Gracias Bowie, gracias

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Behind blue eyes The Who

“’Nadie sabe lo que significa ser excluido Detrás de Ojos Azules, “Behind Blue Eyes”. El resultado de la inconclusa Lifehouse de 1971, Idea Musical: The Who” (Viñeta original para esta canción, escrita por Luis Gerardo Salas y utilizada en la mítica estación XHROK – Rock 101, en el 100.9 de FM de la Ciudad de México, entre 1984 y 1996)

Hola,

Algunas teorías establecen que el Universo, no es otra cosa más que una serie de vibraciones a diferentes frecuencias, siendo su manifestación física, el resultado de nuestra percepción de las vibraciones más lentas (frecuencias más bajas).

En los inicios de la década de los 70s del siglo XX, Pete Townshend co-fundador y principal compositor de la banda Británica “The Who”, quería producir cierto tipo de música que fuera única para cada persona, partiendo de ciertos datos biográficos que serían procesados por una computadora y convertidos a música usando por sintetizadores. La ejecución simultánea de estas piezas personalizadas, produciría un “sonido universal”. Townshend pretendía que, al enlazar la música de cada persona, se lograría re-armonizar a la Humanidad con el resto del Universo, ya que, después de todo, la música es una serie de vibraciones.

La idea de que el Universo es en realidad una serie de vibraciones, es compartida por varias Filosofías y ha sido tema de inspiración para muchos artistas. J.R.R. Tolkien (El Silmarilion) o Pete Townshend, por ejemplo

La idea de que el Universo es en realidad una serie de vibraciones, es compartida por varias Filosofías y ha sido tema de inspiración para muchos artistas. J.R.R. Tolkien (El Silmarilion) o Pete Townshend, por ejemplo

Para llevar este concepto a las audiencias, Pete estuvo trabajando en un proyecto en forma de Opera-Rock, denominado “Lifehouse”. En ella, hay un personaje de nombre “Jumbo” que controla a la humanidad a través de una especie de red cibernética (cuyo concepto es bastante similar al mostrado en las películas “The Matrix”); la canción “Behind blue eyes” es parte de la expresión del constante enojo de Jumbo, que se origina en su posición de poder.

Y el enojo extremo, la ira, es el tema de referencia de esta reseña.

La letra, aquí y allá, nos da muestras de esa ira contenida:

“No one knows what it’s like

Nadie sabe como es

To feel these feelings like I do and I blame you!

Sentir lo que siento ¡Y te culpo por ello!

No one bites back as hard on their anger

Nadie reacciona tanto a su furia como yo

None of my pain and woe can show through

Nada de mi dolor y miseria deben notarse

De manera contrastante al tema central de la canción, la música comienza de manera muy tranquila, con una melodiosa guitarra y un canto amable a cargo del vocalista Roger Daltrey, enfatizados con las voces corales del resto del grupo. Después de 30 segundos entran el bajo y un sonido de teclados que le dan cierto aire ominoso a esa primera parte de la canción.

A partir del minuto 2 con 5 segundos, el ritmo se acelera, la guitarra acústica le cede el paso a una eléctrica con un sonido distorsionado y por aproximadamente un minuto, el tono de vocal de Daltrey se hace más energético.

Vienen a continuación tres versiones; la original, de 1971, en la que destacan la suavidad de los sonidos, la presencia de unos teclados y que ha servido como referencia para esta reseña; luego, viene la versión más conocida, grabada unos años más tarde para ser incluida en el disco “Who’s next”, que se distingue de la original por contener más partes corales y un tratamiento más pesado en la última parte de la canción que refleja mejor el tema de la misma.

Y finalmente, una versión en vivo que permite apreciar la capacidad emocional interpretativa del baterista original: Keith Moon.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: El enojo, el malestar continuo, la furia, la ira, son actitudes que de no ser controladas, o incluso suprimidas, pueden destruir nuestras vidas y las de nuestro más próximo alrededor. De los siete pecados capitales, la ira es quizá el de mayor notoriedad, pues su manifestación suele ser explosiva y devastadora.

La virtud a practicar para combatir la ira es la Paciencia y dentro de la tradición Judeo-Cristiana, los demonios asociados a la ira pueden ser: Satán, Aamon o Pazazu.

Eyes Expression of Fear Anger by Chhitiz Kiran Shrestha

“Anger” / Ira del artista Chhitiz Kiran Shrestha

PD 2: Desafortunadamente, el enorme alcance del proyecto “Lifehouse”, fue demasiado para Townshend y tuvo que desecharlo antes de perder su salud mental, por lo que nunca fue grabado en su totalidad, ni  presentado en teatros como estaba originalmente concebido. Varias de las canciones del fallido proyecto, aparecerían después en otros trabajos de “The Who”.

PD 3: Curiosamente, sería fácil asociar a “The Who” con la ira, pues en muchas de sus presentaciones, solían destruir violentamente sus guitarras, amplificadores y baterías; sin embargo, Pete Towshend, con el paso del tiempo, se ha ido convirtiendo en un tipo reflexivo, sereno, casi contemplativo.

PD 4: Finalmente, “Behind blue eyes” apareció en el quinto álbum del grupo: “Who’s next” que contiene algunas canciones del proyecto “Lifehouse” por lo que, por ejemplo, algún solo de guitarra es compartido entre “”Won’t get fooled again” y “Behind blue eyes” como hilo conductor entre ambas canciones que originalmente pertenecían a una sola historia…

La portada del disco, en la que destaca un monolito de concreto, es un homenaje a la película 2001: Odisea Espacial de Stanley Kubrik.

Who'S Next cover

Esta portada ha sido considerada como una de las mejores en la historia del Rock

monolith 2001 Space Odyssey

PD 5: Parte del disco fue grabado en el Estudio móvil de los “Rolling Stones”, cuya principal característica era precisamente ser un estudio que podía llevarse a cualquier lado, permitiendo a los artistas cierta libertad en los horarios y en la elección de locaciones en donde querían grabar.

