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Cold as ice Foreigner

“Lou Gramm y Mick Jones, le dan voz a un reclamo bastante común: “prefieres dinero antes que amor”, en su“Cold as ice” Rock transitorio lanzado en 1977, por el grupo “Foreigner”

Hola,

Una fuente importante de fracasos y desengaños con los que nos enfrentamos en nuestras vidas, proviene de nuestra compulsión por poseer en demasía. Se trata de la avaricia. Buscar el equilibrio entre lo que queremos y lo que necesitamos, traerá a su vez, equilibrio a nuestras vidas.

An-Allegory-Of-Avarice

Una alegoría de la avaricia. Escuela holandesa de pintura

En la canción “Cold as ice”, se hace alusión a esta preferencia desbocada por las cosas, aún a costa de las relaciones personales. Es una obra del grupo “Foreigner” de su disco del mismo nombre, publicado en 1977.

Foreigner LP

Portada del disco debut del grupo. En la forma de vestir y en el estilo artístico de la portada, se ve todavía un grupo muy anclado en los años 70 del siglo XX

Surge en una época difícil en la que el público se dividía entre ya veteranos hippies y muy jóvenes punks, que significaba un rango de gustos entre lo muy elaborado y amigable (psicodelia/progresivo) y lo muy parco y agresivo (punk rock) y sin embargo varias bandas, entre ellas “Foreigner”, lograron posicionarse, al menos temporalmente, en un punto más intermedio en el que no hay tanta elaboración musical, ni tampoco tanta improvisación, pero se sigue sonando fuerte y muy bien: el Rock de Estadios o el Rock para FM.

La letra es bastante clara en su reclamo:

 

“I’ve seen it before,

Lo he visto antes,

it happens all the time

pasa todo el tiempo

(Oooh-oooh) You’re closing the door, you leave the world behind

Cierras la puerta y te asilas del mundo

You’re digging for gold,

Lo que buscas es oro

 you’re throwing away

y lanzas a la basura

(Aaah-aaah) A fortune in feelings,

Una fortuna de sentimientos

but someday you’ll pay,

pero algún día lo pagarás

 

En cuanto a la música, la canción empieza con el piano marcando un ritmo sobre el cual pasan muy rápidos y muy leves sonidos de guitarra y de teclados eléctricos, hasta que unos ocho segundos después, entra la voz de Lou Gramm, apuntalada por una batería que le da un  cierto aire de autoridad a su dicho. A los 30 segundos, aproximadamente, desaparece el rítmico piano, la canción baja de velocidad y la aparición de coros vocales y de un acompañamiento de teclados eléctricos le dan un aire de balada romántica . . . por solo unos segundos, pues a partir del segundo 50, la canción toma un ritmo más acelerado y al minuto y medio aparece un excelente solo de guitarra por parte de Mick Jones. De ahí en adelante, los juegos corales toman mayor presencia y la canción se mantiene en un nivel de energía constante, siempre de la mano de la voz suplicante de Gramm.

All Black Gibso Les Paul M Jones Foreigner

Guitarra modelo All Black Les Paul de la marca Gibson, similar a la utilizada en el video por Mick Jones

A continuación, la versión en video, ligeramente distinta a la del disco, pero que permite ver en la estructura del video y en la vestimenta de los músicos, la transición entre los años 70s y los 80s del siglo anterior

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: En la cultura occidental cristiana, la avaricia es uno de los siete pecados capitales que impiden la realización personal. La virtud a practicar para combatir la avaricia es la Caridad, que es la disposición a dar a otros lo que necesitan, voluntaria y oportunamente. La avaricia, está asociada al demonio de nombre Mammon.

PD 2: El guitarrista de Foreigner, Mick Jones, ha influido en un músico contemporáneo muy importante: Mark Ronson (ver la reseña Bang, bang, bang)

PD 3: A finales de los años 70s del siglo XX, muchos grupos optaron por hacer Rock orientado a Discos (“AOR / Album Oriented Rock”), que era otra forma de decir que era música diseñada para sonar bien y vender discos. Entre otras bandas de este tipo están “Foreigner”, “Styx”, “Heart”, “Journey”, “Boston” y otras. Estos grupos no eran tan sofisticados como los de Rock Progresivo, pero su sonido era muy pulido y aunque tocaban Rock, no eran tan pesados como el Hard Rock/Hard Blues, más tarde Heavy Metal, que también surgió aproximadamente en la misma época.

Casi ninguno de estos grupos pudo sobrevivir, o al menos sacarle provecho, al surgimiento de MTV y la llegada de los videos musicales.

PD 4: El nombre de “Foreigner” / Extranjero, se deriva del hecho de que en los inicios de la banda, tres de sus miembros eran Británicos y otros tres, Estadounidenses, por lo que sea que tocaran en Gran Bretaña, en Estados Unidos o en cualquier otra parte del mundo, siempre en el grupo habría extranjeros.

 

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Mundo Senheiser

Rock and Roll All Nite Kiss

“Intensa simbiosis emocional, con la intención de volverte loco si tú los llevas al desenfreno. Clarísima invitación de KISS para que juntos, armemos una gran fiesta: “Rock and Roll All Nite”, de su álbum doble de 1975 KISS ALIVE!

Hola,

Hace ya algunos años (muchos), tuve una discusión con un amigo acerca de la calidad interpretativa y del sonido en los conciertos de Rock. Sus argumentos eran que, primero, los grupos nunca sonaban igual en concierto a como sonaban en los discos (ya que, por ejemplo, no podían reproducir idénticamente los solos de guitarra) y segundo, que con el escándalo que produce el público, es imposible apreciar la interpretación de los músicos y de los cantantes; su conclusión: Es mejor quedarte en casa y escuchar el álbum.

Por supuesto que en gustos se rompen géneros; mi principal argumento en aquella discusión, era que la experiencia de asistir a un concierto de Rock, no se limita a escuchar la música.

Al igual que cuando vamos al cine, el ambiente emocional colectivo definitivamente cambia la experiencia; el poder observar el estado de ánimo de los músicos, el desenvolvimiento escénico, los mensajes no verbales entre los músicos (o la ausencia de ellos) e incluso, gracias al avance tecnológico en la definición y tamaño de las pantallas, el poder observar muy a detalle sus técnicas interpretativas, son un bono que enriquece mucho la experiencia; claro, asumiendo que de entrada, la oferta musical vale la pena.

Los discos grabados en presentaciones en vivo, a veces nos permiten atestiguar ese ambiente colectivo y si están bien grabados, nos permiten conocer la interacción del público con el artista.

Una de las agrupaciones que mejor supo aprovechar el gran impacto de sus presentaciones en vivo, hasta llegar a ser súper estrellas internacionales, fue la banda Neoyorkina “KISS” y lo pudieron dejar perfectamente plasmado, en grabaciones como “Rock and Roll All Nite”, que es una canción diseñada para que el público interactúe con ellos y sea una especie de himno de batalla a interpretarse para intensificar, simbióticamente, la emoción.

Kiss retrato

La letra lo expresa, muy claramente, desde un inicio:

“You show us everything you’ve got                      /          Muéstranos todo lo que traes

You keep on dancin’ and the room gets hot       /          Sigue bailando, el lugar se ambientará

You drive us wild, we’ll drive you crazy                /          Trastórnanos y te enloquéceremos

You say you wanna go for a spin                             /          Dices que quieres salir a pasear

The party’s just begun, we’ll let you in                  /          La fiesta comenzó, te dejaremos pasar

You drive us wild, we’ll drive you crazy                /          Trastórnanos y te enloquéceremos

You keep on shoutin, you keep on shoutin        /          Sigue gritando, sigue gritando:

I wanna rock and roll all nite                                    /          Quiero, rock toda esta noche

And party every day                                                      /          Y fiesta cada día”

En cuanto a la música, también está perfectamente diseñada para transmitir el mensaje festivo. Comienza con la introducción de Paul Stanley (“Starchild”/ Niño de las estrellas) que con su voz rasposa nos invita a la fiesta; enseguida, entra la batería de Peter Criss (“Catman” / el hombre gato) que es como un tambor de guerra llamando a la acción, seguido por el prominente sonido del bajo y el acompañamiento de las guitarras, a cargo de Gene Simmons (“The demon” / El demonio), de Ace Frehley (“Spaceman” / El hombre del espacio) y del propio Stanley, respectivamente.

Guitarra Sovereign modelo Silvertone, similar a la utilizaad por Paul Stanley en los vidoes que presento en esta reseña

Guitarra Sovereign modelo Silvertone, similar a la utilizada por Paul Stanley en los videos que presento en esta reseña

Se trata de una melodía sencilla y cíclica, en la que las partes corales y el ocasional silencio de las guitarras, invitan claramente a que el escucha coree la frase principal, incorporándose en la interpretación, para sentirse al menos por un momento, parte de la banda.

La canción tiene un solo de guitarra, a cargo de Ace Frehley, que no existe en la versión original de estudio y que es un vínculo directo con los orígenes del Rock’n’Roll, en específico, a los solos del pionero Chuck Berry (Ver la reseña “Roll over Beethoven”).

Guitarra Epiphone Les Paul, similar a la favorita del guitarrista original: Ace Frehley

Guitarra Epiphone Les Paul, similar a la favorita del guitarrista original: Ace Frehley

Pongo a continuación dos versiones en vivo, ambas con más de 35 años de diferencia con respecto de la versión original. En ellas, podemos ver a distintas generaciones contribuyendo y a la vez disfrutando de ese ambiente emocional colectivo, que muy pocas bandas pueden producir a lo largo de tanto tiempo.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD 1: Es totalmente obvio mencionar que en “KISS”, tan importante, o más, es la imagen que la música y es quizá por ello que sus presentaciones en vivo siempre han sido mucho más contundentes que sus obras de estudio. El gran mérito de su disco “KISS Alive!”, es que precisamente logra transmitir, al menos en parte, la sensación de estar ahí.

Casi desde su publicación, “KISS Alive!” ha sido objeto de críticas y especulaciones, debido a que se cree que fue editado para sonar mucho mejor de lo que la banda sonaba en sus presentaciones; en mi opinión, es totalmente irrelevante si el disco fue sobre producido, o no, pues cumplió, de manera contundente, con la expectativa de replicar la experiencia de estar en la arena, lo que le valió a “KISS” llegar al súper estrellato mundial.

PD 2: Un fenómeno iniciado espontáneamente, en 1975, por dos admiradores de la banda, fue la creación del grupo de fans, conocido como “KISS Army”, que en su mejor momento llegó a tener aproximadamente 100,000 seguidores formales y quien sabe cuántos más de nombre.

El logo de “KISS Army” debe estar, fácilmente, entre los 5 íconos visuales más representativos del Rock.

El autor de este Blog antes de comenzar un concierto de KISS en la Ciudad de Méico en el 2010. Atrás, el inconfundible logo de

El autor de este Blog, antes de que comenzara un concierto de KISS en la Ciudad de México en el 2010. Atrás, el inconfundible logo de “KISS ARMY”

PD 3: Allá por finales de los años 70s del siglo XX, surgió en la Ciudad de México una pandilla, inspirada en la película “The Warriors”, que se autonombró BUK – Banda Unida de KISS – y que rivalizaba al poniente de la ciudad, con la legendaria “Panchitos Sex Punk Band”

PD 4: En alguna entrevista, Paul Stanley declaró que el uso de maquillaje y de disfraces, además de caracterizarlos de manera única, servía para que en los conciertos, aún la gente que estaba  muy lejos del escenario pudiera reconocer quien era quien.

La exitosa visión mercadotécnica de Gene Simmons y la entonces muy importante influencia de MTV, se unieron en 1983 para lanzar un evento icónico: KISS sin maquillaje y sin disfraces; sin embargo, el efecto a mediano plazo fue como haberle cortado el cabello a Sansón: KISS ya nunca volvió a ser el mismo y solo hasta que los 4 miembros originales se reunieron en 1995 es que la banda recobró algo de su gloria pasada.

PD 5: Prácticamente, no hay publicación especializada que en su lista de los mejores álbumes grabados en vivo, no incluya al “KISS Alive!”, como uno de los mejores a la fecha. En lo personal, me gusta más el “KISS Alive II”

Kiss Alive II open

Interior de la funda del álbum doble “KISS Alive II”, que nos da una muestra de lo que son los shows de esta banda, desde hace más de 30 años

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Photograph, Def Leppard

Hola,

Para finales de los años setentas, el subgénero conocido como Rock Pesado estaba en crisis; sus grupos insignia, Led Zeppelin, Deep Purple y Black Sabbath, se habían desbandado parcial o totalmente y la irrupción de otras corrientes como el Rock Progresivo y el Punk estaban dominando la escena Rock.

Sin embargo, las nuevas generaciones de jóvenes adolescentes, aún ávidas de la energía que generan los guitarrazos y los tamborazos, pero separadas ya por la edad de aquellos monstruos del Rock, querían aún más.

Surge entonces en Inglaterra, un movimiento conocido como la nueva ola del rock pesado (“The New Wave of Hard Rock”), uno de cuyos principales exponentes fue “Def Leppard”

La canción a comentar en esta oportunidad es “Photograph” de su disco “Pyromania” de 1983.

 “Photograph”  es una innegable referencia a su tiempo; desde su invención y prácticamente durante todo el siglo veinte, la fotografía fue un acompañante constante en las relaciones amorosas; hay libros, películas y por supuesto, canciones, que hablan de la importancia de tener una foto (impresa) del ser amado. Hoy en día, la ubicuidad de las cámaras digitales, la accesibilidad a medios de comunicación personal y la existencia de las redes sociales, hacen irrelevante, casi incomprensible, el tema de esta canción.

Colgante con fotografía

Antes de que llegaran los teléfonos inteligentes, el instagram y las redes sociales, la fotografías eran un objeto muy relacionado a las relaciones amorosas

En cuanto a la música, los primeros 17” confirman lo dicho: un riff de guitarra fuerte y pulido, acompañado de una batería a la par de energética. Este comienzo no solamente permite identificar la canción de manera inmediata, sino que en adición, fija el mínimo de emoción y me atrevo a decir que incluso provoca alguna secreción de adrenalina.

A partir de ahí, en la canción están presentes todos los elementos propios de lo que en los 80s se conocería como “Hair Metal”: un vocalista impetuoso, un bajo potente, una segunda guitarra en sincronía con la melodía, unos coros en tono agudo y el infaltable solo de guitarra; solo que “Def Leppard” fue de los primeros en utilizarlos en aquella década.

Bajo Hamer, modelo Blitz, muy parecido a uno de los dos utilizados por Rick Savage en el video de esta canción

Bajo Hamer, modelo Blitz, muy parecido a uno de los dos utilizados por Rick Savage en el video de esta canción

Vale la pena destacar que el coro de la canción, ejecutado por varios miembros del grupo, menciona constantemente la palabra “photograph”, en medio de un diálogo musical con Joe Elliot, el vocalista principal. La entonación vocal, la letra y el acompañamiento musical en el coro, reflejan perfectamente el sentimiento de desesperación ante la distancia, tan solo reducida un poco por una fotografía, tu fotografía.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: En varias de estas reseñas hemos resaltado la importancia que tuvo MTV en el éxito de algunas canciones; en esta ocasión, sucede un poco al revés, esta canción y en general este grupo, fueron parte importante no solo para el éxito de MTV a principio de los 80s, sino que además, ayudaron a impulsar un género y a implantar una moda.

Joe Elliot Union Jack

Los panatlones ajustados y las playeras sin manga, fueron parte de la moda que estos grupos generaron a través de su imagen; muy distinta a la de los grupos de Rock PEsado de los 70s

Rick Savage

El otro elemento infaltable en el sub género del “Heavy Metal” o “Hair Metal” de los 80s, eran las abundantes melenas. Rick Savage, bajista de Def Leppard

PD 2: Los primeros 4 segundos de la canción son un guiño a “The Beatles”, ya que se escucha un sonido distorsionado (“feedback”) de guitarra, muy parecido al que aparece al inicio de  “I feel fine”

PD 3: Un elemento que pasa casi desapercibido en la canción, son los teclados que aparecen en el puente entre los versos principales y los coros,  característica poco común en el género del “Hair Metal” y que quizá le dio a “Def Leppard” un sonido un poco más pop que al resto de las bandas metaleras de los 80. En esta canción, los teclados están a cargo de un músico y técnico de sonido muy singular, llamado Thomas Dolby (Sí, el de “She blinded me with science”); aquí bajo el pseudónimo de Booker T. Boffin.

Thomas Dolby, músico muy asociado al movimiento New Wave, es el invitado improbable en esta canción a cargo de los casi imperceptibles teclados

Thomas Dolby, músico muy asociado al movimiento New Wave, es el invitado improbable en esta canción a cargo de los casi imperceptibles teclados

PD 4: “Def Leppard” es una modificación constrictiva del nombre original, “Deaf Leopard” (Leopardo sordo), que les sonaba demasiado Punk.

PD 5: “Def Leppard”, junto con The Beatles, Led Zeppelin, Pink Floyd y Van Halen, forman parte de un selectísimo grupo de 5 bandas que han logrado vender más de 10 millones de copias de dos álbumes; “Pyromania” es uno de esos discos.

Portada del disco "Pyromania", cuya imagen es escalofriantemente similar al evento que sucedería 18 años después

Portada del disco “Pyromania”, cuya imagen es escalofriantemente similar al evento que sucedería 18 años después

PD 6: El productor del disco y en gran parte responsable del sonido de Leppard y de todo lo que en consecuencia vino después, es el prolífico y exitoso productor y compositor, Robert “Mutt” Lange.

Lange ha trabajado con artistas como “Heart”, “The Boomtown rats”, “Foreigner”, “The Cars”, “Bryan Adams”, “Maroon  5”, “Nickelback”, “The Corrs”, “AC/DC”, Shania Twain (Esposa), “Loverboy”, “Starship”, Tina Turner, entre muchos otros.

PD 7: El video de “Photograph” fue dirigido por David Mallet, quien es una especie de Steven Spielberg de los videos musicales y de los videos de conciertos.

PD 8: Recuerdo muy bien la primera ocasión que escuché esta canción por el radio; era fresca, muy distinta a lo que se escuchaba entonces en México. Después, cuando vi el video, el impacto fue aún mayor. Aún conservo mi player “Union Jack”

PD 9: “Def Leppard” junto con “Van Halen”, mutuamente impulsados por MTV y apoyados en toneladas de laca para el pelo, definieron en gran parte el sonido y la imagen del Rock Pesado de los 80s; a ellos siguieron grupos como “Quiet riot”, “Mötley Crüe” “Poison”, “Night ranger”, “Kix”, “Stryper”, “Bon Jovi”, “Europe”, “Guns’n’Roses”, “Hanoi rocks”, “Cinderella” . . .

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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In only seven days, Queen

Hola,

Con anterioridad, en este mismo espacio, hemos comentado acerca de canciones que tienen como tema un día de la semana y algún sentimiento asociado a ellos (Lunes, Martes, Miércoles, Jueves,  Viernes, Sábado y Domingo).

En esta oportunidad, conversaremos acerca de una canción que utiliza todos los días de la semana, el verano,  las vacaciones y el amor; el amor de verano, tema recurrente en la música pop contemporánea.

Y para hacerlo, vamos a tomar la canción número dos, del lado dos, del L.P. Jazz, lanzado por el grupo británico “Queen” en noviembre de 1978; se trata de “In only seven days

Lego Queen

El legendario grupo Queen, en una interpretación poco conocida, pero muy bien lograda

Esta es una de las pocas canciones escritas por el introvertido bajista del grupo, John Deacon, cuya letra describe el proceso de enamoramiento durante unas vacaciones en la playa.

Musicalmente hablando, se trata de una balada pop, en la que sobresalen el piano, la muy relajada voz de Freddie Mercury y una serie de sofisticados acompañamientos y efectos con  guitarras, generados tanto por Brian May (Guitarrista), como por el propio Deacon (Normalmente, el bajista).

Lo que cautiva de esta canción es la perfecta conjunción entre la letra y la música, cuya cadencia y claridad nos permiten ir siguiendo la historia hasta fusionarnos con ella, al grado de que al finalizar, casi podemos experimentar el sentimiento del protagonista; o quizá es que nos evoca algún recuerdo.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Esta canción no fue lanzada como sencillo, pero sí como lado B del muy exitoso sencillo “Don’t stop me now”, por lo cual es bastante conocida por los fans del grupo

Freddie-Mercury-Doodle

Da click en la imagen o en la liga que está a continuación y da click sobre el símbolo de “Play” (Triángulo al centro de la imagen)

http://www.google.com/doodles/freddie-mercurys-65th-birthday

PD 2: El disco Jazz no recibió buenas críticas en su lanzamiento; quizá por su principal mérito, que consiste en que explora muy diferentes estilos musicales: Rock, Disco, World Music, Vodevil, pero ningún Jazz. En vez de la extravagancia presente en el disco “A night at the Opera”, este álbum tiene más introspección y bastante humor.

PD 3: La canción “Fun it”, número cuatro también del lado dos del L.P,, es un presagio de lo que, un poco después, sería uno de los más grandes éxitos del grupo “Another one bites the dust”

PD 4: El track tres del lado dos, “Dreamers ball”, escrita por May, es un tributo a Elvis Presley, quien tenía poco de haber fallecido. Esto hace que, junto con la multiplicidad de géneros en el disco, este L.P. tenga cierta similitud artística con el disco “London calling” del grupo “The Clash”, lanzado poco más de un año después

PD 5: Como parte del L.P. original (Vynil), se incluía un poster consistente en una foto panorámica de un evento ciclista que sirvió como parte de la promoción del disco y del sencillo “Bycicle race”; como el evento consistió en un paseo ciclista con solamente participantes femeninas sin ropa, dicho poster era difícil de pegar en la pared de los dormitorios de los adolescentes en la casa familiar.

PD 6: La portada del disco contiene una imagen con ilusión óptica, ¿Puedes notarla?

 Queen Jazz

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Saturday in the park, Chicago

Hola,

El sábado se asocia fácilmente a la fiesta y en el caso de la música popular moderna, podemos encontrar varios casos que así lo ilustran, como:

“Saturday Night’s Alright (For Fighting)” de Elton John

“Sábado en la noche” de Miguel Ríos

“Saturday night” por “Bay City Rollers”

Entre otros muchos, muchos, ejemplos.

En 1967, surge una banda que autodefinió su estilo como Rock’n’Roll con trompetas, que adoptó como propio el nombre de su ciudad y que en sus inicios, incorporó un discurso político fuerte en su quehacer artístico. Se trata de Chicago.

En su disco “Chicago V” de 1972, incluyeron una canción que también celebra a los sábados, pero no a su vida nocturna, sino a sus actividades diurnas: “Saturday in the park”.

La letra de la canción, es una crónica de una serie de situaciones alegres que suceden en un parque, posiblemente en un sábado feriado (el 4 de julio, día de la Independencia en los Estados Unidos). Algunas crónicas indican que la canción está inspirada en una visita que el compositor, pianista y cantante Robert Lamm, hizo a Central Park durante las sesiones de grabación del disco.

Musicalmente, “Saturday in the park”, es muy distinta a buena parte de la obra anterior del grupo, comenzando por su duración, ya que en sus discos anteriores no era raro encontrar canciones de más de seis minutos; mientras que ésta dura 3’54” y tanto su estructura como su sonido, son definitivamente pop, en contraste con las piezas super elaboradas de Rock Progresivo y Fusión Jazz, predominantes en sus discos anteriores.

En esta canción, es fácilmente discernible el sonido que le dio éxito al grupo y que por varios años fue su sello, ya que destacan la sección de vientos y el piano, que los colocan en algún punto medio entre el sonido de las grandes bandas, la cadencia jazzística y la temática del Pop/Rock.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Chicago ha sido un grupo sumamente exitoso; a lo largo de su carrera, han logrado llevar a cinco de sus álbumes al primer lugar de las listas y tienen además, 21 sencillos (canciones) que lograron  estar dentro de los diez primeros lugares de las listas.

“Saturday in the park” llegó al tercer lugar y fue su éxito más importante hasta ese momento, ayudando además, a que el disco “Chicago V” llegara al primer lugar.

PD 2: Una característica de este grupo es que la mayor parte de sus discos tienen como portada el inconfundible logo del nombre de la banda y están numerados, al principio con números romanos y posteriormente con números arábigos.

Chicago

Logo que aparece prácticamente en la totalidad de las portadas de los discos del grupo

PD 3: Aunque es aceptado que esta canción se inspiró en escenas de “Central Park” en Nueva York, también es conocido que durante el verano hay muchas actividades y gran ambiente en los parques Grant y Milenio en Chicago

Chicago Grant Park

Cuando llega el verano a Chicago, el parque Grant se llena de actividades que bien pudieron haber influido también en la inspiración de esta canción

PD 4: En esta canción se utiliza un recurso poco común: la “conversación” entre dos cantantes. La voz principal la lleva el compositor Robert Lamm (Piano), mientras que la otra voz la pone Peter Cetera (Bajo).

Varios años después de aparecida esta canción, Peter Cetera sería el vocalista principal en los mega éxitos que logró Chicago en los años 80; para poco después, dejar a la Banda. El sonido de Chicago en esta etapa es totalmente distinto a su sonido clásico con instrumentos de viento.

Sax Trombon Trompeta

Instrumentos que destacan en el sonido clásico del grupo Chicago

PD5: Solo después del grupo “Beach Boys”, Chicago es la banda norteamericana más exitosa y una de las más longevas (aunque ha sufrido muchos cambios en sus integrantes).

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Dance the night away, Van Halen

Hola,

Las mujeres pueden atraer miradas por ser bonitas, por arreglarse bien, por tener estilo y porte, pero, pueden ser absolutamente irresistibles por su forma de bailar.

Y la canción que vamos a reseñar aquí describe perfectamente esta situación:

“She’s on fire, ‘cause dancin’ gets her higher than-uh, anything else she knows” / Ella está que arde, porque bailar la eleva más que nada de lo que conoce

Se trata de “Dance the night away” del disco “Van Halen II” publicado en marzo de 1979, por el grupo “Van Halen”

“Van Halen” fue un cuarteto de Rock Pesado (“Hard Rock”) que se distinguió y basó su éxito en dos características: la habilidad, velocidad e innovación en la forma de interpretar con la guitarra por parte de Eddie Van Halen y la personalidad y carisma de su vocalista David Lee Roth.

Eddie Van Halen

Eddie Van Halen; su virtuosismo fue una de las razones del éxito de la Banda “Van Halen”

“Dance the night away” es la pieza más accesible y ligera del disco y sin embargo, es sumamente energética y de inmediato te invita a llevar el ritmo, a corear la letra e incluso a bailar.

Esto se debe a que inicia marcando el ritmo con un cencerro al que se le une el fraseo de guitarra característico de la canción, grabados ambos con cierto nivel de eco que le dad un toque de grandiosidad al sonido. A los diez segundos se les unen un potente sonido de batería y del bajo seguidos después por la inconfundible interpretación vocal de Lee Roth.

Cencerro, como el utilizado por Alex Van Halen en la canción y que ayuda a que el ritmo sea bailable

Cencerro, como el utilizado por Alex Van Halen en la canción y que ayuda a que el ritmo sea bailable

En la canción, obviamente no es posible ver la interpretación teatral del vocalista David Lee Roth, quien sin embargo, se las arregla para no perderse entre el sonido de los instrumentos cantando con gritos algunas palabras de la letra.

En tanto que la destreza de Eddie Van Halen puede notarse en la parte del coro, en la que aparte del fraseo (“riff”) que se repite durante toda la canción, puede escucharse en el canal izquierdo, un sonido similar al de un sintetizador, producido por una técnica llamada “Tap harmonic” que se logra golpeando las cuerdas de la guitarra sobre los trastes (Esta técnica puede apreciarse desde 2’24” hasta el 2’37” del video de una interpretación en vivo que puede verse a continuación).

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Esta canción es tan impactante que ha sido usada en un par de películas para reforzar alguna escena.

Tal es el caso del baile en la nave de la misión de rescate, de la película Misión a Marte

Y en la sensacional película Argo, en la escena de la fiesta Hollywoodwense.

PD 2: Eddie Van Halen construyó su propia guitarra utilizando partes de varias marcas, creando la “frankenstrat” que puede verse en el video; la idea de Eddie era tener una guitarra con el sonido de una Gibson, pero con la apariencia de una Fender “Stratocaster”

Guitarra construida por Eddie Van Halen

Guitarra construida por Eddie Van Halen

PD 3: En sus inicios, “Van Halen” solía incluír en sus discos, sus propias versiones de canciones famosas de los 60’s. Lo cual indica que conocían y estaban influidos por el rock de los 60’s.

En “Dance the night away” puede notarse la influencia de la canción “Pretty woman” de Roy Orbison, en la parte de la letra que dice:

“Won’t-cha turn your head my way?”  / ¿Voltearías a verme?

Mientras que en su canción, Orbison le pregunta a la chica bonita:

“Pretty woman, look my way” / Mujer bonita, voltea a verme

También, al referirse lo bien que se ve bailando la protagonista de la canción, la letra dice:

“Have you seen her? So fine and pretty” / ¿Las has visto? Tan bonita y fina.

Mientras que en la canción “She’s a rainbow” de “The Rolling Stones”, se lee:

“Have you seen her all in gold?

Like a queen in days of old  / ¿La has visto toda en dorado? Como una reina Antigua

En ambos casos, expresando admiración por lo que ven.

PD 4: Esta canción fue la primera del grupo en llegar a los 15 primeros lugares de las listas; tan solo 5 años después, en 1984, “Van Halen” se convertiría en un tremendo éxito internacional e insignia de las bandas pesadas de los 80s.

PD 5: A pesar de contar con un muy reconocido guitarrista, en esta canción no hay un solo de guitarra.

PD 6: “Van Halen” fue ayudado en sus inicios por el bajista del grupo “Kiss”, Gene Simmons

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Fractured Mirror, Ace Frehley

Hola,

Como hemos comentado aquí en muchas ocasiones, hay una serie de tópicos que acaparan la temática en la música Pop moderna. Pero, ¿Qué pasa cuando una pieza no tiene letra? Pues es entonces que nuestra imaginación o nuestros recuerdos, pueden entrar en acción.

Una buena pieza instrumental debe ayudarnos a llevar nuestra mente a otros escenarios, sean ficticios o reales, pero, sin perder nuestra atención.

Una de estas obras instrumentales que puede lograr transportarnos, viene de un artista totalmente inesperado; se trata de “Fractured mirror” del disco “Kiss – Ace Frehely”, aparecido en 1978.

Disco solista, parte de la serie de 4, que publicaron los integrantes de Kiss en 1978

Disco solista, parte de la serie de 4, que publicaron los integrantes de Kiss en 1978

Ace Frehely era la segunda guitarra de la formación original del grupo de Rock pesado KISS; cuyos miembros decidieron publicar un disco solista por cada uno de sus cuatro integrantes, justo en el pináculo de su carrera.

“Fractured mirror” comienza con el tañido de una campana que funciona como el hechizo que nos separa de la cotidianeidad y a continuación, llega la progresiva aparición de la guitarra con su hipnótico sonido cíclico que remiten en esta primera parte, al optimismo del inicio de un viaje a un lugar lejano o distinto.

A los 50” de haber iniciado la pieza, comienza a sonar la batería, enfatizando con su ritmo el carácter alegre de la jornada; sin embargo, solo ocho segundos después, cuando parece que el viaje sería maravilloso, los rasgueos con distorsión, presagian ominosos problemas en nuestro hasta entonces agradable camino.

A los 2’08”, el punteo cíclico tema de la obra comienza a subir su volumen, opacando a la guitarra con distorsión…se busca dejar atrás a los contratiempos y retomar la ruta apacible. Veintiséis segundos después, a los 2’34” se da el clímax, pues aparece el conflicto entre la voluntad de seguir adelante y la fuerza externa que parece detenernos, lo que produce estridencia propia del caos del conflicto; hasta que, treinta y cuatro segundos después, se logra triunfar sobre los obstáculos y se retoma la placentera senda, expresada por el sonido de cinco notas repetitivas, enmarcadas por una especie de fanfarria, que disminuyen su intensidad hasta que se retoma el tema original.

Esta es al menos mi interpretación personal ¿Cuál sería la tuya?

.

.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: De los 4 discos publicados simultáneamente por cada uno de los integrantes de KISS, fue el del guitarrista Ace Frehley el más exitoso y mejor tratado por la crítica.

Portadas de los cuatro discos, en los que se aprecian los mauillajes de los personajes adoptados por cada músico

Portadas de los cuatro discos, en los que se aprecian los mauillajes de los personajes adoptados por cada músico

PD 2: Privada de una historia, plasmada en la letra, la música instrumental puede ser una magnífica vía para ejercitar la imaginación, asignándole a cada sonido un significado, o mejor aún, una imagen. Este ejercicio, realizado con extrema concentración y utilizando una pieza con la que tengamos especial consonancia, equivale a un ejercicio de meditación.

PD 3: La predilección de Ace Frehley por las guitarras Gibson, puede apreciarse en la gran cantidad de fotografías en las que aparece tocando una.

En esta foto se aprecia la predilección de Frehley por las guitarras Gibson, aunque pueden apreciarse un par de Fenders ¿Puedes encontrarlas?

En esta foto se aprecia la predilección de Frehley por las guitarras Gibson, aunque pueden apreciarse un par de Fenders ¿Puedes encontrarlas?

PD 4: Cada uno de los integrantes del grupo KISS adoptó una personalidad alterna que les permitiera ser fácilmente identificados, aún desde la dsitancia en los grandes estadios en donde se presentan. Ace Frehley era “The Spaceman” o “Space Ace”

Alter Ego de Ace Frehley en su participación con KISS

Alter Ego de Ace Frehley en su participación con KISS

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PD 5: Un esfuerzo similar al de los integrantes de KISS, es el del reciente lanzamiento de los discos: ¡Uno! ¡Dos! ¡Tré! de “Green Day”

Trilogía lanzada por Green day en el 2012, esfuerzo similar al de Kiss en 1978

Trilogía lanzada por Green day en el 2012, esfuerzo similar al de Kiss en 1978

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Love stinks, The J. Geils Band

Hola,

El amor es quizás el tema más recurrente en la música popular moderna, incluida su principal variación: el desamor (despecho, ardor, olvido, dolor, revancha…)

Ya en alguna ocasión anterior, hemos hablado aquí acerca de una canción que aborda uno de esos aspectos del desamor (Love Hurts, Roy Orbison); pero en esta oportunidad, vamos a ir un poquito más lejos, comentando acerca de una canción que de plano, descalifica totalmente al amor.

Se trata de “Love stinks” (El amor apesta), canción de 1980, surgida del álbum homónimo del medianamente desconocido grupo: “The J. Geils Band”.

En su letra, la canción declara enfática y humorísticamente, que el amor te va a doler y lo dice bajo un formato de Pop Rock, en el que el riff de la guitarra es el principal protagonista, aunque la presencia de sintetizadores ochenteros es también fácilmente discernible.

Love stinks comic

Un coro pegajoso (muy pegajoso) y una frase musical sencilla e identificable, fueron la clave para que esta canción tuviera un moderado éxito y permaneciera vigente en películas y comerciales hasta hoy.

Desde la Ciudad más grande del Mundo.

JH

PD: El grupo debe su nombre, no al vocalista, sino al guitarrista y fundador John Geils. Otra banda de sonido, nombre e historia similar, es “Greg Kihn Band” y por supuesto, también nos remite a “Bruce Springsteen and the E Street Band” antes aquí reseñada.

PD 2: “The J. Geils Band” fue un grupo surgido a finales de los 60s, enfocado al Rythm & Blues y al Soul y cuya fortaleza era su sonido crudo y su energía interpretativa en los escenarios; pero, debido a que era difícil replicar esa energía en grabaciones de estudio, no fue sino hasta 1981 que, puliendo un poco su sonido, tuvieron éxito comercial. “Love stinks”, lanzada en 1980, ya presentaba señales de esa transición.

PD 3: La muy recomendable película “Almost famous” del 2000, presenta algunos aspectos de cómo era uno de esos grupos setenteros en el borde de la fama, en los que había cierta tensión entre el guitarrista y el vocalista…precisamente lo que provocó la desintegración de “The J. Geils Band” en la vida real.

Excelente película que retrata a uno de estos grupos setenteros que buscan la fama de presentación en presentación

Excelente película que retrata a uno de estos grupos setenteros que buscan la fama de presentación en presentación

PD 4: Tal y como puede apreciarse en el video de esta canción, el hiperactivo vocalista, Peter Wolf, era una de las principales atracciones de las presentaciones en vivo de la banda.

PD 5: Al igual que muchos grupos similares de su época, el éxito de “J Geils Band” estaba mucho más ligado a sus presentaciones en vivo y largas giras, que a su material de estudio; un cambio en su sonido y la simultánea y coincidente aparición del video musical, a finales de los 70s, ayudaron al grupo a tener algo de éxito en los primeros años de los 80s.

En el video de “Love stinks”, puede apreciarse perfectamente la imagen todavía setentera de la mayor parte de los integrantes del grupo y el tono netamente humorístico que le imprimió el Director al video.

PD 6: La cantante Joan Jett tiene establecida una muy bien ganada reputación por producir buenos covers; esta es su versión de “Love stinks”:

PD 7: En el video de “The J. Geils Band” puede apreciarse a un integrante del grupo tocando armónica, esto se debe a las raíces Rythm & Blues  del grupo; se trata de Richard Salwitz (AKA “Magic Dick”) un reconocido multi instrumentalista en la escena Blues.

PD 8: En ese mismo video, también puede verse que John Geils utiliza una muy singular y rarísima guitarra transparente, marca Ampeg.

Singular guitarra transpararente marca Ampeg, utilizada por John Geils en el video

Singular guitarra transpararente marca Ampeg, utilizada por John Geils en el video

PD 9: Como para enfatizar que el amor apesta, a lo largo del video aparecen tres pescados ¿Puedes ubicarlos?

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Handle with care, The travelling Wilburys

Hola,

En la historia del Rock es bastante común que el éxito, los egos y la avaricia, terminen en la disolución de grupos que, a su vez, derivan en el inicio de carreras solistas (No siempre con los mejores resultados).

La canción que voy a reseñar hoy, ejemplifica un caso contrario; surgida de un grupo integrado por músicos a la par talentosos y exitosos, provenientes de otras agrupaciones o con sus propias carreras como solistas.

“The travelling Wilburys” es el nombre de la banda que se configuró con la participación de George Harrison (“The Beatles”), Tom Petty (“Tom Petty and the heartbrekers”), Jeff Lynne (“Electric Light Orchestra”), Roy Orbison (autor de “Oh pretty woman”) y Bob Dylan.

wilburys paint

El Supergrupo “The travelling Wilburys”

“Handle with care” es la primera canción del disco “The travelling Willburys, Vol. 1” publicado en 1988. Escrita principalmente por Harrison, pero con participación de los otros cuatro, los temas que toca la letra van desde situaciones amorosas, hasta crítica a la industria musical, pasando por algo de crítica social.

Musicalmente, la canción tiene el suficiente ritmo para no sonar muy Country y la suficiente presencia de guitarras para no sonar muy Folk y se queda un tanto cuanto por abajo en energía y potencia para ser considerada, no digamos Rock, sino siquiera Rockabilly; pero que bien suena.

Por cierto que, la producción a cargo, principalmente, de Jeff Lynne, tiene su inconfundible firma y es fácilmente identificable en el tratamiento de los coros (una especie de conversaciones entre las diferentes voces), en el uso de eco en la voz principal y en el sonido de los pequeños solos de guitarra. Este sello Lynne, vuelve a encontrarse en otras canciones contemporáneas de Petty, Orbison y Harrison (todas muy exitosas).

 

 

 

 

 

Desde la Ciudad más grande del Mundo.

JH

PD: En el disco nunca se mencionan los nombres de los integrantes del grupo ya que cada uno de ellos, al estilo de “The Ramones”, adoptó un alter ego:

Harrison – Nelson Wilbury                    Lynne – Otis Willbury

Orbison – “Lefty” Willbury                     Petty – Charly T. Willbury  Jr.

Dylan – “Lucky” Willbury

PD 2: Tanto la canción como el disco entero, surgieron de la necesidad de Harrison de producir un lado-b para un sencillo que iba a publicar en Europa. En una cena en Los Angeles, acompañado de Orbison y Lynne, Harrison comentó acerca de su urgente necesidad de grabar, por lo que Lynne y Orbison se ofrecieron a ayudarle de inmediato. De camino a casa, Harrison pasó por casa de Petty a recoger su guitarra y de pasó lo invitó al proyecto y se decidió pedirle ayuda a Dylan que tenía en su casa de Malibú un Estudio de grabación.

El resultado fue tan bueno y se divirtieron tanto, que decidieron que “Handle with care” no fuera solamente un lado B para Harrison, sino que fuera un sencillo de ellos como grupo y la primera canción de un álbum que grabarían juntos.

PD 3: Es totalmente claro que trabajar con Orbison y con Dylan, le permitió a Harrison acercarse a sus orígenes y primeras influencias musicales, el Rockabilly y el Folk y se le ve muy a gusto componiendo e interpretando música sencilla, totalmente opuesta a sus creaciones influenciadas por la cultura oriental.

PD 4: Por coincidencia (¿o no?), el primer disco de los “Travelling Wilburys” fue grabado en el estudio casero de otro gran productor: Dave Stewart (Eurythmics)

PD 5: Si te preguntas porqué el nombre de “Travelling Willburys”, la respuesta es que durante la grabación del disco “Cloud nine” de Harrison, el y Jeff Lynne bromearon que algunos errores en la grabación quedarían enterrados en la post producción; en inglés: “We’ll bury them” (“Los enterraremos”).

PD 6: La canción se grabó en abril de 1988, el disco en mayo y su publicación en octubre: Orbison murió de un ataque cardiaco en diciembre de ese mismo año.

PD 7: Tanto la canción como el disco, lograron éxito comercial y buenas críticas, alcanzando buenos lugares en las listas, tanto de Estados Unidos como Inglaterra (y otros países) y logrando algún Grammy y sirvieron para el relanzamiento de las carreras de Orbison, Dylan y Petty.

PD 8: La influencia de Lynne como productor se puede apreciar mejor comparando “Handle with care” con esta otra canción de Electric Light Orchestra (Grupo de Jeff Lynne) de 1981, “The lights go down”:

PD 9: En el video de la canción, George Harrison utiliza una guitarra hecha a la medida: Una Gretsch “Travelling Willbury” TW 300

Guitarra Gretsch TW 300, fabricada para la particiapación de George Harrison en el grupo The Travelling Wilburys

PD 10: Jeff Lynne participó como productor en las también muy exitosas producciones:

“Full Moon fever” de Tom Petty

“Mystery girl” de Roy Orbison

“Cloud nine” de George Harrison

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Words (Between the lines of age), Neil Young

Hola,

Autor, cantante y guitarrista, el artista canadiense que creó la canción que presentaremos en esta entrega, creció en el campo, lo cual influyó notoriamente en su obra. Su fuerte temperamento y la constante insatisfacción con su entorno, pueden leerse fácilmente en su rostro, por lo que no extraña que frecuentemente, su música haya rondado la protesta, sea sutil o directamente.

Neil Young

Sin embargo la canción de esta semana, en la versión en vivo que presentaremos, es un viaje casi etéreo en el que la evocación que provoca es más bien placentera.

Se trata de “Words (Between the Lines of Age)” del disco “Harvest”,
publicado en 1972, obra de Neil Young.

La letra es en su mayor parte indescifrable, con algunas referencias a escenas
campiranas y un verso interesante que te reta a que intentes su cabal comprensión:

“Thinking your mind / Pensando que tu mente

was my own in a dream, / era la mía en un sueño,

What would you wonder / que imaginarías

And how would it seem?” / Y como sería?”

La música comienza con unos potentes acordes de guitarra que, de a poco, comienzan a seguir el ritmo cansino del bajo y a entrelazarse con el sonido sutil y mágico del pedal de acero (Metal Steel Guitar) y por casi dos minutos y sin que Neil haya comenzado a cantar ya han sentado el carácter melancólico y onírico de la pieza. En adelante, la canción transita entre partes cantadas, en las que la inconfundible voz de Young nos da algún mensaje que solo él entiende cabalmente y partes instrumentales absolutamente soberbias, que hipnotizan a un numeroso público que seguramente tiene una edad promedio a la mitad de la de Young.

En esta versión, salida del Festival Glastonbury 2009, Neil Young, con sus 63 años y sobre todo, usando su sólida y extensa experiencia, nos incita a creer que en estos tiempos, para ser un gran Rockero hay que ser viejo.

Desde la Ciudad más grande del Mundo.

JH

PD: Neil Young, como otros muchos grandes músicos de su generación, se enamoró del Rock’n’roll desde los inicios de su adolescencia a través de escuchar por radio a los grandes de los 50’s: Chuck Berry, Little Richard, Fats Domino, Johnny Cash y por supuesto, Elvis Presley.

PD 2: La carrera de Young, debido a su difícil carácter, se desarrolló entre grupos exitosos y logros solistas. Entre las bandas en las que participó estuvieron: “Buffalo Springfield”, “Crazy Horse” y la más conocida y destacada “Crosby, Stills, Nash & Young”. Y no era extraño que siempre tuviera mucho material grabado y discos inconclusos que podían tardar años en completarse y salir al mercado, esto es, si es que salían.

PD  3: El instrumento que le da un sonido tan especial a esta pieza se llama “Pedal steel guitar” (Guitarra pedal de acero), que es una variante de las guitarras eléctricas, que se toca de forma horizontal y utilizando una pequeña barra de metal (“fret”) para acortar el largo de las cuerdas a lo largo del mástil (o brazo) de la guitarra y lograr los sonidos deseados, en vez de utilizar los dedos. Ben Keith, quien interpreta este instrumento en esta versión, murió en el 2010.

Guitarra de pedales (Pedal Steel Guitar); le da un sonido cadencioso y etéreo a esta canción

PD 4: A pesar de que el grupo “Crosby, Stills, Nash & Young” participó en el legendario festival de “Woodstock” en 1969, Young se rehusó a ser filmado y  a
participar en la parte acústica de la presentación del grupo. Y aun así, es considerado uno de los íconos de la música folk y de la cultura hippie.

PD 5: A la fecha, Young es activista en pro de diversas causas, que van desde la ayuda a niños con discapacidades, hasta temas ambientalistas y apoyo a pequeños granjeros estadounidenses.

PD 6: Miembros de los grupos Nirvana y “Pearl Jam” han comentado acerca de la influencia de Young en su música, lo cual, le dio a Young un nuevo aire e principio de los 90s, llegando incluso a colocar su canción “Rockin’ in the Free World” en el número 2 de las listas y a ganarse el apodo “El padrino del grunge”.

PD 7: La guitarra a la que Young hace cantar en esta canción es una Grestch 6127 “White Falcón”, extremadamente difícil de encontrar.

Young utilizó una Gretsch Stereo White Falcon en su presentación en el Festival de Glastonbury 2009

PD 8: La fuerza de la música de Young es tal y su presencia escénica tan auténtica y feroz, que en el mismo festival de Glastonbury de 2009, después de haber interpretado catorce canciones, enloqueció a la muy joven multitud con “Rockin’ in the Free World”, que en ese momento ya tenía 20 años de haber salido.

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser