Archivo de la categoría: Romántica

Stir it up Bob Marley

“Escrita por Bob Marley en 1967, “Stir it up” es una canción con una letra sorprendentemente explícita, enmascarada  con un sonido exquisito; relanzada en 1973 en su álbum “Catch a Fire”

 

Hola,

Mencionar Jamaica puede remitirnos casi inmediatamente a las imágenes paradisíacas de una isla caribeña ideal para organizar lunas de miel.

Jamaica Tourist

Sin embargo, la realidad de la isla allá por los años 50s y 60s del siglo anterior, presentaba una dualidad muy contradictoria. Efectivamente, estaba la industria turística y todo lo que gira a su alrededor, pero, también había una gran brecha con la mayoría de la población quienes vivían en condiciones de extrema pobreza.

Jamaica other side

Esta población estaba entonces naturalmente expuesta a temas de violencia, desempleo, migración, drogadicción y marginación. Inevitablemente, todos estos temas salen a relucir en la música Jamaiquina de esa época.

La obra de Marley no es la excepción, pero, como es característico de la música, el otro tema siempre importante es el romance.

Stir it up” es una canción, no precisamente  de amor, yo diría que más bien es de pasión.

Para empezar, “stir it up” puede traducirse como incitar, provocar, encender, etc… y en el contexto de la letra, no se refiere precisamente a una fogata o a algo parecido:

“I’ll push the wood (stir it, stir it, stir it together),

then I blaze ya fire;

Then I’ll satisfy your heart’s desire. (ooh-ooh-ooh-ooh)

Said, I stir it every (stir it, stir it, stir it together),

every minute:

All you got to do, baby, (ooh-ooh-ooh-ooh)

Is keep it in, eh”

En el contexto de una cultura de un país tropical, estas expresiones probablemente son parte de la vida cotidiana, lo increíble, es que esta canción fue un éxito internacional en una época en la que la censura era muy fuerte.

Yo nunca había puesto atención a la letra, pero sí a la música que me parece una obra bien realizada y muy agradable.

Es una melodía que al mismo tiempo te da una sensación de tranquilidad por la cadencia que establece el bajo y también un efecto de optimismo por el manejo de los coros y el discreto uso de las guitarras; escucharla definitivamente te deja en un estado de ánimo agradable-

Stratocaster Bob Marley

Guitarra Fender modelo stratocaster, similar a la utilizada por Marley en la grabación del video de “Stir it up”

Pongo a continuación la versión del disco, donde la calidad de la compleja producción es apreciable

Y ahora viene la versión de la ejecución en vivo donde siempre es interesante ver los estilos interpretativos y el sentimiento en la ejecución

Desde la Ciudad de México.

JH

PD En México es muy usual el  uso del doble sentido en el lenguaje, sobretodo con connotaciones de carácter sexual; la palabra coloquial para esta práctica se llama albur.

Esta canción tiene en su letra una serie de dobles sentidos muy usuales en Jamaica; es quizá que por eso al publicarse en otros países, las referencias sexuales no eran tan obvias y así logró evadir la censura

PD 2: La música de  Jamaica, al llegar a Inglaterra con las olas migratorias. influenció a músicos como “The Clash“; “Madness“, Eric Clapton, Led Zeppelin, UB40, “No Doubt“, “The Specials” y muchos otros

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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I found you Alabama Shakes

““Después de tanto esperar, por fin te encontré” y esta canción describe la sensación de plenitud después de tanta espera. Novel propuesta venida del sur en el 2012, contenida en el álbum “Boys and Girls”: “I found you”, Alabama Shakes

Hola,

Hace apenas unos días pude atestiguar, con emoción, las tres nominaciones al Grammy del grupo “Alabama Shakes”, de las cuales ganó dos: Mejor Album de Música Alternativa y Mejor Canción Rock.

“Alabama Shakes” es un grupo de reciente formación, en el 2009, con un sonido limpio, fresco y sobretodo emocional, debido a la inversión sentimental que su cantante, Brittany Howard, le imprime a sus composiciones e interpretaciones, colocándose en el mismo camino afectivo que otras cantantes, como Janis Joplin o Amy Winehouse, siguieron antes.

De su disco debut, “Boys and Girls” en esta ocasión les presento la canción “I found you”, cuya letra trata acerca de lo bien que se siente encontrar a la persona indicada, en contraste con las penalidades de la espera previa.

I remember all the lonely days

Recuerdo todos esos dias solitarios

I traveled out on my own

En los que viaje solo

then you brought me everything

y entonces me trajiste todo

ya made my house a home

e hiciste de mi casa un hogar

if its not the real deal

si esto no es lo máximo

 then i dont know it

entonces no sé qué lo es

cuz it shure does feel, and i think it shure does show

porque se siente y se ve como lo mejor

I remember all them days i waited so patiently

Recuerdo esos días de espera paciente

until God brought someone who’s gonna be good to me

Hasta que Dios me trajo a alguien que será bueno conmigo

and he blessed my Soul…

 Y ese alguien, bendijo mi Alma

 

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Portada de su álbum debut, mismo que alberga a la canción de esta reseña

En cuanto a la música y tomando como referencia una presentación del grupo en la estación KEXP de Seattle; la canción comienza con una suave conversación iniciada por Brittany, su guitarra y la guitarra de Heath Fogg, a la que, a los pocos segundos, se agregan el bajo y los teclados, manteniendo un ritmo suave y una intensidad baja; esta parte se cierra con brevísimo solo del bajo, que da paso a un aumento en la emotividad del coro y que después de unos veinte segundos regresa a un ritmo más cadencioso, repitiéndose el ciclo.