Una más de las ideas revolucionarias alrededor de los Rolling Stones y que dejó huella en la música pop del siglo XX

Una más de las ideas revolucionarias alrededor de los Rolling Stones y que dejó huella en la música pop del siglo XX

En este estudio móvil fueron grabados varios discos legendarios como: “Led Zeppelin III”, Led Zeppelin IV”, “Sticky fingres” y fue utilizado por músicos de la talla de Bob Marley, “Deep Purple”, “Iron Maiden”, “Fleetwood Mac”, Santana y otros…

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Mundo Sennheiser

See me, feel me The Who

“Descubrimiento espiritual desembocado en una introspección profunda, que se desnuda bajo un formato de ópera rock, de nombre “Tommy”; obra clave de “The Who” de 1969, que les dió prominencia y permanencia y de la cual se deriva “See me, feel me””

Hola,

Desde 1966, en el auge de su éxito como parte de la ola musical inglesa prevaleciente en la época, Pete Townshend, líder del grupo Británico “The Who”, buscaba trascender artísticamente e ir más allá de los éxitos Pop.

La conjugación de su mente creativa y el encuentro con la propuesta espiritual de un Religioso Indio de nombre Meher Baba, le dieron a Townshend la base de inspiración para dar ese salto de calidad que él ansiaba.

Su idea fue tratar de transmitir las ideas religiosas de Meher Baba, a través de la historia de un personaje ficticio de nombre Tommy. En el camino, buena parte de la obra fue un ejercicio catártico en el que Towsnend reconoció y liberó a sus propios demonios, tocando temas tan fuertes como el abuso sexual infantil y el bullying.

El personaje central, Tommy, es ciego, sordo y mudo, en lo que parece ser una metáfora, derivada de las ideas de Meher Baba, de que los hombres vivimos en una muy limitada ilusión (Canción “Amazing journey”) que nos impide experimentar (ver, escuchar y participar) una realidad superior y no es hasta que rompemos la imagen que tenemos de nosotros mismos (Canciones “Smash the mirror” y “Sensation”) , que podemos acceder a esa realidad superior.

Lo ideal sería reseñar aquí todo el álbum, pues se trata de una obra conceptual en la que todas las canciones narran secuencialmente la historia de Tommy; pero para ello, mejor recomiendo el fantástico documental “Sensation: The Story of the Who’s Tommy” (Sensación: La historia de Tommy por “The Who”). A cambio, comentaré dos canciones de la obra.

Fantástico documental en el que los principales creadores de

Fantástico documental en el que los principales creadores de “Tommy” narran su proceso de génesis

La primera, See me, feel me parece describir un encuentro de iniciación con un Maestro, de acuerdo a las creencias de ciertas corrientes filo-religiosas de oriente; la letra menciona:

“Listening to you, I get the music               /          Escuchándote, entiendo la música

Gazing at you, I get the heat                         /          Mirándote, siento el calor

Following you, I climb the mountain        /          Siguiéndote, subo montañas

I get excitement at your feet                         /          Siento un éxtasis a tus pies

Right behind you, I see the millions          /          Justo detrás de tí, hay millones

On you, I see the glory                                    /          En tí, veo la Gloria

From you, I get opinion                                  /          De tí, obtengo una opinión

From you, I get the story                               /          De tí, entiendo de lo que se trata”

Claramente puede notarse, que esta parte de la canción es prácticamente una Oración, que a la vez alaba y agradece.

La música tiene dos partes totalmente identificables; la primera, en la que es sumamente prominente la (magnifica) voz de Roger Daltrey y el toque dramático lo da Keith Moon con el uso de platillos y redobles de tambor, con la guitarra y el bajo como mero  acompañamiento. Esta primera parte, lenta y tranquila, transmite la idea de una petición, pero sin desesperación, ni frustración y justo cuando se da la comunión deseada, la música se vuelve más intensa y Townshend acompaña en las voces a Daltrey y los cuatro, van de forma espiral ascendente, hacia un éxtasis musical que se repite varias veces hasta el final…es conocido que durante la interpretación de esta canción, en el mítico festival de Woodstock en 1969, comenzó a salir el sol del amanecer, dándole a la canción una dimensión extra que quizá ninguna otra presentación haya tenido.

La otra canción a mencionar aquí es “Tommy can you hear me?” (Tommy ¿Puedes oírme). La letra, desde mi punto de vista, puede tener dos lecturas distintas pero relacionadas; la primera tiene que ver con la historia de la obra, en la que Tommy por fin sale de su aislamiento sensorial y sus padres, al darse cuenta de ello, tratan de comunicarse con él. La segunda interpretación tiene que ver con la época en la que se escribió esta canción, tiempos en los que, dadas las circunstancias peculiares de ese momento, había una marcadísima y no pocas veces violenta, brecha generacional, por la que los adultos no podían comunicarse con los jóvenes, que estaban viviendo en un mundo totalmente nuevo y ajeno para las generaciones previas:

“(Father):                                              /                 (El Papá dice):

Tommy can you hear me?             /                 Tommy ¿Puedes oírrme?

Can you feel me near you?            /                 ¿Puedes sentir mi cercanía?

(Mother):                                              /                 (La Mamá dice):

Tommy can you see me?                /                 Tommy ¿Puede verme?

Can I help to cheer you.                  /                 ¿Puedo ayudar a alegrarte?

La música, paradójicamente, es alegre y transmite un sentimiento de esperanza . . . la comunicación es posible . . . en el video se aprecia la completa satisfacción que ejecutar esta obra le producía a los miembros del grupo y es esta vibra la que le llegó en su momento a millones de jóvenes.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: El álbum “Tommy” fue etiquetado, desde antes de su publicación, como la primera Ópera Rock. Si nos atenemos a la definición de ópera, parece que “Tommy” cumple con prácticamente todos los elementos:

Ópera (del italiano opera, ‘obra musical’) designa, desde aproximadamente el año 1650, un género de música teatral en el que una acción escénica es armonizada, cantada y tiene acompañamiento instrumental. Las representaciones son ofrecidas típicamente en teatros de ópera, acompañados por una orquesta o una agrupación musical menor. Forma parte de la tradición de la música clásica europea u occidental”

Lo realmente destacable es que las 24 canciones del disco “Tommy”, pueden escucharse como una sola obra, o, pueden disfrutarse de manera individual.

La portada del LP es una obra de Mike McInnerney seguidor de Meher Baba, que busca también transmitir visualmente las ideas de su Maestro, plasmadas en el disco

La portada del LP es una obra de Mike McInnerney seguidor de Meher Baba, que busca también transmitir, visualmente, las ideas de su Maestro plasmadas en el disco

PD 2: Adicionalmente a crear 24 canciones que narraran una historia, Pete Townshend cuidó que cualquiera de ellas pudiera ejecutarse en vivo, siguiendo deliberada y arriesgadamente, un camino opuesto a lo que “The Beatles” y “The Beach Boys” estaban haciendo en aquella época. Esto le permitió a “The Who” presentar la obra en muchos y diversos escenarios y trascender a súper estrellas internacionales de Rock, a partir de sus presentaciones en el Teatro Metropolitano de Opera de Nueva York y sobretodo, en el Festival Woodstock.

PD 3: “The Who” contó con un puñado de talentos excepcionales que le hacen ser una de las bandas de música rock más importantes de la historia. Townshend es un escritor fuera de serie y un guitarrista espectacular; Keith Moon tenía un estilo interpretativo único que no solo destacaba por su teatralidad, sino que también por su capacidad de transmitir emociones. Daltrey logró transformarse y superarse hasta ser el vocalista ícono de los 70s y John Entwistle fue un bajista que supo no desentonar con toda esa energía y talento que le rodeaban.

En la alineación original de

En la alineación original de “The Who” había mucho talento.                   Imagen por J Saurer

PD 4: “Tommy” tuvo tal impacto que fue hecho película y años más tarde obra de teatro musical. Las tres versiones fueron sumamente exitosas, tanto comercial como artistícamente.

Recuerdo que en México, en aquel entonces todavía impregnado de forma importante por los conflictos derivados de la brecha generacional y aún bastante aislado culturalmente del resto del mundo, el estreno de la películad “Tommy” fue un evento que causó furor entre los adolescentes y jóvenes de la época, así como algún resquemor por parte de la generación mayor.

En la película, algunos de los personajes fueron encarnados por Elton John, Tina Turner, Eric Clapton y Jack Nicholson. El papel de Tommy lo tuvo Roger Daltrey.

Poster promocional de la película

Poster promocional de la película

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Riders on the storm, The Doors

“Onírica, aderezada con algo de psicosis y una pizca de Jazz, “Riders on the storm” es un oasis musical y último legado de la formación clásica de la mítica banda, “The Doors”; plasmado en su disco “L.A. Woman” de 1971 ”

Hola,

A mediados de los años 60s del siglo XX, un par de estudiantes de la carrera de Teatro, Cine y Televisión de la Universidad de California en Los Angeles (UCLA), decidieron musicalizar las notas, poemas y escritos de uno de ellos: Jim Morrison. Meses después, quedó configurada la alineación  de uno de los grupos de música pop-rock más exitosas de la historia: Morrison como vocalista, Manzarek como tecladista, Krieger en la guitarra y Densmore en la batería, eran “The Doors”.

La personalidad conflictiva de Morrison, así como su alcoholismo y adicción a las drogas, marcaron la corta vida artística de “The Doors” (1965-1971), llenándola de controversias y escándalos, mismos que contribuyeron a su meteórica ascendencia y fama, pero también a su abrupto final.

Su disco “L.A. Woman”, sexto del grupo, tiene cierta tendencia hacia el sonido Blues, que fue influencia para un joven Morrison, sin embargo, en el caso de “Riders on the storm” el sonido es mucho más cercano al jazz que cualquier otro estilo o género.

La letra tiene tres temas muy identificables y en alguna forma relacionados entre sí: un cierto pesimismo determinista (capeando la tormenta en este Mundo al que fuimos lanzados); y dos elementos autobiográficos: la mezcla entre la emoción y el pánico de los que piden aventón (autoestop, hacer dedo, pedir raite, pedir pon), que van al encuentro de un amor o de una aventura, pero poniendo en riesgo su seguridad y en tercer término, el rol de su mujer en la relación de pareja.

Pesimismo determinista:

“Riders on the storm                        /             Auriga en la tormenta

Into this house we’re born             /             En esta casa nacimos

Into this world we’re thrown         /             A este mundo nos lanzaron

Like a dog without a bone              /             Como a un perro sin hueso”

 

Psicósis:

“There’s a killer on the road                      /             Hay un asesino en el camino

His brain is squirming like a toad            /             Su cerebro detestable y retorcido

Take a long holiday                                      /             Toma unas largas vacaiones

Let your children play                                  /             Deja jugar a tus hijos

If you give this man a ride                          /             Pero si le das aventón a este hombre

Sweet family will die                                     /             Tu dulce familia morirá

Killer on the road, yeah                              /             Asesino en el camino, sí”

 

Necesidad de Amor:

“Girl you gotta love your man          /          Nena, tienes que amar a tu hombre

Girl you gotta love your man            /          Nena, tienes que amar a tu hombre

Take him by the hand                         /          Tomarlo de la mano

Make him understand                        /          Hacerlo entender

The world on you depends                /          Que su Mundo depende de tí

Our life will never end                         /          Y nuestra vida (juntos) será eterna

Gotta love your man                            /          Tienes que amar a tu hombre”

 

Estos mensajes, en combinación con la música, reflejan fielmente la intensidad típica de Morrison; te inquieta, te mueve, te incomoda, pero a la vez, te fascina, te envuelve.

Musicalmente, esta pieza es sumamente interesante. Así como la mayoría de las películas tienen música de fondo, esta canción tiene un sonido de fondo, el de una tormenta; lo cual, la hace única, le da un carácter ominoso y virtualmente, le agrega otra dimensión sensorial.

Otra particularidad es que en la música Pop-Rock contemporánea, el puente instrumental (o solo instrumental), usualmente lo desempeña la guitarra y en ocasiones, algún instrumento de viento; en este caso hay dos, primer uno de guitarra y el principal a cargo de los teclados, deliciosamente interpretados por Ray Manzarek.

Piano eléctrico, Rhodes Fender, como el utilizado por Ray Manzarek en esta canción

Piano eléctrico Fender Rhodes, como el utilizado por Ray Manzarek en esta canción

 

Lo que se escucha en los primeros quince segundos solo son la lluvia y un trueno, entra enseguida el bajo con la base rítmica, que aparecerá prácticamente en todo el resto de la canción, formada por 8 notas sucesivas que se repiten hipnóticamente. Durante medio minuto van incorporándose suavemente el teclado y la batería, para finalmente recibir a la imponente voz de Morrison y a las incursiones de la guitarra, que comienzan a desarrollar la historia y sus ramificaciones sonoras.

A pesar  de la letra y de la constante presencia de la lluvia y los truenos, la sensación que deja escuchar esta canción es que, perseverando, siempre es posible atravesar la tormenta.

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: El cuarteto “The Doors” no contaba con un bajista; por lo que para esta grabación se contrató a Jerry Scheff, quien en su momento trabajó con Elvis Presley. En las presentaciones en vivo, el tecladista Ray Manzarek producía la base rítmica correspondiente al bajo, usando los teclados.

PD 2: En alguna de las autobiografías de los integrantes de “The Doors”, se menciona que esta canción solo se interpretó dos veces en vivo frente a una audiencia y que no se conservan ni grabaciones, ni filmaciones de dichas presentaciones, debido en parte a que Morrison murió tres meses después del lanzamiento del álbum.

PD 3: Jim Morrison es miembro distinguido del “Club de los 27”, que son una serie de notables músicos (trágicamente) fallecidos a la edad de 27 años; entre ellos: Brian Jones, fundador de los Rolling Stones; Janis Joplin, Jimi Hendrix, Kurt Cobain y Amy Winehouse.

Los miembros más distinguidos del "Club de los 27"

Los miembros más distinguidos del “Club de los 27”

 

PD 4: “The Doors” es una de las bandas que más discos ha vendido en la historia, alrededor de 105 millones, pero, como muchas otras grandes agrupaciones, su éxito empezó a fincarse en las presentaciones en vivo en pequeños Clubes, en esto caso,  en el área de Los Angeles, California. (Ver reseña: Clubes & Rock’n’Roll). Paradójicamente, a Jim Morrison parecía no gustarle aparecer frente a una audiencia, como quedó demostrado en más de una ocasión, cuando sus shows se detuvieron, se retrasaron o de plano, se cancelaron, porque Morrison se peleaba, se desvanecía, era arrestado, o simplemente, se negaba a cantar.

PD 5: La portada del disco “L.A. Woman”, a diferencia de muchas otras de la época, es simplemente una foto enmarcada de los miembros del cuarteto. Aunque las primeras ediciones, tenían recortada la parte interior del marco, en el cual estaba pegada la foto, impresa en una película de plástico transparente.

Funda original del L.P. "L.A. Woman", poco creativa, en contraste con la música que contenía y otros trabajos de la época

Funda original del L.P. “L.A. Woman”, poco creativa, en contraste con la música que contenía y otros trabajos de la época

 

PD 6: El paso de Morrison y Manzarek por una escuela de Artes en UCLA, se nota en la elección del nombre del grupo, que hace referencia al título del libro de Aldous Huxley “The Doors of Perception” (Las puertas de la percepción), que  a su vez, hace referencia a una frase del poeta William Blake: “If the doors of perception were cleansed every thing would appear to man as it is, infinite” (Si las puertas de la percepción se liberaran, todo se le aparecería al hombre tal como es: infinito).

PD 7: Como si fuera un acto premonitorio ante la proximidad de su muerte, la última colaboración en estudio que hizo Jim Morrison con “The Doors”, fue grabar su voz  cantando en susurro, para luego sobreponerla a la voz original (Técnica de grabación conocida como Overdub), lo cual, le da al sonido final de la voz, un efecto de eco muy particular, casi estremecedor.

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Revolution The Beatles

Hola,

Cuando se trata de Política (bajo cualquiera de sus disfraces), nada es lo que parece y sobretodo, nunca es espontánea e inocente, especialmente si aparenta serlo.

En una época en la que la efervescencia política y el conflicto ideológico estaban en su apogeo, durante los años 60’s, nadie expuso de mejor manera esta realidad que “The Beatles”.

“You say you want a revolution                            /    Dices que quieres una revolución

Well you know                                                           /    Bueno ¿Sabes?

We’d all want to change the world                      /    Todos queremos cambiar al Mundo

You tell me that it’s evolution                               /    Tú dices que es evolución

Well you know                                                           /    Bueno ¿Sabes?

We’d all want to change the world                      /    Todos queremos cambiar al Mundo

But when you talk about destruction                 /    Pero cuando hablas acerca de destrucción

Don’t you know that you can count me out     /    ¿Sabes? No cuentes conmigo

Don’t you know it’s gonna be alright                 /    ¿No sabes que todo estará bien?

 

You say you got a real solution                             /    Dices que tienes la solución real

Well you know                                                           /    ¿Sabes?

We’d all want to see the plan                                /    Nos gustaría ver el plan

You ask me for a contribution                              /    Me pides que participe

Well you know                                                           /    ¿Sabes?

We’re all doing what we can                                  /    Todos estamos haciendo lo que podemos

But if you want money for people with minds that hate

/ Pero si quieres dinero para la gente con mentes que odian

 

All I can tell you is brother you’ll have to wait      /       Lo único que puedo decirte, hermano, es que tendrás que esperar

Don’t you know it’s gonna be alright                 /    ¿No sabes que todo estará bien?

 

You say you’ll change the Constitution             /    Dices que cambiarás la Constitución

Well you know                                                           /    Pero ¿Sabes?

We’d all love to change your head                      /    Nos encantaría convencerte

You tell me it’s the institution                              /    Me dices que son las Instituciones

Well you know                                                           /    Bueno ¿Sabes?

You better free your mind instead                      /    Mejor libera tu Mente

But if you go carrying pictures of Chairman Mao

/    Pero si vas por ahí con fotos de Mao

You ain’t going to make it with anyone anyhow

/    De todas maneras no convencerás a muchos

Don’t you know know it’s gonna be alright     /    ¿No sabes que todo estará bien?

Alright                                                                           /    ¡Irá bien!

 

Así rezaRevolution” en su versión sencillo, lanzada en Agosto de 1968.

Musicalmente hablando, esta es una de sus canciones más rockeras; comienza con un riff de guitarra muy similar a los de Chuck Berry (Rocanrolero de los 50s, ídolo de “The Beatles” a quien ya he reseñado) ejecutado por John Lennon, seguido de un alarido.

Guitarra marca Epiphone, semi acústica, modelo Casino, similar a la utilizada por Lennon en esta canción

Guitarra marca Epiphone, semi acústica, modelo Casino, similar a la utilizada por Lennon en esta canción

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Un ritmo de Blues acelerado se mantiene a lo largo de toda la canción excepto por  un solo de piano eléctrico (en vez del clásico de guitarra)

Para una pieza de este tipo, lo más adecuado es la voz burda de Lennon, a la que en alguna versión, se le añaden pequeños coros de Paul y George.

En suma, es una canción efectiva, simple, directa y sobretodo, atemporal, sobre todo en lo que al mensaje se refiere.

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Esta canción fue escrita por Lennon, quien, a pesar de su naturaleza rebelde, entendió muy bien que las ideologías no logran la Paz, ya que ésta solo puede proceder de nuestras mentes.

PD 2: Existen varias versiones de esta canción: “Revolution 1” de ritmo Blues, publicada en el álbum (Beatles o “Album Blanco”) y otra para el sencillo (Lado B a “Hey Jude”), que es la que aquí reseño. Y “Revolution 9” que es más bien un remake experimental confeccionado con sobras de otras grabaciones. Hay también algunos covers como el ochentero de  “Thompson Twins” en el que participa el excelente guitarrista Steve Stevens, o el del 2001 por parte de “Stone Temple Pilots”, estrenada en un evento para recabar fondos para las víctimas de los ataques de Septiembre 11 a N.Y.

PD 3: En la grabación de “Revolution” Nicky Hopkins participó tocando el piano eléctrico, Hopkins trabajó como músico de estudio para  “The Rolling Stones”, “Led Zeppelin”, “The Kinks”, “The Who” y muchos, muchos más.

PD 4: La mención a la foto de Mao que está en la letra, puede entenderse también como una alusión a todo el lenguaje, parafernalia e imágenes, relacionadas con la violencia, utilizadas por activistas ideológicos: “Lucha”, “Brigadas”, el puño cerrado, el color rojo (sangre), “comités de defensa”, “comandante”, “infiltrados”, “Frente (de guerra)”, “vanguardia/retaguardia (términos militares)”, “Complot”, “militante” y por supuesto, “Revolución”

La canción hace una referencia a los símbolos de adoctrinamiento (y violentos) de algunas ideologías

La canción hace una referencia a los símbolos de adoctrinamiento (y violentos) de algunas ideologías

 

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Kashmir Led Zeppelin

Hola,

En entregas anteriores he comentado como artistas que han migrado de un país a otro, reflejan en su música la mezcla cultural a la que se han enfrentado (“Daniel” y “The Flood”). Existe otra forma de imbuir una influencia cultural ajena en la propia: los viajes.

Tal es el caso de la canción de la que comentaré en esta ocasión. Se trata de “Kashmir” del grupo Británico “Led Zeppelin”, incluida en su disco “Physical Graffitti” publicado en  1975.

Uno de sus autores, Robert Plant (Vocalista), ha comentado que la canción nace de la inspiración surgida de un viaje por carretera, a través de la costa atlántica de Marruecos, a principio de los años 70s del siglo pasado. Un viaje así, con el mar de un lado y montañas desérticas del otro, fue una experiencia contrastante e influyente para aquellos jóvenes Británicos y que quedó plasmada en esta canción.

En una de las versiones acerca del la inspiración de esta canción, se habla de un viaje entre Agadir y Sidi Ifni

En una de las versiones acerca del la inspiración de esta canción, se habla de un viaje entre Agadir y Sidi Ifni

La letra, es el relato de un viaje difícil, en el que se mezclan la descripción de sensaciones muy realistas, con imágenes oníricas y en el que hace referencia a una revelación mística, por parte de los Sabios de una raza perdida en el tiempo y el espacio, que mora en algún lugar del Desierto.

“Oh, let the sun beat down upon my face, stars fill my dreams

Oh, deja que el sol me pegue en la cara, mis sueños se llenan con estrellas

I am a traveler of both time and space, to be where I have been

Soy un viajero del tiempo y del espacio, para llegar a donde ya he estado

To sit with elders of the gentle race, this world has seldom seen

Para sentarme con los ancianos de la raza gentil, que este mundo rara vez ha visto

They talk of days for which they sit and wait, all will be revealed”

Ellos, hablan de los días en los que esperarán sentados y todo será revelado

 

En cuanto a la música, “Kashmir” tiene una marca que la hace memorable, que le da personalidad y que ha sido influencia para obras posteriores: la cadencia y repetición hipnótica de la melodía base; ocho notas que describen sonoramente el viaje al que Plant hace referencia en la letra.

Y, al tratarse de “Led Zeppelin”, es imposible sustraerse a la fascinación por la interpretación vocal de Robert Plant, totalmente llena de emociones, plasmadas en un rango que va desde una narración casi susurrada, hasta la desesperación expresada con gritos desgarradores.

Para esta reseña voy a presentarles tres versiones; una aparecida en 1994, durante una producción realizada solamente entre Robert Plant (Vocalista) y Jimmy Page (Guitarrista); complementada con una sección de cuerdas, una de vientos y una de percusiones de intérpretes egipcios. En esta versión, se distingue muy bien la influencia de aquel viaje por Marruecos, inspiración original de la canción.

Una segunda, muy impresionante, ejecutada durante una presentación en la arena O2 de Londres en el 2007, correspondiente a una muy esperada e igualmente breve reunión del grupo “Led Zeppelin”. De esta versión se destaca que, como a pesar de la edad, los integrantes sobrevivientes de “Led Zeppelin” no han perdido su virtuosismo interpretativo y sobre todo, su capacidad para transmitir la potencia de esta canción. No he visto grupo alguno en los últimos, 20 o 25 años, que pueda lograr este nivel de calidad y capacidad de impacto.

Y finalmente, la versión original de estudio

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Esta es una de las pocas grabaciones de “Led Zeppelin” en la que intervinieron otros músicos además de sus cuatro integrantes, Plant (Vocalista), Page (Guitarrista), Jones (Bajista) y el finado Bonham (Batería); ya que pueden escucharse instrumentos de viento,  de cuerdas (Violines, violas y cellos) y un mellotrón (Uno de los primeros teclados sintetizadores).

Este arreglo semi orquestal, le da a la canción un cariz épico, acorde con la historia que quiere contar. En la versión del 2007, John Paul Jones utiliza, magistralmente, un par de teclados para sustituír a las cuerdas, los instrumentos de viento y a el bajo.

Guitarra Gibson, modelo Les Paul, similar a la utilizada por Page en el último concierto de Led Zeppelin en Londres,  el 2007

Guitarra Gibson, modelo Les Paul, similar a la utilizada por Page en el último concierto de Led Zeppelin en Londres, en el 2007

PD 2: John Bonham murió accidentalmente en el año 1980, a consecuencia de sus excesos con el alcohol y dejando una fuerte impresión en el resto de sus compañeros, al grado de que la banda estuvo desintegrada por muchos años. De cuando en cuando, surgieron rumores de que, por fin, “Led Zeppelin” volvería a reunirse y a tocar en vivo; cosa que no sucedió, sino hasta el 2007, con una única presentación en la que el lugar de Bonham fue ocupado por su hijo Jason.

PD 3: Hay otra versión acerca del viaje que inspiró esta canción, pero tampoco es en Kashmir (Que se encuentra al norponiente de la India, en la frontera con Pakistán).

Otra versión dice que la canción se inspiró en el trayecto entre Guelmin y Tantan, también en Marruecos (Y muy lejos de Kashmir)

Otra versión dice que la canción se inspiró en el trayecto entre Guelmin y Tantan, también en Marruecos (Y muy lejos de Kashmir)

PD 4: La envoltura del disco “Physical Graffitti“, en el que viene esta canción, es una de esas muestras de creatividad y diseño, que, con la llegada de las descargas musicales, se han perdido para siempre.

Consiste en la fotografía de la fachada de dos edifcios situados en Nueva York, cuyas ventanas están perforadas para permitir ver, dependiendo de como se coloque la envoltura interior, el nombre del disco, o, imágenes de objetos y personas.

Physical Graffitti Cover Images

Physical Graffitti Cover Title

PD 5: Uno de los edificios utilizados en la portada del “Physical Graffitti” fue utilizado al principio del video  de la canción de los Rolling Stones, “Waiting on a friend”, reseñada con anterioridad en este espacio.

PD 6: Un par de canciones que tienen similitud, sino es que influencia de “Kashmir” son “The Trees” del grupo Británico “Pulp” del 2001 e “Innuendo” de la también Británica agrupación “Queen”, de 1991.

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Because the night, Patti Smith

Hola,

Se le conoce como la Madrina del Punk; en cuestiones de arte es una ferviente creyente del “hágalo usted mismo” y hace un par de años ganó un prestigioso premio literario en Estados Unidos. Y sin embargo, fuera de un pequeño grupo de seguidores de culto, Patti Smith es prácticamente desconocida, al menos, aquí en México.

Patti Smith según el artista Stephen Kroninger

Patti Smith según el artista Stephen Kroninger

A mediados de los 70s, cuando ella vivía en Nueva York, decidió fusionar la poesía con la candidez y la humildad del Punk Rock y fue, junto con “Television”, “The Ramones” y “Blondie”, parte de la generación punta de lanza surgida del club “CBGB”, que cambió radicalmente el futuro de la música pop contemporánea.

La canción de la que voy a hablarles hoy es “Because the night”, incluida en su disco “Easter” de 1978, que es más bien una balada rock, pero interpretada con la furia característica del Punk y en especial de Patti Smith.

Portada del disco "Easter", del cual se desprende la canción "Because the night"

Portada del disco “Easter”, del cual se desprende la canción “Because the night”

Inicialmente, la letra fue escrita por Bruce Springsteen (De quien ya hemos reseñado aquí la canción “Born to Run”) y fue completada por Smith, con base en una experiencia personal acerca del significado de la noche para los amantes en espera. La intervención de Smith hace que la canción tenga un sello distintivamente femenino.

En la versión de estudio, los primeros 25 segundos se componen de una suave melodía en el piano y la voz de Smith con un efecto de eco, en los que de apoco, Smith va aumentando el volumen de su voz, mientras pasa de una petición, casi una súplica, a una invitación enfática, previo a la llegada del primer coro.

Smith con la voz y la instrumentación presidida por el piano en un ritmo ascendente y una muy energética presencia de la batería, dan paso al mensaje de la canción:

“they can’t hurt you now,                    /       Ahora ellos ya no pueden herirte

can’t hurt you now, can’t hurt you now   /        no pueden herirte, no pueden herirte

because the night belongs to lovers /       porque la noche le pertenece a los amantes

because the night belongs to lust     /       porque la noche le pertenece a la lujuria

because the night belongs to lovers /       porque la noche le pertence a los amantes

because the night belongs to us        /       porque la noche nos pertence”

De ahí en adelante, se entrelazan versos en los que Smith describe los sentimientos del amor a distancia, con el constante replanteamiento de que la noche protege al Amor.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Con Patti Smith sucede un poco como con Bob Dylan, su calidad interpretativa no es muy buena, pero, su calidad poética sí lo es.

“love is an angel disguised as lust         /             El Amor es un Angel disfrazado de lujuria

here in our bed until the morning comes  /     aquí en nuestra cama hasta que llegue la mañana”

Smith suple extraordinariamente la falta de técnica vocal, con una emoción patente al interpretar

PD 2: Esta canción fue el mayor éxito de Smith, pero, dada su inclinación hacia la inconformidad, la rebeldía y la crítica, la fama que le llegó con ella hizo que en algún momento renegara de la canción, calificándola como “basura comercial”.

El hecho de que la coescribió con Springsteen, hace que sea muy diferente al resto de su obra de esa época y haberla grabado, nos deja ver que fue lo suficientemente valiente e intrépida, como para salir de su zona de confort e intentar algo diferente.

PD 3: El productor del disco y de la canción fue Jimmy Iovine, quien ha tenido éxitos con bandas como U2 – “Rattle and hum”, Bruce Springsteen – “Born to run” (reseñada en este espacio), Dire Straits, John Lennon, Meat Loaf, Pretenders, Stevie Nicks, Tom Petty, Kansas, Gwen Stefani y otros…

PD 4: En el 2012, Patti Smith estuvo en México y se presentó en la casa estudio de Diego Rivera, Anahuacalli:   http://www.rock101.com.mx/noticias/mayo2012/pattismithconcierto.html .

Y volvió, un año después, en Mayo del 2013 cuando fue homenajeada en la Biblioteca Benjamín Franklin de la Embajada de E.U.A. : http://www.gq.com.mx/actualidad/musica/articulos/patti-smith-en-mexico-y-homenaje-en-embajada/1960

En esa ocasión también se presentó en el Plaza Condesa.

PD 5: La intensidad interpretativa de Smith solo puede llegar a apreciarse en sus presentaciones en vivo:

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Under pressure, Queen + David Bowie

Hola,

Por miedo a los depredadores, por indefensión contra los eventos de la naturaleza, por las consecuencias de la competencia con otros seres humanos, o simplemente, por la incertidumbre de lo que vendrá después, el ser humano siempre ha estado sometido a estrés, ha sentido miedo; se encuentra constantemente bajo presión.

El Grito, Edvard Munch 1893

El Grito, Edvard Munch 1893

Coescrita por los integrantes del grupo Británico “Queen” y por David Bowie, Under Pressurees una canción de 1981, cuya letra es el testimonio de lo que sucede con las personas a nuestro alrededor, como consecuencia de la presión inherente al vivir.

En la actualidad, esta presión surge las más de las veces de la cotidianeidad (sonido repetitivo y ominoso del bajo) y todos hemos atestiguado como a algunas personas las altera (chasquido de los dedos) y a otras, de plano las tira, las rompe (aplausos).

Así es como comienza esta pieza, con una repetición de notas del bajo, que constituyen la tarjeta de presentación de la canción y la hacen inconfundible, acompañadas por una serie de tronidos de dedos y palmas (aplausos) alternados.

Después de esta introducción, casi de inmediato, aparece el sonido del piano que aporta un sonido melancólico y solo un poco después, de pronto, surge un melodioso sonido de la guitarra que representa la salida, la esperanza, un modo de actuar propuesto sutilmente, que permite enfrentar dicha presión.

En alguna reseña en internet se menciona que esta canción es como una versión light de Rapsodia Bohemia, pues guardan algunas similitudes en su estructura; a mí me remite más hacia algunos trabajos de “The Beatles” en los que, literalmente, pegaban una canción de John Lennon con una de Paul McCartney y salía una obra maestra. Tú, ¿Qué opinas?

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Esta canción apareció como sencillo y como parte del disco “Greatest Hits” de Queen y posteriormente fue incluida en su álbum “Hot Space”. Adicionalmente, también aparece en el álbum “Best of Bowie” del 2002

Under Pressure Single Cover

Funda del sencillo, aparecido los días 26 (GB) y 27 (EUA) de Octubre de 1981

PD 2: Para David Bowie, esta es una de sus cinco canciones que llegaron al #1 de las listas en su natal Gran Bretaña y para “Queen” una de sus tres #1

PD 3: En los 80s fue práctica común el efectuar duetos súper estelares:

Stevie Nicks + Tom Petty         Madonna + Prince

Ozzy Osborne + Lita Ford          Kate Bush + Peter Gabriel

Tina Turner + Bryan Adams          Mick Jagger + David Bowie

Phil Collins + Philip Bailey          Ann Willson + Mike Reno

PD 4: Existe la leyenda de que el video oficial de esta canción no presenta ni a Bowie, ni a los integrantes de “Queen”, porque estaban peleados. Lo que sucedió es que ambos estaban de gira y no hubo oportunidad de grabar un video; pero, si existió una fuerte discusión entre Mercury y Bowie acerca de cómo mezclar la canción.

PD 4: Una de las frases de esta canción hace referencia a que el estrés lleva a la gente a las calles.

“Under pressure    /   Bajo presión

That burns a building down   /   Que incendia un edificio hasta tirarlo

Splits a family in two   /   Que divide a una familia

Put people on streets   /   Que pone a la gente en la calle”

Esto puede tener varias interpretaciones:

a)     Estar en la calle = estar quebrado, no tener nada

b)     Estar en la calle = estar muy mal

c)     Salir a la calle = Protestar

d)     Salir a la calle = pasear y divagar para mitigar la presión

Hace poco, reseñé otra canción (“Overkill”) que habla justo de como la ansiedad puede combatirse saliendo a la calle.

PD 5: Bonus: Versión previa con una letra totalmente diferente

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Ruby Tuesday, The Rolling Stones

Hola,

Martes es el día de Marte, dios latino de la guerra. En la vida real el martes es el día más insípido: nadie lo odia, nadie lo ama.

Y es quizá por eso, que no es tan fácil que vengan a nuestra memoria canciones que tengan incluido ese día en su letra.

Pero para esta reseña, podemos recurrir entonces a la canción “Ruby Tuesday”, publicada como sencillo en enero de 1967, obra del quinteto británico “The Rolling Stones”.

La letra de canción no habla del día martes, sino de la descripción de las actitudes de una chica, cuyo sobre nombre era “Ruby Tuesday”, quien ama a su libertad por encima de cualquier otra cosa.

Linda Keith

Linda Keith, ex novia de Keith Richards fue probablemente la fuente de inspiración de la canción “Ruby Tuesday”

Musicalmente hablando, se trata de una balada pop que navega entre una recitación del vocalista Mick Jagger acompañada de una instrumentación minimalista y una explosión sonora en las partes del coro, en las que destaca el redoble de la batería.

Tanto la letra como la interpretación y la musicalización, tienen un tono indudablemente melancólico, ya que después de todo, se trata de una canción acerca de una separación.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Letra y música fueron obra de Keith Richards y Brian Jones, pero, como la mayor parte de las canciones del grupo, está acreditada al dúo Mick Jagger-Keith Richards.

Brian Jones fue guitarrista (multi instrumentalista) del grupo, hasta su muerte en el verano de 1969.

PD 2: Esta canción tiene uno de los versos más hermosos de la historia de la música pop:

“There’s no time to lose”, I heard her say

Catch your dreams before they slip away

Dying all the time

Lose your dreams and you will lose your mind

Ain’t life unkind?

“No hay tiempo que perder”, dijo ella

Alcanza tus sueños antes de que se desvanezcan

Muriendo todo el tiempo

Pierde tus sueños y perderás la razón

¿No es la vida severa?

PD 3: La versión que puede verse en el video es de 1967 y es prácticamente una presentación que hoy en día sería “unplugged” (Acústica), pues no hay instrumentos eléctricos en ella; lo cual, es sumamente raro para la música de “The Rolling Stones” de aquella época.

PD 4: El sencillo (Disco de vinil de 45 pulgadas) que contenía esta canción, tenía como lado A (o canción principal) “Let’s spend the night together” (Pasemos la noche juntos); para 1967 este tema no era apropiado para difundirse por la radio, así que en muchas estaciones optaron por programar el lado B, “Ruby Tuesday” que a la postre, alcanzó el #1 de las listas en Estados Unidos y #3 en Gran Bretaña.

PD 5: Existen innumerables covers de otros grupos a esta canción. El más notable es el que le hizo la banda Irlandesa U2, en su presentación durante el mega concierto “Live Aid”, en 1985, mismo que he reseñado en este blog con anterioridad.

PD 6: A falta de guitarras, resalta en la canción la presencia de una flauta de madera, tocada por Brian Jones, que en inglés es conocida como “recorder” y que en su versión de plástico, es un instrumento obligatorio en la educación primaria en México.

PD 7: Muchos críticos e historiadores de la música popular contemporánea, consideran que Brian Jones era un gran instrumentalista y un genio musical, pero, por razones de personalidad, con el tiempo fue opacado por el dúo Jagger-Richards quienes al cabo de un tiempo, tomaron el liderazgo de la banda y la llevaron a ser el grupo de Rock más trascendente de la historia, con más de 50 años de trayectoria a la fecha.

brianjones

Brian Jones, fundador de “The Rolling Stones” y brillante músico

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

I saw her standing there, The Beatles

Hola,

En dos reseñas recientes (Dance the night away y Avalon) mencioné lo impactante que puede ser para un hombre ver a una mujer bailando, sensación únicamente superada por la de unirse a ella para bailar juntos.

Party 60s

Una escena como esta inspiró a McCartney para esta canción y para otras años más tarde.

Hoy, retomo el mismo tema acudiendo nada más y nada menos que a uno de los grupos más influyentes de la música Pop moderna: “The Beatles”

Se trata de “I saw her standing there” lanzada en Inglaterra en marzo de 1963. Esta es la primera canción, del primer álbum, “Please please me”, de lo que después ha sido más que historia, leyenda.

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Sencillo lanzado en 1964 en EUA, en el que “I saw her standing there” era el lado B, pero aun así fue muy exitoso

Este es uno de los primeros ejemplos de Rock británico, ya que hasta entonces, prácticamente todas las canciones anteriores eran covers a canciones americanas.

La canción se sitúa en una fiesta o en algún salón de baile, se menciona la edad de la chica, lo bien que luce y lo fantástico que sería bailar con ella (al igual que Dance the night away y/o en Avalon); pero en esta, la chica sí voltea hacia el protagonista y baila con él.

En cuanto la música, se trata de un Rock’n’Roll clásico, tanto en su ritmo como en su interpretación con todo y aplausos rítmicos y grito antes del solo de guitarra. Realmente pegajosa.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Paul McCartney ha  mencionado en más de una ocasión que la base rítmica del bajo es una copia exacta al de la canción “’Talkin’ About You’” de Chuck Berry, uno de los padres del Rock’n’Roll y gran influencia de “The Beatles” en sus inicios, como puede apreciarse a continuación:

PD 2: La canción comienza con el conteo 1,2,3,4 que “The Beatles” usaban en sus presentaciones en vivo y que George Martin, el Productor del disco, decidió dejar en la versión de estudio para tratar de transmitir la vibra que el grupo lograba en sus presentaciones en vivo. En el sencillo lanzado en Estados Unidos en 1964, se cortó el 1,2,3

En aquel entonces no era usual grabar el conteo inicial.

PD 3: Esta canción, a diferencia de la gran mayoría de las canciones de “The Beatles”, está firmada McCarteny-Lennon, justo al revés que el resto.

PD 4: Esta fue la última canción, de la última presentación en vivo de John Lennon, a dúo con Elton John

PD 5: Esta canción ha sido cover por grupos como “Led Zeppelin”, “The Supremes” y “The Who y existen docenas de otros covers en diferentes estilos e idiomas.

PD 6: Al momento de escribir esta reseña, “I saw her standing there” tiene más de 50 años de haber sido escrita y sigue tan fresca y dinámica como entonces; aproximadamente 10 años después de ser publicada y aun siendo un niño, la escuché por primera vez y la puse tantas veces a tocar, que mis primas (de quienes era el disco), me pidieron ya no ponerla más; casi seguro que fue mi iniciación en el Rock’n’Roll.

Años después, conocí en una discoteca a quien hoy es mi esposa, como dice la letra: cuando ella tenía solo 17.

PD 7: El sonido clásico de “The Beatles” sale de una guitarra Gretsch de George, una Rickenbacker de John y del bajo Hofner de Paul

Beatles Guitars

George – Gretsch John – Rickenbacker Paul – Hofner

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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