La parte final de la canción va a un ritmo más rápido e intenso, que incluye un solo de los teclados y da paso a una tonadilla alegre entonada por Brittany que le da fin a la canción.

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Guitarra marca Harmony, modelo Rocket, similar a la utilizada por Brittany Howard en el video que incluyo en esta reseña y cuyo sonido vintage se nota en la producción

Escucharla es un ejercicio de relajación y tensión que te deja agitado, pero contento.

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Tuve la gratísima oportunidad de escuchar a “Alabama Shakes” en el Festival Corona Capital del 2012 y pude constatar que sus presentaciones en vivo enriquecen aún más su propuesta.

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Alabama Shakes fue uno de los grupos que se presentaron en el Festival Corona Capital del 2012, que tuvo grandes presentaciones

PD 2: En febrero del 2016, fueron premiados con el Gramy al mejor Album de Música Alternativa, por su segundo disco “Sound & Color”, en el que han evolucionado su sonido

PD 3: Brittany Howard ha mencionado que grupos como “Led Zeppelin” o cantantes como Bon Scott de AC/DC han sido inspiración para su sonido.

PD 4: Las referencias a Dios y al Alma, son un reflejo de la cultura sureña de Estados Unidos en la cual creció Brittany Howard

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Imagen por Carol Foret

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Mundo Sennheiser

If I go Ella Eyre

“Prometedora carrera musical, que apenas zarpa hacia un destino, aún desconocido; “If I go” nos plantea la tensión interna ante la decisión de pausar una relación. Pop bailable de sólida construcción; Ella Eyre, de su disco del 2015 “Feline

Hola,

En esta ocasión, he decidido reseñar a una muy joven artista, cuyo primer álbum “Feline” fue apenas publicado el 28 de agosto de 2015. Se puede decir que ha arrancado muy bien su profesión, con algunas nominaciones a importantes premios y algunos medianos éxitos allá en el Reino Unido; aunque aún es difícil saber si, en el estado actual de la industria, su carrera musical seguirá creciendo, o no.

Portada del CD "Feline" lanzado en Agosto del 2015 en el que se inclue "If I go" motivo de este texto

Portada del CD “Feline” lanzado en Agosto del 2015 en el que se inclue “If I go” motivo de este texto

Su irrupción en la escena musical Británica se ha visto favorecida por buenas composiciones, un sonido fresco y una voz que está más cercana a la de Amy Winehouse que a la de Adele, pero, con un carisma y una imagen mucho mejor, que la de estas otras cantantes.

La letra, es un intenso cuestionar a la pareja, acerca de la posibilidad de hacer una pausa en la relación, para encontrar un poco de crecimiento personal y sin perder la posibilidad de volver a empezar.

I could play any game for you /

Por tí, jugaría cualqueir juego

I could say anything for you /

Por tí, diría lo que sea

I could lie, I could lie, /

Podría mentir, podría mentir

Cuz you wanted a little more /

Porque tu quieres algo más

And I’m stuck in the middle on /

Y yo estoy atorada

But I try, but I try /

Pero intento, intento

But I need time and I need space /

Pero necesito tiempo y espacio

I need to live without your face /

Necesito poder vivir sin ver tu cara

But if I go will you love me, will you love me until I can? /

Pero si me voy ¿Me amarás, me amarás hasta que yo pueda amarte?

Do you know, will you want me, do you want me like that? /

¡Sabes si me querrás? ¿Me querrás así?

And if I leave, will it end, will you leave me again? /

¿Y si me voy, terminaremos, me volverás a dejar?

If I go, will you love me, will you love when I come back? /

Y si me voy ¿Me amarás, me amarás cuando regrese?

I could be what you want me to /

Puedo ser lo que tú quieras que sea

Do you hold out and let me do what I want /

¿Puedes esperar y dejarme hacer lo que quiero hacer?

What I want, /

Lo que quiero

Tell me how long you could wait ‘til you move on /

Dime cuánto podrías esperar antes de seguir adelante

and tell me that it’s too late, it’s too late /

Y decirme que ya es tarde, demasiado tarde

En cuanto a la música, la canción empieza con un juego de voces por 13”, para enseguida, darle entrada a Ella Eyre quien, por espacio de unos treinta segundos, prácticamente solo habla, si acaso alargando algunas palabras y siendo acompañada por una percusión de sonido muy grave.

Se incorpora entonces un piano, con un ritmo más acelerado, que es el preludio del primer coro en el que ya se oye también el bajo y en el que Eyre, aumenta el volumen de su voz, como para darle más énfasis a su cuestionar.

A partir del 1’06”, la canción entra totalmente en un ritmo bailable que se mantiene hasta una breve pausa hacia el final, en la que solo se escucha a Eyre y al piano, para finalmente, concluir de una forma poco usual con una presencia interesante de las voces corales de fondo.

Presento a continuación tres versiones. La primera, el video oficial, en donde la versión del disco se corresponde con esta reseña y que sin ser una idea original, es una propuesta interesante y bien lograda.

El segundo, es el de una presentación en vivo en Manchester, con motivo de Halloween, en el que el arreglo tiene un sonido un poco más Gospel ya que los coros tienen más peso y el tono en general es mucho más festivo. En esta presentación también puede apreciarse la naturalidad con la que Ella Eyre se desempeña en el escenario.

Guitarra PRS modelo Custom 24 Amber Burst, similar a la utilizada por el guitarrista que acompaña a Eyre en su presentación de Halloween 2014

Guitarra PRS modelo Custom 24 Amber Burst, similar a la utilizada por el guitarrista que acompaña a Eyre en su presentación de Halloween 2014

Finalmente, el tercero es una versión muy austera en el que Ella, un piano eléctrico y un cajón, buscan transmitir el sentimiento subyacente de la canción, que es una mezcla entre un anhelo de libertad, un deseo por continuar y un pedido de comprensión.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Ella Eyre tiene ascendencia Escocesa (su apellido real es McMahon) y Afro-Jamaicana, lo cual se nota en los ritmos y coros de su música y es una combinación que ha tenido éxito en el pasado (Música Británico – Jamaicana), con exponentes como Bob Marley, “Madness”, “The Specials” y otros.

PD 2: Al igual que algunas otras cantantes antes que ella, Ella Eyre ha llamado también la atención por su imagen y su muy particular interpretación de la moda, logrando ya aparecer en algunas portadas de revistas relevantes y representando ya a una importante firma de perfumería.

Antes que ella, fueron referentes músico-visuales, Deborah Harry (del grupo “Blondie” desde los años 70s y hasta hace muy poco en este siglo), Gwen Stefani (vocalista de “No Doubt” entre 1992 y 2012) y por supuesto, Madonna, sobretodo en sus inicios, allá por los años 80 del siglo pasado

PD 3: Parte del éxito de Eyre ha sido su colaboración con otros artistas destacados del momento (“Rudimental” en el muy influyente programa musical de TV “Later! with Jools Holland”, o con “Bastille”, entre otros); su participación en virtualmente todos los festivales importantes en el Reino Unido y su aparición frecuente en especiales de MTV.

La imagen peculiar de Eyre, un poco atípica para el mundo de la moda, le ha ayudado a ser un modelo a seguir por las jovencitas y por ende las grandes marcas se han comenzado a fijar en ellas

La imagen peculiar de Eyre, un poco atípica para el mundo de la moda, le ha ayudado a ser un modelo a seguir por las jovencitas y por ende, las grandes marcas se han comenzado a fijar en ella

PD 4: El hecho de que Ella Eyre participe en la composición de las canciones, contribuye a que su interpretación sea muy natural y creíble, lo que a su vez le permite ser muy natural en su desempeño escénico.

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Mundo Sennheiser

Dawn Magos & Limón

Hola,

Ya pasaron por este espacio, reseñas de canciones interpretadas por dúos mixtos; “The White stripes” de Estados Unidos,  “Everything but the girl” de Inglaterra y “The Kills” mitad Estadounidense y mitad Británico. En esta ocasión, daré paso a un dúo recientemente formado, integrado por Magos Herrera, Mexicana y Javier Limón, Español.

Magos Herrera se ha destacado por su incursión vocal en el Jazz, abarcando algunas de sus múltiples facetas: Jazz latino, Bolero Jazz,  y Latin-Pop entre otros; Javier Limón es un productor, compositor, cantante, pianista y guitarrista Madrileño, emparentado musicalmente con el Flamenco, con otra música Mediterránea  y con el Jazz Latino también. Pero, quizá una de las características comunes a ambos artistas es su apertura hacia formas libres y a la búsqueda de otros sonidos.

Magos está influenciada por su niñez y adolescencia urbana, pues nació y se crió en la Ciudad de México, pero también por sus raíces rurales (por parte materna) y bohemias (por parte paterna). Y habiendo vivido en la Ciudad de México, y pasado algún tiempo en Italia, en Nueva York, en la India  y en Los Angeles, ha estado expuesta y abierta a otras muchas diversas influencias.

Javier, seguramente ha tomado prestados elementos artísticos que ha experimentado a través de sus múltiples viajes y a raíz de sus muchos trabajos conjuntos con otros artistas; como productor, busca hacer proyectos que sean reconocidos por su calidad.

De su producción “Dawn”, lanzada en abril de 2014, voy a platicarles brevemente acerca del tema “Dawn”.

Es una canción que navega libremente al borde de los difusos límites del Jazz, por lo que es difícilmente clasificable.

En su austeridad estriba su brillantez; son solo la voz  de Magos y un par de cuerdas de la guitarra de Limón, las que le dan vida a la mayor parte de la canción. Y es solo a partir del 1’10”que me parece escuchar de fondo algún elemento de percusión.

La letra, según mi interpretación, plantea el desprendimiento, el dejar ser al otro,  como una forma exitosa de llevar la relación de pareja; en contraste al muy recurrido tema de la posesividad de la pareja, tan comúnmente expresado en tantas y tantas otras canciones.

“In the nature of my love

I have learned to let you go

Just like that old river flows

And its tide will find its course”

Y en una especie de tensión interna dentro de la canción, también nos indica que es posible ver, “tener” al otro, en casi cualquier evento cotidiano.

“And I see you in the rain

In the steps that lead ahead

In my voice in solitude

In everything that is true”

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Tanto Magos como Javier son hispano parlantes, lo cual, debe complicar la expresión artística en un idioma distinto, en este caso el Inglés. Un elemento atenuador en este esfuerzo de expresión es la universalidad de lenguaje de la música.

La canción es casi un mantra, tanto en la parte vocal, como en la parte de la guitarra, que transmiten Paz y Bienestar, independientemente del idioma.

PD 2: Magos y Javier estarán de gira por Europa, Estados Unidos y México en esta primavera del 2014, promoviendo el disco en el que se incluye esta canción; si te interesa verlos busca los lugares y las fechas de presentación en: http://magoslimon.com/#/calendar

portada dawn

PD 3: Por motivos históricos y afinidades culturales, esta colaboración entre Mexicanos y Españoles, es la continuación de otra serie de esfuerzos similares anteriores:

Voy a por ti: Luz Casal, cantante Española, interpretando a Ricardo Ochoa, guitarrista y compositor Mexicano; años 80s.

Cuando vengas a Madrid: Bimba Bosé (“The Cabriolets”) cantante Española, interpretando a Agustín Lara, compositor Mexicano; 2010.

PD 4: Este tema estuvo a punto de quedar fuera del disco. Fue una idea que escribió Magos antes de viajar a Madrid a grabar el disco en el verano del 2013; al llegar se lo mostró a Javier sin pensar que sería incluido en el disco pues ya estaban seleccionadas todas las canciones que lo integrarían. Sin embargo, a Javier le gustó, se sentaron a terminarlo juntos y al dia siguiente se grabó, proceso en el que se dieron cuenta de que esta canción podía ser el hilo conductor de la narrativa del disco.

PD 5: Javier Limón ha trabajado con músicos como: Paco de Lucía, Luz Casal, Ana Belén, Sole Jiménez, Anoushka Shankar, Serrat y Sabina.

Y ha obtenido varios premios Grammys como Productor,

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Because the night, Patti Smith

Hola,

Se le conoce como la Madrina del Punk; en cuestiones de arte es una ferviente creyente del “hágalo usted mismo” y hace un par de años ganó un prestigioso premio literario en Estados Unidos. Y sin embargo, fuera de un pequeño grupo de seguidores de culto, Patti Smith es prácticamente desconocida, al menos, aquí en México.

Patti Smith según el artista Stephen Kroninger

Patti Smith según el artista Stephen Kroninger

A mediados de los 70s, cuando ella vivía en Nueva York, decidió fusionar la poesía con la candidez y la humildad del Punk Rock y fue, junto con “Television”, “The Ramones” y “Blondie”, parte de la generación punta de lanza surgida del club “CBGB”, que cambió radicalmente el futuro de la música pop contemporánea.

La canción de la que voy a hablarles hoy es “Because the night”, incluida en su disco “Easter” de 1978, que es más bien una balada rock, pero interpretada con la furia característica del Punk y en especial de Patti Smith.

Portada del disco "Easter", del cual se desprende la canción "Because the night"

Portada del disco “Easter”, del cual se desprende la canción “Because the night”

Inicialmente, la letra fue escrita por Bruce Springsteen (De quien ya hemos reseñado aquí la canción “Born to Run”) y fue completada por Smith, con base en una experiencia personal acerca del significado de la noche para los amantes en espera. La intervención de Smith hace que la canción tenga un sello distintivamente femenino.

En la versión de estudio, los primeros 25 segundos se componen de una suave melodía en el piano y la voz de Smith con un efecto de eco, en los que de apoco, Smith va aumentando el volumen de su voz, mientras pasa de una petición, casi una súplica, a una invitación enfática, previo a la llegada del primer coro.

Smith con la voz y la instrumentación presidida por el piano en un ritmo ascendente y una muy energética presencia de la batería, dan paso al mensaje de la canción:

“they can’t hurt you now,                    /       Ahora ellos ya no pueden herirte

can’t hurt you now, can’t hurt you now   /        no pueden herirte, no pueden herirte

because the night belongs to lovers /       porque la noche le pertenece a los amantes

because the night belongs to lust     /       porque la noche le pertenece a la lujuria

because the night belongs to lovers /       porque la noche le pertence a los amantes

because the night belongs to us        /       porque la noche nos pertence”

De ahí en adelante, se entrelazan versos en los que Smith describe los sentimientos del amor a distancia, con el constante replanteamiento de que la noche protege al Amor.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Con Patti Smith sucede un poco como con Bob Dylan, su calidad interpretativa no es muy buena, pero, su calidad poética sí lo es.

“love is an angel disguised as lust         /             El Amor es un Angel disfrazado de lujuria

here in our bed until the morning comes  /     aquí en nuestra cama hasta que llegue la mañana”

Smith suple extraordinariamente la falta de técnica vocal, con una emoción patente al interpretar

PD 2: Esta canción fue el mayor éxito de Smith, pero, dada su inclinación hacia la inconformidad, la rebeldía y la crítica, la fama que le llegó con ella hizo que en algún momento renegara de la canción, calificándola como “basura comercial”.

El hecho de que la coescribió con Springsteen, hace que sea muy diferente al resto de su obra de esa época y haberla grabado, nos deja ver que fue lo suficientemente valiente e intrépida, como para salir de su zona de confort e intentar algo diferente.

PD 3: El productor del disco y de la canción fue Jimmy Iovine, quien ha tenido éxitos con bandas como U2 – “Rattle and hum”, Bruce Springsteen – “Born to run” (reseñada en este espacio), Dire Straits, John Lennon, Meat Loaf, Pretenders, Stevie Nicks, Tom Petty, Kansas, Gwen Stefani y otros…

PD 4: En el 2012, Patti Smith estuvo en México y se presentó en la casa estudio de Diego Rivera, Anahuacalli:   http://www.rock101.com.mx/noticias/mayo2012/pattismithconcierto.html .

Y volvió, un año después, en Mayo del 2013 cuando fue homenajeada en la Biblioteca Benjamín Franklin de la Embajada de E.U.A. : http://www.gq.com.mx/actualidad/musica/articulos/patti-smith-en-mexico-y-homenaje-en-embajada/1960

En esa ocasión también se presentó en el Plaza Condesa.

PD 5: La intensidad interpretativa de Smith solo puede llegar a apreciarse en sus presentaciones en vivo:

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

At your side, The Corrs

Hola,

Un tema presente en la música popular contemporánea, aunque no tan recurrente como el Amor, es la Amistad.

Muy en la línea del apoyo incondicional, externado en canciones como “I’ll stand by you” del grupo “Pretenders” (reseñada en este blog), “You got a friend” de Carole King o “You’re my best friend” de “Queen”, en esta ocasión hablaremos del tema “At your side”, grabado para el disco “In blue” de la agrupación Irlandesa “The Corrs”, en el año 2000.

Los hermanos Corr, que aprendieron música de sus padres, fueron muy exitosos en Europa en los 90s

Los hermanos Corr, que aprendieron música de sus padres, fueron muy exitosos en Europa en los 90s

At your side” es una balada pop, cuya letra es una declaración firme y clara de apoyo y amistad:

When the daylight’s gone,                                     /      Cuando la luz del día se ha ido,

and you’re on your own                                          /      y estás solo

And you need a friend, just to be around         /      y necesitas a un amigo, que esté ahí

I will comfort you, I will take your hand           /      yo te confortaré, tomaré tu mano

And I’ll pull you through, I will understand    /      y te sacaré adelante, yo te entenderé

La idea logra transmitirse aún mejor gracias a las armonías vocales de las hermanas Corr.

La interpretación de esta canción en el concierto acústico (“Unplugged”) es brillante, ya que deja ver el entusiasmo y la alegría de interpretar una obra propia.

Al inicio, son el piano y el violín, intrepretado por Sharon Corr, los que llevan la melodía y más adelante son dos guitarras acústicas y un bajo, también acústico, los que acompañan a la voz de Andrea Corr.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD 1: En esta versión de su concierto “Unplugged” para MTV, puede apreciarse, de izquierda a derecha, a Sharon Corr tocando el violín y haciendo coros, a Andrea Corr en la voz principal, a Caroline Corr tocando un pandero (Normalmente es la baterista) y a Jim Corr en la guitarra acústica de 12 cuerdas.

PD 2: El disco de esta presentación fue muy exitoso en Europa, llegando a vender más de dos millones de copias

PD 3: Jim y Sharon aparecieron en la cinta “The Commitments” (reseñada con anterioridad en este blog) en cuyas audiciones, fueron descubiertos por quien después fuera su manager.

PD 4: “The Corrs” aparecieron tanto en la Copa del Mundo de Estados Unidos en 1994, como en los Juegos Olímpicos de Atlanta en 1996.

PD 4: “The Corrs”, después de “The Beatles”, fueron la segunda banda en tener los lugares 1  2 en las listas de álbumes en el Reino Unido con dos discos distintos y de manera simultánea.

PD 5: Dentro de su repertorio cuentan con varias piezas Celtas, dado su origen Irlandés (Para conocer más acerca de la música pop contemporánea de Irlanda, ver la reseña “Linger”)

PD 6: “The Corrs” ha ganado el premioi Brit (el equivalente Inglés de los Grammys Estadounideneses) y ha sido nominado en un par de ocasiones al Grammy.

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Photograph, Def Leppard

Hola,

Para finales de los años setentas, el subgénero conocido como Rock Pesado estaba en crisis; sus grupos insignia, Led Zeppelin, Deep Purple y Black Sabbath, se habían desbandado parcial o totalmente y la irrupción de otras corrientes como el Rock Progresivo y el Punk estaban dominando la escena Rock.

Sin embargo, las nuevas generaciones de jóvenes adolescentes, aún ávidas de la energía que generan los guitarrazos y los tamborazos, pero separadas ya por la edad de aquellos monstruos del Rock, querían aún más.

Surge entonces en Inglaterra, un movimiento conocido como la nueva ola del rock pesado (“The New Wave of Hard Rock”), uno de cuyos principales exponentes fue “Def Leppard”

La canción a comentar en esta oportunidad es “Photograph” de su disco “Pyromania” de 1983.

 “Photograph”  es una innegable referencia a su tiempo; desde su invención y prácticamente durante todo el siglo veinte, la fotografía fue un acompañante constante en las relaciones amorosas; hay libros, películas y por supuesto, canciones, que hablan de la importancia de tener una foto (impresa) del ser amado. Hoy en día, la ubicuidad de las cámaras digitales, la accesibilidad a medios de comunicación personal y la existencia de las redes sociales, hacen irrelevante, casi incomprensible, el tema de esta canción.

Colgante con fotografía

Antes de que llegaran los teléfonos inteligentes, el instagram y las redes sociales, la fotografías eran un objeto muy relacionado a las relaciones amorosas

En cuanto a la música, los primeros 17” confirman lo dicho: un riff de guitarra fuerte y pulido, acompañado de una batería a la par de energética. Este comienzo no solamente permite identificar la canción de manera inmediata, sino que en adición, fija el mínimo de emoción y me atrevo a decir que incluso provoca alguna secreción de adrenalina.

A partir de ahí, en la canción están presentes todos los elementos propios de lo que en los 80s se conocería como “Hair Metal”: un vocalista impetuoso, un bajo potente, una segunda guitarra en sincronía con la melodía, unos coros en tono agudo y el infaltable solo de guitarra; solo que “Def Leppard” fue de los primeros en utilizarlos en aquella década.

Bajo Hamer, modelo Blitz, muy parecido a uno de los dos utilizados por Rick Savage en el video de esta canción

Bajo Hamer, modelo Blitz, muy parecido a uno de los dos utilizados por Rick Savage en el video de esta canción

Vale la pena destacar que el coro de la canción, ejecutado por varios miembros del grupo, menciona constantemente la palabra “photograph”, en medio de un diálogo musical con Joe Elliot, el vocalista principal. La entonación vocal, la letra y el acompañamiento musical en el coro, reflejan perfectamente el sentimiento de desesperación ante la distancia, tan solo reducida un poco por una fotografía, tu fotografía.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: En varias de estas reseñas hemos resaltado la importancia que tuvo MTV en el éxito de algunas canciones; en esta ocasión, sucede un poco al revés, esta canción y en general este grupo, fueron parte importante no solo para el éxito de MTV a principio de los 80s, sino que además, ayudaron a impulsar un género y a implantar una moda.

Joe Elliot Union Jack

Los panatlones ajustados y las playeras sin manga, fueron parte de la moda que estos grupos generaron a través de su imagen; muy distinta a la de los grupos de Rock PEsado de los 70s

Rick Savage

El otro elemento infaltable en el sub género del “Heavy Metal” o “Hair Metal” de los 80s, eran las abundantes melenas. Rick Savage, bajista de Def Leppard

PD 2: Los primeros 4 segundos de la canción son un guiño a “The Beatles”, ya que se escucha un sonido distorsionado (“feedback”) de guitarra, muy parecido al que aparece al inicio de  “I feel fine”

PD 3: Un elemento que pasa casi desapercibido en la canción, son los teclados que aparecen en el puente entre los versos principales y los coros,  característica poco común en el género del “Hair Metal” y que quizá le dio a “Def Leppard” un sonido un poco más pop que al resto de las bandas metaleras de los 80. En esta canción, los teclados están a cargo de un músico y técnico de sonido muy singular, llamado Thomas Dolby (Sí, el de “She blinded me with science”); aquí bajo el pseudónimo de Booker T. Boffin.

Thomas Dolby, músico muy asociado al movimiento New Wave, es el invitado improbable en esta canción a cargo de los casi imperceptibles teclados

Thomas Dolby, músico muy asociado al movimiento New Wave, es el invitado improbable en esta canción a cargo de los casi imperceptibles teclados

PD 4: “Def Leppard” es una modificación constrictiva del nombre original, “Deaf Leopard” (Leopardo sordo), que les sonaba demasiado Punk.

PD 5: “Def Leppard”, junto con The Beatles, Led Zeppelin, Pink Floyd y Van Halen, forman parte de un selectísimo grupo de 5 bandas que han logrado vender más de 10 millones de copias de dos álbumes; “Pyromania” es uno de esos discos.

Portada del disco "Pyromania", cuya imagen es escalofriantemente similar al evento que sucedería 18 años después

Portada del disco “Pyromania”, cuya imagen es escalofriantemente similar al evento que sucedería 18 años después

PD 6: El productor del disco y en gran parte responsable del sonido de Leppard y de todo lo que en consecuencia vino después, es el prolífico y exitoso productor y compositor, Robert “Mutt” Lange.

Lange ha trabajado con artistas como “Heart”, “The Boomtown rats”, “Foreigner”, “The Cars”, “Bryan Adams”, “Maroon  5”, “Nickelback”, “The Corrs”, “AC/DC”, Shania Twain (Esposa), “Loverboy”, “Starship”, Tina Turner, entre muchos otros.

PD 7: El video de “Photograph” fue dirigido por David Mallet, quien es una especie de Steven Spielberg de los videos musicales y de los videos de conciertos.

PD 8: Recuerdo muy bien la primera ocasión que escuché esta canción por el radio; era fresca, muy distinta a lo que se escuchaba entonces en México. Después, cuando vi el video, el impacto fue aún mayor. Aún conservo mi player “Union Jack”

PD 9: “Def Leppard” junto con “Van Halen”, mutuamente impulsados por MTV y apoyados en toneladas de laca para el pelo, definieron en gran parte el sonido y la imagen del Rock Pesado de los 80s; a ellos siguieron grupos como “Quiet riot”, “Mötley Crüe” “Poison”, “Night ranger”, “Kix”, “Stryper”, “Bon Jovi”, “Europe”, “Guns’n’Roses”, “Hanoi rocks”, “Cinderella” . . .

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

In only seven days, Queen

Hola,

Con anterioridad, en este mismo espacio, hemos comentado acerca de canciones que tienen como tema un día de la semana y algún sentimiento asociado a ellos (Lunes, Martes, Miércoles, Jueves,  Viernes, Sábado y Domingo).

En esta oportunidad, conversaremos acerca de una canción que utiliza todos los días de la semana, el verano,  las vacaciones y el amor; el amor de verano, tema recurrente en la música pop contemporánea.

Y para hacerlo, vamos a tomar la canción número dos, del lado dos, del L.P. Jazz, lanzado por el grupo británico “Queen” en noviembre de 1978; se trata de “In only seven days

Lego Queen

El legendario grupo Queen, en una interpretación poco conocida, pero muy bien lograda

Esta es una de las pocas canciones escritas por el introvertido bajista del grupo, John Deacon, cuya letra describe el proceso de enamoramiento durante unas vacaciones en la playa.

Musicalmente hablando, se trata de una balada pop, en la que sobresalen el piano, la muy relajada voz de Freddie Mercury y una serie de sofisticados acompañamientos y efectos con  guitarras, generados tanto por Brian May (Guitarrista), como por el propio Deacon (Normalmente, el bajista).

Lo que cautiva de esta canción es la perfecta conjunción entre la letra y la música, cuya cadencia y claridad nos permiten ir siguiendo la historia hasta fusionarnos con ella, al grado de que al finalizar, casi podemos experimentar el sentimiento del protagonista; o quizá es que nos evoca algún recuerdo.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Esta canción no fue lanzada como sencillo, pero sí como lado B del muy exitoso sencillo “Don’t stop me now”, por lo cual es bastante conocida por los fans del grupo

Freddie-Mercury-Doodle

Da click en la imagen o en la liga que está a continuación y da click sobre el símbolo de “Play” (Triángulo al centro de la imagen)

http://www.google.com/doodles/freddie-mercurys-65th-birthday

PD 2: El disco Jazz no recibió buenas críticas en su lanzamiento; quizá por su principal mérito, que consiste en que explora muy diferentes estilos musicales: Rock, Disco, World Music, Vodevil, pero ningún Jazz. En vez de la extravagancia presente en el disco “A night at the Opera”, este álbum tiene más introspección y bastante humor.

PD 3: La canción “Fun it”, número cuatro también del lado dos del L.P,, es un presagio de lo que, un poco después, sería uno de los más grandes éxitos del grupo “Another one bites the dust”

PD 4: El track tres del lado dos, “Dreamers ball”, escrita por May, es un tributo a Elvis Presley, quien tenía poco de haber fallecido. Esto hace que, junto con la multiplicidad de géneros en el disco, este L.P. tenga cierta similitud artística con el disco “London calling” del grupo “The Clash”, lanzado poco más de un año después

PD 5: Como parte del L.P. original (Vynil), se incluía un poster consistente en una foto panorámica de un evento ciclista que sirvió como parte de la promoción del disco y del sencillo “Bycicle race”; como el evento consistió en un paseo ciclista con solamente participantes femeninas sin ropa, dicho poster era difícil de pegar en la pared de los dormitorios de los adolescentes en la casa familiar.

PD 6: La portada del disco contiene una imagen con ilusión óptica, ¿Puedes notarla?

 Queen Jazz

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Avalon, Roxy Music

Hola,

A la música de los 80s se le ha criticado por el uso excesivo de sintetizadores (teclados que emulan a otros instrumentos o que producen sonidos electrónicos) y también se le ha tildado de simplona, ingenua y de baja calidad.

Las generalizaciones tienden a ocultar la verdad.

En 1982, salió al mercado el que es quizá uno de los discos más bellos, elegantes y sofisticados, no solo de la década de los 80s. Se trata de “Avalon” del grupo Británico “Roxy Music”, cuyo corte número tres, “Avalon”, es el que estaremos comentado en esta oportunidad.

Esta canción, así como el resto del álbum, es la culminación de aproximadamente 10 años de existencia del grupo, en el que experimentaron una notoria evolución artística.

Parte del encanto de “Avalon” es que es sumamente difícil de categorizar, tanto en su estilo musical, como en el contenido de su letra.

No es una balada, ya que ni siquiera habla del amor (o del desamor) y dado su ritmo lento, tampoco es bailable, aunque es estupenda para mecerse abrazado a la pareja; no es melancólica, ni alegre; es simplemente muy madura, balanceada, exacta, casi perfecta.

Musicalmente, no es Soul Blanco, no es Bossanova, ni es puramente Pop; el concepto que a mí me gusta para clasificarla es: “Art Rock “; ya que cada nota, cada intervención de algún instrumento y la irrupción de las voces, tanto del vocalista del grupo, Bryan Ferry, como la de la corista invitada, Yannick Etienne, tienen la misma función que las pinceladas en un cuadro o las sombras en una fotografía: son arte en sí mismas, tanto por su ejecución individual, como por su armónica interacción colectiva.

Comienza con la guitarra de Phil Manzanera y los teclados a cargo de Ferry, a los que se unen rápidamente unas percusiones que le dan un cierto toque latino a la canción; a los 8 segundos se incorpora el bajo que, antes de marcar el ritmo, parece entrar en una conversación con los demás instrumentos.

A los 17” entra la voz de Ferry que, en tan solo 3 versos, nos relata la fascinación instantánea, la completa rendición ante una situación altamente seductora y lo logra a través de imágenes carentes de la impetuosidad de las canciones de amor adolescente y sin recurrir a la cursilería. La canción está  enfocada en la protagonista, pero sin describirla y en lo que sucede alrededor de una fiesta que ya se acaba.

La fortuna de tener un encuentro tan agradable como fortuito y en el que al parecer hay reciprocidad, se plasma en la imagen de “Avalon”, la mítica isla semejante a un Paraíso y se describe musicalmente a la perfección, con el solo del saxofón y las vocalizaciones de Etienne.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: El ritmo suave, el uso de percusiones y sintetizadores, así como la inclusión de una voz femenina, presagia en esta canción la aparición de lo que años después se conocería como música Chill Out

PD 2: “Roxy Music”, dado el antecedente de que algunos de sus miembros fueron  estudiantes de arte, desde sus inicios fue un grupo innovador y cercano a la moda y a otras formas de arte.

En la primera parte de los 70s fueron uno de los principales impulsores de lo que se conoció como “Glam Rock”, que además de tener un estilo musical particular, se apoya en elementos escénicos como vistosos vestuarios, maquillaje, zapatos de plataforma, cabellos de colores y apariencia andrógina

Roxy Music Cartoon

El grupo Roxy Music fue uno de los impulsores del “Glam Rock” cuya imagen influyó en otros muchos artistas

Otros exponentes de esta corriente fueron: David Bowie, “Slade”, “T. Rex” / Marc Bolan, Elton John entre otros en Inglaterra y Lou Reed, Iggy Pop y “The New York Dolls” en Estados Unidos.

Esta corriente influenció notablemente a otros artistas, entre los que se encuentran: “Queen”, “Kiss”, Rod Stewart, “Twisted sister”, Prince y Marylin Manson.

Para 1982, los integrantes de “Roxy Music”  ya habían dejado atrás esa etapa y su imagen era mucho más convencional y elegante, muy acorde a la música que estaban realizando entonces.

PD 3: El video de la canción fue filmado en una finca denominada “Mentmore Towers” en Inglaterra.

En este mismo lugar se han filmado películas (“Eyes wide shut” de Stanley Kubrick, “Batman Begins” entre otras) y videos para Enya y las “Spice girls”

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“Mentmore Towers”, Locación del video de la canción y de otras conocidas filmaciones

PD 4: Todas las portadas de los 8 discos de estudio de “Roxy Music” tienen en su portada a mujeres, algunas de ellas famosas modelos de la época, como Jerry Hall (En algún momento pareja de Bryan Ferry y posteriormente esposa de Mick Jagger) y la de “Avalon” no es la excepción.

Aunque no se le puede ver el rostro, se trata de la modelo y socialité: Lucy Helmore, con quien Ferry estuvo casado 20 años y procreó 4 hijos

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PD 5: Aun siendo parte de “Roxy Music” y después de disolverse el grupo, Bryan Ferry tuvo una carrera como solista en la que abarcó géneros como el Jazz, “Motown”, “Country”, “Pop-Funk”, Cabaret-Pop”, “Soul” y el Rock’n’Roll, realizando covers a artistas como “The Beatles”, “The Rolling Stones”, Bob Dylan y John Lennon y trabajando con músicos de la talla de David Gilmour (“Pink Floyd”) o John Wetton (“Yes”)

Además del notable éxito con “Roxy Music” y como solista, Bryan Ferry fue siempre afecto a la moda, por lo que regularmente luce impecable.

Bryan Ferry

Dado su antecedente en estudios de Arte, Bryan Ferry siempre estuvo cercano a otras artes y a la moda

Roxy Music Glam 2

El “Glam Rock” era tanto una corriente musical como una imagen escénica, en la que había colores brillantes, zapatos de plataforma, maquillaje, cabello de colores y otras extravagancias

PD 6: La modelo (otra más) / Actriz que aparece en el video se llama Sophie Ward

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Imagen reciente de la modelo aparecida en el video de la canción, Sophie Ward

PD 7: Recomiendo escuchar esta canción en una noche tibia de verano, acompañado de una copa de un ben vino.

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Billy Joel, You’re my home

Hola,

El artista del cual tomaremos la canción a reseñar en esta ocasión, es ampliamente conocido y sus obras más destacadas provienen de la conjunción de su inspiración, su piano y su voz.

Sin embargo, la canción de esta semana no es ni la más conocida, ni la más exitosa, pero logra expresar perfectamente un sentimiento, utilizando una sencilla metáfora y una estructura musical simple.

Se trata de “You’re my home” proveniente del disco “Piano man” de 1973, de Billy Joel.

La canción fue escrita por Joel como regalo de San Valentín para su esposa de entonces, debido a que no tenía dinero para un regalo y habla de la seguridad que le daba la relación a Joel, equiparándola con el sentimiento de estar en un Hogar.

Pennsylvania Turnpike - Uno de los lugares mencionados en la canción

La versión en vivo del álbum “Songs in the attic” suena más cálida que la versión de estudio y nos permite imaginar a Joel como en sus inicios, tocando ante pequeñas audiencias.

En los primeros nueve segundos la introducción corre a cargo de la melodía armonizada entre dos guitarras acústicas, a las que se luego se une la voz de Joel, para cantar los primeros cuatro versos; al llegar el coro, se incorporan el bajo eléctrico y el piano.

La segunda estrofa transcurre sobre la melodía original llevada por las guitarras y el piano, hasta que poco a poco, la voz de Joel y su cómplice, el piano, toman el liderazgo, imprimen la emoción y establecen el mensaje, durante la tercera estrofa y el puente musical.

La última parte de la canción, compuesta por el segundo coro y la última estrofa, regresa a la melodía original, en la que mediante notas del piano y una pausa enmarcada entre dos intervenciones de la batería, se va preparando el gran final, en el que sin decirlo explícitamente, Joel le dice a su esposa: Te amo.

Desde la Ciudad más grande del Mundo.

JH

PD: Billy Joel, de ascendencia Judía, nació y creció en N.Y.

A la par de tener excelentes maestros de piano y para poder defenderse de los vecinos que lo molestaban debido a su gusto por la música, aprendió a boxear, logrando 22 victorias a nivel amateur, pero, retirándose cuando sufre una fractura de nariz.

PD 2: A partir de ver a “The Beatles” por televisión en 1964, Joel decidió ser músico profesional participando en diversos grupos y siendo músico de estudio desde los 16 años, a partir de 1965. Sin embargo, su carrera como solista comenzó hasta 1971 con un contrato leonino y una pésima producción de su primer LP, lo cual, lo llevó a tener que mudarse a Los Angeles en donde tuvo que conformarse con tocar en una especie de Piano Bar. Es en esa etapa donde compone “Piano man” y con base en giras y contando con un poco de suerte, fue descubierto por Columbia Records que le produjo y lanzó, el disco que lo llevaría al éxito: “Piano man” en 1973.

PD 3: Joel no guarda buenos recuerdos de su estancia en Los Angeles, su regreso a Nueva York fue como un renacimiento y lo refleja así en canciones como “Say goodbye to Hollywood” y N.Y. state of mind”

PD 4: Joel dejó la preparatoria cuando al reprobar algún examen, le faltaron los créditos suficientes para graduarse; la razón por la que reprobó fue que no pudo levantarse para ir al examen debido a que había estado haciendo presentaciones nocturnas. 25 años después, Joel envió a su preparatoria algunos ensayos y trabajos con los que logró obtener su diploma de preparatoria.

PD 5: A partir de “Piano man”, Billy Joel logró una carrera excepcional, ganando premios (a pesar de que nunca ha sido del gusto de los críticos y de que han sido públicas y notorias sus discrepancias con ellos), vendiendo más de 150 millones de discos y logrando quitarse la etiqueta de baladista, con discos como “Glass houses”, de 1980, en el que logra montarse en la ola del estilo “New Wave” o con obras más profundas y críticas como “Pressure” y adoptando exitosamente nuevos medios, como MTV, para llegar a nuevas audiencias.

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser