Archivo de la categoría: Uncategorized

Rudie can’t fail, The Clash

En la cúspide de su capacidad creativa, “The Clash” reinterpreta los ritmos caribeños que invadieron la isla Británica a finales de los 70s, para defender enfáticamente a los chicos “Rude”. De su magnífico disco de 1979, “London Calling”: “Rudie Can’t fail

Hola,

Once años de gobierno del partido Laborista en Inglaterra (de 1964 a 1970 y de 1974 a 1979), marcados por políticas populistas, estatistas y controladoras, derivaron en un perene estancamiento social y económico, con el consiguiente desempleo e inflación que culminaron en un descontento que hartó a buena parte de la sociedad inglesa y muy particularmente a su juventud.

Es bajo estas circunstancias que el movimiento Punk (musicalmente importado de N.Y.) se afianza en la juventud británica, pues logra canalizar y expresar perfectamente el sentimiento de impotencia y desesperanza reinante en aquellos momentos (Ver reseña de la canción “Anarchy in the UK”).

El mejor exponente musical del Punk es, por mucho, “The Clash” y en parte lo es, no solo por hacer una crónica inteligente e irónica de lo que estaba sucediendo en su país (y buena parte del Mundo) allá en el final de los años 70s, si no por haber sabido incorporar su actitud Punk a otros ritmos y estilos musicales, sin perder su identidad, integridad y energía.

Y eso es precisamente lo que describe a “Rudy Can’t Fail”, ya que es una canción de actitud Punk que denuncia, se rebela y se solidariza, utilizando un estilo muy cercano al Reagge jamaiquino, pero, con el inconfundible sello “The Clash”.

La letra, es una especie de diálogo entre los guitarristas y vocalistas Mick Jones y Joe Strummer, en el que uno arremeda a la gente que criticaba y se burlaba de los chicos “Rude” (“Rude Boys”. ver reseñas “Death of the Rude Boy” y “A message to you Rudy”) y el otro contesta defendiéndose, como si fuera uno de ellos.

“Hear them sayin’                                      /    Los oigo decir:

How you get a rude and a reckless?     /    ¿Cómo distingues a un descortés e imprudente?

Don’t you be so crude and a feckless   /    No seas tan violento e irresponsable

You been drinking brew for breakfast      /       Bebiste cerveza de desayuno

Rudie can’t fail                                            /    No falla, es un Rudie

Letra de la cacnión impresa en la funda del disco LP en Vynil

Letra de la canción impresa en la funda del disco LP en Vynil

El valor de la canción está en su interpretación, pues tiene muchos elementos como para parecerse significativamente a un ritmo Reagge, pero, conserva un estilo muy particular de “The Clash”: Las voces se alternan entre Jones y Strummer, pero no de manera melódica, sino más bien como recreando una conversación muy casual entre dos jóvenes, totalmente  despreocupados por lo que los demás piensan de ellos. También la distinguen, la velocidad en la ejecución y la inclusión de una frase-himno que raya en el Pop: “Rudie can’t fail”.

En todo caso, es otra canción pegajosa, cuyo principal valor es la crónica muy precisa de una época y con un sonido bastante atemporal, que al menos, invita a seguir el ritmo si no es que a intentar algunos pasitos de baile jamaiquino.

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Podrían escribirse muchas páginas acerca del álbum “London Calling”, en esta postdata solamente mencionaremos algunas de sus distinciones:

Según la revista Rolling Stone 1987, 100 mejores álbumes:  Lugar 14

Revista Rolling Stone 1989: Mejor disco de la década de los 80s

Revista NME 1993, los mejores álbumes de los 70s:  Lugar 6

Revista Q 1999, los 100 mejores discos de Gran Bretaña: Lugar 4

Revista Rolling Stone 2002, 500 mejores discos de la historia: Lugar 8

PD 2: Buena parte del sabor jamaiquino de la canción se debe a la inclusión de una sección de metales (Trompeta, saxofón, trombón), ya que “The Clash”, tenía la clásica formación del Rock’n’Roll: dos guitarras, un bajo y una batería.

Esta prestigiosa sección de metales se agrupa bajo el nombre “The Irish Horns”, quienes han trabajado en conjunto o como solistas con gente como: Graham Parker, “Katrina and the Waves”, U2, “The Boomtown Rats”, Cliff Richard, Elvis Costello, Rory Gallagher, Phil Lynott y muchos más.

PD 3: El álbum fue producido por Guy Stevens, quien previamente había trabajado con “Mott the hoople” (“All the Young dudes”) y con “Traffic” (Que incluía entre sus miembros a músicos de la talla de Steve Winwood y Jim Capaldi) y cuyos métodos de grabación se consideraban poco ortodoxos, pero que compaginaron con los miembros de “The Clash” ayudándolos a formar un grupo compacto y comprometido, lo cual se nota destacademente en el disco.

PD 4: El disco fue grabado en los Estudios Wessex en Londres, donde también grabaron, entre otros, “The Sex Pistols” y “The Pretenders”

Stevens murió de manera trágica al poco tiempo de publicarse su obra maestra.

PD 4: Al final de la canción, la letra hace referencia hacia una de las prendas características de los “Rude Boys”, el sombrero tipo “Pork Pie”.

 

En la letra de la canción, se hace mención específica a este tipo de dombreros, típiocos de los "Rude Boys" "You think you're pretty hot In your pork pie hat But...Rudie can't fail"

En la letra de la canción, se hace mención específica a este tipo de sombreros, típicos de los “Rude Boys”
“You think you’re pretty hot
In your pork pie hat
But…Rudie can’t fail”

 

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Anuncios

A message to you Rudy, The Specials

Un mensaje deliciosamente atemporal, simple y cadencioso; la vida es divertida, pero mejor, empieza a pensar en el futuro. De su álbum homónimo “The Specials” de 1979: “A message to you Rudy”

Hola,

Ya en alguna reseña anterior, comenté acerca de la subcultura que se desarrolló en Inglaterra alrededor de un renacimiento de los ritmos caribeños SKA y Rocksteady, a finales de los 70s y en parte de los años 80s del siglo XX.

Este movimiento abarcó, desde una moda, en la que predomina el uso de las prendas ajustadas en blanco y negro, hasta el posicionamiento político y social, respecto de temas como la unidad racial o el estancamiento económico prevaleciente en esa época.

Uno de los miembros fundadores de “The Specials, Jerry Dammers, creó en 1979 la compañía discográfica “2 Tone Records”, que fue la plataforma de lanzamiento del aspecto musical del movimiento; su influencia fue tal, que a dicha subcultura se le conoce, precisamente, como “Two Tone Movement”.

A los jóvenes seguidores de este movimiento se les conocía coloquialmente como “Rude Boys”; Rudy funciona entonces, como un apelativo en diminutivo a esta denominación”

La canción “A message to you Rudy”, es una reinterpretación a la original de 1967 “Rudy, a message to you” del artista Jamaiquino Dandy Livingstone.

La letra, en un sorprendente ejercicio de madurez, reconoce que la juventud es una etapa esencialmente para divertirse, pero que eventualmente hay que superarla y sentar cabeza.

“Stop your messing around (ah-ah-ah)         /          Deja ya de tontear

Better think of your future (ah-ah-ah)           /          Mejor piensa en tu futuro

Time you straighten right out (ah-ah-ah)     /          Es tiempo de formalizar

Creating problems in town (ah-ah-ah)          /          y dejar de causar problemas”

O, tal vez, también podría interpretarse como una irónica rebeldía ante la muy complicada situación que enfrentaron aquellos jóvenes: violencia, desempleo, discriminación . . .

Musicalmente “A message to you Rudy” tiene un ritmo “Rocksteady”, que es un estilo musical surgido en Jamaica a finales de los años 60s y que es un puente entre el mucho más dinámico SKA y el más cadencioso Reagge, ritmos jamaiquinos que le antecedieron y precedieron, respectivamente.

La canción empieza con el bajo marcando el ritmo a la par de unos casi imperceptibles teclados, que acompañan a una armónica que recita la tonada; entra enseguida un redoble de batería, que le abre el paso a una trompeta y a un trombón; que son los elementos predominantes hasta el final de la canción.

A lo largo de la canción se destacan tres particularidades; 1) no hay un vocalista principal, sino tres. 2) Dos de los vocalistas son de raza negra con un marcado acento jamaiquino, lo cual, le da un sello único a la canción y 3) el solo instrumental está a cargo del trombón.

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: El sencillo de “A message to you Rudy” fue publicado bajo el sello dicográfico “2 Tone”, que fue fundado por el tecladista del grupo Jerry Dammes. La canción y el álbum fueron producidos por otro brillante músico Británico, Elvis Costello. Dammers junto con el bajista Horace Panter y el diseñador gráfico John “teflon” Sims crearon el logo que se convirtió en el sello del movimiento SKA ochentero.

220px-Specials_Message_to_You_Rudy_single_cover

El sencillo de “A message to you Rudy” resume tanto musical, como graficamente, al movimiento del renacimiento del SKA

 

PD 2: Además de la versión original y este exitoso cover, existen otras versiones y adaptaciones por grupos como: “The Mescaleros”, Los fabulosos Cadillacs, “Madness” (de quienes ya hemos reseñado en este mismo espacio), Pete Doherty, “Barenaked ladies” y la vocalista Amy Winehouse. Pero nada como conocer el original:

PD 3: Terry Hall, el vocalista de raza blanca, ha tenido algunos otros proyectos y colaboraciones, como su grupo new wave “fun boy three”, o participaciones con Dave Stewart, “Bananarama”, “Lightning Seeds”, Sinéad O’Connor, Gorillaz, o Lily Allen.

El grupo “No Doubt” (de quienes ya hemos comentado en este espacio) lo tuvo como cameo en el video de su canción “Sunday morning”. “No doubt” se formó influenciado en la música rocksteady de bandas como “The Specials”, “Madness” y “The Beat”.

PD 4: Tanto los miembros del grupo, como los jóvenes fans del movimiento, adoptaron una moda muy característica en la que predominan el blanco y el negro, los pantalones un tanto cortos, los zapaos tipo “loafers” y el sombrerillo tipo “Trillby” o “Porkpie”

 

Aquí los miembros de "The Specials" portando los clásicos uniformes de los chicos Rude

Aquí los miembros de “The Specials” portando los clásicos uniformes de los chicos Rude

PD 5: Rico Rodríguez, de origen cubano, es el trombonista que participó tanto en la grabación de la canción, como en el video promocional de la misma y que también participó en la grabación de la versión original de Dandy Livingstone. Es un muy distinguido músico SKA.

PD 6: Al igual que otras muchas agrupaciones, “The Specials” tuvo un reciente regreso a los escenarios. Aquí, podemos ver su capacidad de convocatoria y su forma de involucrar emocionalmente al público; en una presentación en el prestigioso festival “Isle of Wight” en el 2014:

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Los números de 2014

Los duendes de las estadísticas de WordPress.com prepararon un informe sobre el año 2014 de mi página blog: La canción de la semana

Aquí hay un extracto:

La sala de conciertos de la Ópera de Sydney contiene 2.700 personas. Este blog ha sido visto cerca de 13.000 veces en 2014. Si fuera un concierto en el Sydney Opera House, se se necesitarían alrededor de 5 presentaciones con entradas agotadas para que todos lo vean.

Haz click para ver el reporte completo.

Death of the Rude Boy, Madness

Hola,

En los años 60s, se desarrolló una subcultura pop en Jamaica derivada de los estilos musicales “Ska” y “Rocksteady”. Como otros muchos movimientos musicales de la segunda mitad del siglo XX, este movimiento trascendió la música e influenció la forma de hablar e incluso la forma de vestir, de sus jóvenes seguidores; los ceñidos trajes obscuros y el sombrerillo tipo “Trilby” son su marca distintiva y genéricamente se les conoce como “Rude Boys”.

Sombrero tipo "Trilby", sello distintivo de los "Rude Boys"

Sombrero tipo “Trilby”, sello distintivo de los “Rude Boys”

En agosto del 2012, sale al mercado la canción “Death of a Rude Boy” (La muerte de un chico rudo), contenida en el disco “Oui, oui, si, si, ja, ja, da, da” del grupo Británico “Madness”.

El logotipo del grupo "Madness" presenta la imagen de típica de un "Rude Boy"

El logotipo del grupo “Madness” presenta la imagen de típica de un “Rude Boy”

Pero, ¿Cómo es que se relaciona una canción del 2012 con un movimiento de 50 años atrás? La respuesta es: a través de la música.

Jóvenes Jamaiquinos que emigraron a Inglaterra llevaron consigo, entre otras cosas, su música; es así como llegan a la Isla el “Ska” y el “Rocksteady”. En los años 70s, estos estilos se vigorizaron con la energía Punk y tomaron un segundo aire, esta vez a través de grupos ingleses racialmente mixtos, principalmente “The Specials” y “The Beat”; pero es la agrupación “Madness”, quien, en los años 80s, lleva el estilo a las multitudes y a la internacionalización.

Logo que representa a los fans del sonido "2 Tone", del que "Madness" es el representante más exitoso Walt Jabsco ("Rude boy" bailando con Betty Beat

Logo que representa a los fans del sonido “2 Tone”, del que “Madness” es el representante más exitoso
Walt Jabsco (“Rude boy” bailando con Betty Beat)

A “Madness” se le recuerda, casi exclusivamente, por su estilo desenfadado, casi cómico; pero la letra de la canción “Death of a Rude Boy” es un ejercicio elegante e inteligente de admiración y reconocimiento, a lo que solía representar ser un “Rude Boy”.

“He told me when you feel you want to run  /    El me dijo, cuando sientas que quieres correr

You have to learn to stand and fight                /    Tienes que aprender a pararte y pelear

He told me son when all is said and done     /    El me dijo, hijo, cuando todo se ha hecho y dicho

You must stand up for what is right                 /    Tienes que respaldar lo que es correcto

Stay on the side of conscious                             /    Mantente del lado de la Conciencia

Make sure you live in light                                  /    Asegúrate de vivir en la Luz

Don’t go down, don’t fool around                    /    No te rebajes, no te hagas el tonto

Hold your ground                                                   /    Defiende tu territorio

Don’t be proud                                                        /    No seas soberbio

Make sure that love is in your life                    /    Y asegúrate que hay Amor en tu vida”

La canción comienza con la declaración vocal de la muerte de un chico “Rude”, a la que se le unen un bajo de sonido lúgrube y unos metales ominosos; la parte chusca, inherente a la esencia de la banda, se da con el sonido de los teclados, que nos remiten a la banda sonora de alguna muy antigua película de terror de medio pelo.

A los 26 segundos y a manera de homenaje, comienza la descripción de los modos y actitudes del chico “Rude”; paralelamente, la música cambia a un ritmo de muy reconocible ascendencia jamaiquina; este ciclo se repite deliciosamente por dos minutos, en donde se incrusta un fragmento cercano al rap y de ahí, la pieza se desliza hacia su final repitiendo la frase que más que duelo, expresa admiración.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: El lanzamiento gratuito de esta canción por internet, marcó el regreso oficial de la banda, después de 10 años de no acudir a los estudios de grabación. Y lo hicieron en grande, llegando a la posición 10 de la lista de álbumes en el Reino Unido.

PD 2: El estilo único, ligero, divertido y a la vez comprometido de “Madness”, les hizo ser el grupo que más semanas permaneció en las listas de popularidad de sencillos en Inglaterra, en la década de los 80s del Siglo XX, logrando posicionar 15 canciones en los primeros 10 lugares.

PD 3: “Madness” es singular en varios sentidos; está compuesta por 7 miembros: los 5 clásicos, guitarra, bajo, batería, teclados y vocalista; más, saxofón y trompeta/vocalista/bailarín. Y en la actualidad, todos continúan con la banda.

En alguna ocasión, escuché en una entrevista con el vocalista de un grupo de Ska mexicano, que al estar de gira por Europa con “Madness”, lo que más le llamó la atención es que llevaban a sus esposas y a sus bebés a todos lados durante el tour.

A pesar de su éxito, longevidad e influencia, nunca han recibido un reconocimiento importante por parte de la industria de la música.

PD 4: El vocalista principal, Graham McPherson, alias “Suggs”, se ha mantenido vigente en Inglaterra como conductor de radio y de televisión, así como actor de cine y teatro y como comediante y escritor. Su apodo lo tomó aleatoriamente de una enciclopedia de Jazz.

Su muy peculiar estilo para moverse en el escenario es parte del sello visual de “Madness”.

PD 5: “Madness” fue uno de los grupos que influenció la creación de otra banda que hemos ya reseñado en este espacio: “No doubt

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Bring me to life Evanescence

Hola,

Canciones con letras introspectivas, muchas veces referidas a situaciones deprimentes, envueltas por sonidos  cavernosos  e interpretadas por artistas muy pálidos, de cabellos oscuros y con voces muy graves, seguramente pertenecen al subgénero Goth (o Gótico), que surgió a finales de los 70s en Inglaterra.

Obvios referentes seminales que influenciaron el surgimiento de esta música son: Lou Reed y su grupo “Velvet Underground”, David Bowie (pre 80s), Black Sabbath, Jim Morrison, Alice Cooper  y Leonard Cohen. Mientras que la imagen de los rockeros y fans góticos, está fuertemente influenciada por el romanticismo
inglés del siglo XVIII, más precisamente por los géneros literarios Romanticismo Obscuro y Horror Gótico, del cual se toman los elementos de maquillaje y vestuario tan fácilmente identificables. En México, son mejor conocidos como Darketos.

Vestimenta Goth actualizada

La canción de esta semana es “Bring me to life”
del disco del 2003, “Fallen”, del
grupo Gótico originario de Little Rock, Arkansas, Evanescence.

Paradójicamente, la letra de esta
canción
no es obscura, sino que habla de un proceso de toma de conciencia
espiritual que contiene claras referencias a imágenes que bien podrían pasar por
Cristianas y que hicieron que esta canción fuera catalogada como “Christian
Rock”  y fuese fuertemente difundida en
estaciones de radio cristianas (en Estados Unidos):

“Wake me up inside                                                    “Despierta
mi interior

Call my Name and save me from the dark”      Dí mi Nombre y sálvame de la oscuridad”

Musicalmente hablando, “Bring me to life”
es una pieza no muy rápida en la que predominan la voz de Amy Lee y un sonido
de guitarra bastante cercano al Metal

Desde la Ciudad más grande del Mundo.

JH

PD: Algunos de los más destacados y conocidos representantes del Goth Rock son: “The Cure”, “Siouxie and the Banshees”, “Bauhaus” / “Peter Murphy”, “The Misson UK”, “The Cult”, “The Sisters of mercy” y “Joy Division”, entre otros.

 

 

Siouxie Sioux y Robert Smith ("The Cure") indudablemente influenciaron la moda Dark

Siouxie Sioux y Robert Smith (“The Cure”) indudablemente influenciaron la moda Dark

 

PD 2: “Bring me to life” llevó a “Evanescence” a ser reconocidos internacionalmente, logrando colocarse en el Top 10 en más de 20 listas, vendiendo alrededor de un millón de sencillos y 17 millones de copias del álbum “Fallen” del cual se desprende.

PD 3: En la Ciudad de México es común encontrar Darketos (seguidores del Rock Gótico) en lugares como el tianguis (mercado de pulgas) del Chopo y en los alrededores de Ciudad Universitaria y son fácilmente identificables por su vestimenta totalmente negra, el cabello largo y oscuro y el uso generoso de rímel.

PD 4: Desde 1997 y hasta el 2003, solo dos grupos con cantantes femeninas lograron colocarse tan exitosamente en las listas: “No Doubt” con Gwen Stefani y “Evanescence” con Amy Lee.

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Dawn Magos & Limón

Hola,

Ya pasaron por este espacio, reseñas de canciones interpretadas por dúos mixtos; “The White stripes” de Estados Unidos,  “Everything but the girl” de Inglaterra y “The Kills” mitad Estadounidense y mitad Británico. En esta ocasión, daré paso a un dúo recientemente formado, integrado por Magos Herrera, Mexicana y Javier Limón, Español.

Magos Herrera se ha destacado por su incursión vocal en el Jazz, abarcando algunas de sus múltiples facetas: Jazz latino, Bolero Jazz,  y Latin-Pop entre otros; Javier Limón es un productor, compositor, cantante, pianista y guitarrista Madrileño, emparentado musicalmente con el Flamenco, con otra música Mediterránea  y con el Jazz Latino también. Pero, quizá una de las características comunes a ambos artistas es su apertura hacia formas libres y a la búsqueda de otros sonidos.

Magos está influenciada por su niñez y adolescencia urbana, pues nació y se crió en la Ciudad de México, pero también por sus raíces rurales (por parte materna) y bohemias (por parte paterna). Y habiendo vivido en la Ciudad de México, y pasado algún tiempo en Italia, en Nueva York, en la India  y en Los Angeles, ha estado expuesta y abierta a otras muchas diversas influencias.

Javier, seguramente ha tomado prestados elementos artísticos que ha experimentado a través de sus múltiples viajes y a raíz de sus muchos trabajos conjuntos con otros artistas; como productor, busca hacer proyectos que sean reconocidos por su calidad.

De su producción “Dawn”, lanzada en abril de 2014, voy a platicarles brevemente acerca del tema “Dawn”.

Es una canción que navega libremente al borde de los difusos límites del Jazz, por lo que es difícilmente clasificable.

En su austeridad estriba su brillantez; son solo la voz  de Magos y un par de cuerdas de la guitarra de Limón, las que le dan vida a la mayor parte de la canción. Y es solo a partir del 1’10”que me parece escuchar de fondo algún elemento de percusión.

La letra, según mi interpretación, plantea el desprendimiento, el dejar ser al otro,  como una forma exitosa de llevar la relación de pareja; en contraste al muy recurrido tema de la posesividad de la pareja, tan comúnmente expresado en tantas y tantas otras canciones.

“In the nature of my love

I have learned to let you go

Just like that old river flows

And its tide will find its course”

Y en una especie de tensión interna dentro de la canción, también nos indica que es posible ver, “tener” al otro, en casi cualquier evento cotidiano.

“And I see you in the rain

In the steps that lead ahead

In my voice in solitude

In everything that is true”

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Tanto Magos como Javier son hispano parlantes, lo cual, debe complicar la expresión artística en un idioma distinto, en este caso el Inglés. Un elemento atenuador en este esfuerzo de expresión es la universalidad de lenguaje de la música.

La canción es casi un mantra, tanto en la parte vocal, como en la parte de la guitarra, que transmiten Paz y Bienestar, independientemente del idioma.

PD 2: Magos y Javier estarán de gira por Europa, Estados Unidos y México en esta primavera del 2014, promoviendo el disco en el que se incluye esta canción; si te interesa verlos busca los lugares y las fechas de presentación en: http://magoslimon.com/#/calendar

portada dawn

PD 3: Por motivos históricos y afinidades culturales, esta colaboración entre Mexicanos y Españoles, es la continuación de otra serie de esfuerzos similares anteriores:

Voy a por ti: Luz Casal, cantante Española, interpretando a Ricardo Ochoa, guitarrista y compositor Mexicano; años 80s.

Cuando vengas a Madrid: Bimba Bosé (“The Cabriolets”) cantante Española, interpretando a Agustín Lara, compositor Mexicano; 2010.

PD 4: Este tema estuvo a punto de quedar fuera del disco. Fue una idea que escribió Magos antes de viajar a Madrid a grabar el disco en el verano del 2013; al llegar se lo mostró a Javier sin pensar que sería incluido en el disco pues ya estaban seleccionadas todas las canciones que lo integrarían. Sin embargo, a Javier le gustó, se sentaron a terminarlo juntos y al dia siguiente se grabó, proceso en el que se dieron cuenta de que esta canción podía ser el hilo conductor de la narrativa del disco.

PD 5: Javier Limón ha trabajado con músicos como: Paco de Lucía, Luz Casal, Ana Belén, Sole Jiménez, Anoushka Shankar, Serrat y Sabina.

Y ha obtenido varios premios Grammys como Productor,

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Effect and cause, The white stripes

Hola,

A lo largo de la historia de la música pop contemporánea, ha habido algunas parejas famosas y exitosas, contándose entre estas:

Sony y Cher, en los 60s

Music File Photos - The 1960s - by Chris Walter

Ike & Tina Turner, también en los 60s

IkeTina2

Karen y Richard Carpenter (“The Carpenters”), en los 70s

carpenters

Annie Lennox y Dave Stewart (“Eurythmics”) en los 80s.

eurythmics

Aunque este tipo de agrupaciones, parejas mixtas, han sido excepción más que norma, a partir de los años 90 del siglo XX han seguido surgiendo algunos otros dúos interesantes para escuchar.

En esta ocasión, comenzaremos con “The White Stripes”. Formados en 1997, este dúo toma prestado del Blues la temática y parte de su sonido; del Punk su extrema simplicidad y el tratamiento de ciertos temas y del Garage Rock su sonido deliberadamente burdo, casi amateur.

"The white stripes" Otro dueto exitoso, surgido en 1997

“The white stripes”
Otro dueto exitoso, surgido en 1997

La mayor parte de sus canciones incluyen solo 3 elementos musicales: i) Percusiones, a cargo de Meg White, autodidacta, ii) guitarra iii) y voz a cargo de Jack White; o, Piano, percusiones y voz. Este minimalismo sónico, rebasa incluso la simplicidad del sonido Punk de los 70s.

En adición, para buena parte de sus grabaciones, los White, sobretodo Jack, utilizaron instrumentos antiguos, así como amplificadores y consolas de grabación, viejas también (aunque en ocasiones combinando gadgets digitales para lograr ciertos sonidos que compensaran un poco la falta de instrumentos).

jack white gretsch rancher

Guitarra Gretsch modelo Rancher Rita Hayworth, como la utilizada por JAck White en su presentación en el programa Jools Holland Later!

Elegir una canción de “The white stripes” para reseñar, no fue nada fácil, ya que su sonido alternativo no es sencillo de asimilar. “Effect and Cause” es una canción con una letra inteligente, un mensaje original y un sonido muy simple. Es el track 13 de su disco del 2007 “Icky thump”.

La letra es una muestra del ingenio creativo de Jack White, en la que describe cierto tipo de comportamiento manipulador, por el que una persona crea un problema y luego enfoca la discusión en la reacción del afectado.

“Well first came an action and then a reaction

But you can’t switch ‘em ‘round for your own satisfaction”

Bien, primero viene la acción y después la reacción

Pero no puedes intercambiarlas solo para tu satisfacción

En la versión en vivo que estoy presentando a continuación, es sumamente interesante observar y escuchar  como Jack White utiliza el canal derecho y el canal izquierdo para cantar difrerentes frases de la canción, lo cual, enfatiza la principal dualidad tema de la misma: Causa-efecto, acción reacción.

……

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: A pesar de tener  un sonido alternativo difícil de asimilar, “White Stripes” tuvo bastante éxito; colocó canciones en los primeros lugares de las listas tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido y ganó varios importantes premios como Grammys, Brits (El equivalente Británico de los Grammys) y MTVs

PD 2: En parte debido a su originalidad y en parte a lo prolífico y artísticamente inquieto que es Jack White, es que músicos de la talla de “The Rolling Stones”, Alicia Keys, Jimmy Page (“Led Zeppelin”), “The Edge” (U2) o Norah Jones, han buscado trabajar con él. En este espacio hemos reseñado la excelente “Shakin’ all over” en colaboración con la leyenda del género “Rockabilly”, Wanda Jackson.

PD 3: Una caracterísitca de “White Stripes” es el uso exclusivo de los colores rojo, negro y blanco para las portadas de sus discos y para sus presentaciones en vivo. Esta idea viene de Jack White quien como tapicero en su adolescencia, tuvo la oportunidad de trabajar con telas y colores.

La versión del disco "Icky thump" en memoria USB, también mantuvo el uso exclusivo de los colores Blanco, Rojo y Negro

La versión del disco “Icky thump” en memoria USB, también mantuvo el uso exclusivo de los colores Blanco, Rojo y Negro

White ha declarado que el uso de estos tres colores era deliberado, pues son colores que, combinados, causan de manera natural un impacto emocional en los seres humanos.

La importancia de la combinación de estos colores, desde hace mucho tiempo, queda manifiesrta en el interesante  artículo “Red as Blood, White as Snow,Black as Crow: Chromatic Symbolismof Womanhood in Fairy Tales” / Rojo como la sangre, blanca como la nieve, Negro como cuervo: El Simbolismo Cromático de la condición de mujer en los cuentos de hadas, del Antropólogo Francisco Vaz da Silva.

Y muchos diseñadores contemporáneos  lo han plasmado también en logotipos exitosos.

Los colores Blanco Rojo y Negro son de gran impacto para el ser humano, por eso se usan frecuentemente para transmitir ideas o provocar emociones

Los colores Blanco Rojo y Negro son de gran impacto para el ser humano, por eso se usan frecuentemente para transmitir ideas o provocar emociones

PD 4: Por mucho tiempo, Jack y Meg decidieron presentarse ante el público como hermanos, cuando en realidad eran esposos y aunque se divorciaron, todavía siguieron un tiempo como pareja artística. Contrario a la costumbre, fue Jack el que tomó el apellido de su esposa.

Después de divorciarse de Jack, Meg se casó con Jackson Smith, hijo de la cantante y escritora Patti Smith, de quien recientemente reseñé su canción “Because the night” en este blog.

Jack, viene de una familia Católica y poco antes de dedicarse a la tapicería y a la música, estuvo a punto de inscribirse en un Seminario para convertirse en Sacerdote.

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

When you were mine; Cyndi Lauper

Hola,

Su más grande éxito le permitió ser reconocida mundialmente, pero también la dejó asociada con una imagen de frivolidad, que a la larga no le hizo justicia a su música.

Se trata de Cyndi Lauper, compositora, cantante, escritora y actriz, cuya imagen “misfit” (inadaptada, desajustada) y el tono despreocupado, casi infantil, del video de su canción “Girls just wanna have fun” (Las chicas solo quieren divertirse), perduraron más en la mente del público, que la calidad de su música.

Cyndi Lauper fue modelo a seguir por quienes salían de la moda; era la Reina del look misfit

Cyndi Lauper fue modelo a seguir por quienes salían de la norma; era la Reina del look misfit

En esta ocasión, comentaré acerca de una canción escrita por otro gran menospreciado de la industria de la música pop: “Prince”, en la versión lograda por Cyndi Lauper en su muy exitoso disco de 1983,“She’s so unusual” (Ella es tan inusual): “When you were mine”.

Prolífico, cambiante, perdurable, compositor, cantante y bailarín; Prince  es un genio de la música, poco apreciado

Prolífico, cambiante, perdurable, compositor, cantante y bailarín; Prince es un genio de la música, poco apreciado

La letra de la canción se refiere al reclamo a una ex pareja, por haberlo dejado por otro. Nada sofisticado, nada poético, pero con ciertas frases con doble sentido que, en la versión de “Prince” suenan explícitas (para su época, 1980) y en la de Lauper resultan, al menos, confusas.

Musicalmente hablando, cualquiera de las dos versiones son reflejo de su tiempo; melodías simples y pegajosas acompañadas de sintetizadores prominentes.

La versión de Prince es, como la mayor parte de su música, sumamente bailable, aunque más cerca del New Wave que del Funk que lo caracterizó en buena parte de su carrera.

Prince, When you were mine

La versión en vivo de una presentación de Cyndi Lauper en el festival de Basel Suiza del 2008, nos muestra las capacidades interpretativas de Lauper, que sigo siendo la Reina del look misfit, que puede tocar guitarra y que, en sus propias palabras sabe ¡rockear!

Guitarra semi acústica Ovation CC257, comoo la utilizada por Lauper en su presentación del festival Basel en el 2008

Guitarra semi acústica Ovation CC257, como la utilizada por Lauper en su presentación del festival Basel en el 2008

Mirar del minuto 1’20”  a 4’36”

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: El disco “She’s so unusual” ha vendido más de 22 millones de copias en el mundo y en total, ha colocado más de 50 millones entre todas sus obras.

PD 2: También, fue el primer disco debut femenino en lograr, consecutivamente, 4 temas en el Top 5 de la lista Hot 100 de Billboard

PD 3: Cyndi Lauper es de las poquísimas artistas que cuentan en su haber con al menos un Grammy (Música) , un Emmy (Actriz de TV), un Tony (Guión y música para una obra de Teatro) y un MTV Video Music Award.

PD 4: Cyndi Lauper, junto con Madonna, quien surgió prácticamente al mismo tiempo que ella, dictaron la moda de miles de jovencitas a principio de los 80s; y sin ellas, no podría entenderse a otras artistas posteriores que usaron su imagen y los videos para sobresalir.

Sus looks estridentes más el advenimiento de MTV, hicieron que tanto Lauper como Madonna fueran imitadas por miles de jovecitas en los 80s

Sus looks estridentes más el advenimiento de MTV, hicieron que tanto Lauper como Madonna fueran imitadas por miles de jovecitas en los 80s

PD 5: Lauper es una de esas artistas, sin las cuales, MTV no hubiera sido lo que fue . . . y viceversa.

Al igual que con un puñado más de artistas, la simbiosis entre Lauper y MTV fue de sump provecho para ambos

Al igual que con un puñado más de artistas, la simbiosis entre Lauper y MTV fue de sumo provecho para ambos

PD 6: En su momento, la letra de la canción “Girls just wanna have fun”, se interpretó como una declaración feminista, casi como un himno de liberación.

Lauper fue un ícono feminista en su momento por su mega éxito "Girls just wanna have fun"; pero, lamentablemente, también le imprimió una imagen de chica chistosa que no le hace honor a sus capacidades interpretativas

Lauper fue un ícono feminista en su momento por su mega éxito “Girls just wanna have fun”; pero, lamentablemente, también le imprimió una imagen de chica chistosa que no le hace honor a sus capacidades interpretativas

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Friday I’m in love, The Cure

Hola,

En esta ocasión es el turno del viernes, día que en muchos países es el preámbulo del fin de semana y por lo tanto, es un día de espíritu divertido.

Acorde con dicho carácter, la canción que he elegido para reseñar en esta oportunidad y que habla del viernes, es una obra simple y alegre.

Se trata de “Friday I’m in love” del grupo inglés “The Cure”, surgida del disco “Wish” de 1992.

Esta canción es la antítesis de la obra de “The Cure”; identificados con movimientos como el “Goth”, que hacen énfasis en temas como la melancolía o la  franca depresión, la muy deliberada alegría inyectada a este tema, desconcertó a muchos de los seguidores del grupo.

Pero por otra parte, desde los primeros acordes es totalmente claro que se trata de una canción de “The Cure”, es decir, tiene su inconfundible sello.

La canción tiene dos partes, un poco al estilo de algunas canciones de “The Beatles”, en las que dos historias aparentemente inconexas, conviven en la letra.

La historia principal es una argumentación de porque el viernes es el mejor día de la semana, opinión resumida en la frase “Friday I’m in love” / El viernes me enamoro. La otra parte, es un relato de su pareja teniendo un almuerzo a la media noche.

Comienza con una parte instrumental que dura 30 segundos, en los que el riff de la guitarra ya denota el ánimo festivo de la canción y a un ritmo que definitivamente invita a saltar y a girar; a continuación entra Robert Smith, con una interpretación luminosa, bastante distinta a las melancólicas que suele ofrecer y la canción concluye con otros 30 segundos instrumentales que incluyen tarareos y juguetones sonidos provenientes del teclado y la guitarra.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: A lo largo de la existencia de “The Cure”, el motor del mismo y prácticamente el único miembro permanente desde 1977, ha sido su icónico vocalista Robert Smith.

robert_smith_by_danieltorazza

Robert Smith, fundador de The Cure y figura icónica del movimiento Goth

Caifanes

La imagen y la música de The Cure ha sido influencia para muchos grupos alrededor del Mundo; la banda mexicana Caifanes es un ejemplo

PD 2: A finales de los 70s, “The Cure” y el grupo “Siouxie and the Banshees” compartían la misma compañía disquera e hicieron una gira juntos en la que Robert Smith tocó para ambas bandas. Despuçes, en 1983, Smith participaría en la grabación del disco “Hayena” de “Siouxie and the Banshees” y en la gira de su promoción.

Siouxie Sioux & Robert Smith

Robert Smith y Siouxie Sioux.
¿Quién le copió el look a quién?

PD 3: En el video de la canción puede observarse al guitarrista en turno de la banda, Porl Thompson, utilizando una guitarra Hopf modelo Saturn 63

HopfSaturn63

Guitarra Hopf modelo Saturn 63 como la utilizada en el video por Porl Thompson. Existen réplicas recientes fabricadas por la casa Emerson

El mismo Thompson fue el encargado de diseñar la funda del sencillo

Fridayimin_cov

Funda del sencillo diseñada por el guitarrista del grupo.
Por su vitalidad esta canción ayudó a atraer a nuevos fans hacia la música de “The Cure”

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Mother, Blondie

Hola,

Ya en alguna ocasión anterior les platiqué la importancia que tuvieron algunos clubs, o centros nocturnos, en el desarrollo de muchos grupos y estilos musicales.

A principio de los 90s, un DJ, un escritor y un coreógrafo, organizaban cada martes una fiesta temática en un obscuro bar ubicado en el barrio carnicero (“Meatpacking District.”) de Nueva York, llamado “Bar Room 432”. La fiesta se llamaba “Jackie 60” y a diferencia de la tradicional práctica de exclusión de los mega clubs/discos del resto de la ciudad, a estas fiestas podía entrar cualquiera que acudiera disfrazado de acuerdo al tema y que pudiera aguantar los excesos de ese ambiente.

El éxito de estas fiestas fue tal, que en 1994 los organizadores compran el local y le cambian el nombre a “Mother”.

La música y el ambiente del lugar atrajeron a personalidades como el actor Jack Nicholson, el diseñador Marc Jacobs o al cantante Mick Jagger, quienes en el “Mother” eran solo un cliente más.

También cliente asidua al Mother, pero que de ninguna forma pasaba desapercibida, era Debbie Harry, quien como vocalista del grupo “Blondie”, labró su fama 20 años antes en otro club legendario de Nueva York: el “CBGB”.

La canción a reseñar en esta oportunidad, proviene del disco, lanzado en el 2011, “Panic of girls” del grupo Blondie y se trata precisamente de un tributo al club “Mother”.

La letra describe someramente como era el ambiente en el club, pero principalmente expresa la tristeza de que haya desaparecido.

“Mother’s left the building,

we’re the missing children

Mother in the night,

where are you where are you tonight”

El “Mother” dejó este edificio

Y ahora somos los niños perdidos

 (Oh) El “Mother” por las noches,

¿Dónde, dónde estas esta noche?

En cuanto a la música, el sonido predominante es el de las guitarras y la voz de Deborah Harry, salpicado de intervenciones de un sintetizador que busca darle algo de contemporaneidad, aunque paradójicamente suena un poco a los 80s. Como es usual en las canciones del grupo, no hay un solo instrumental y es la interpretación vocal de Debbie la que, contrastando con el ritmo y potencia de la melodía, denota un claro sentimiento de nostalgia.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: El disco “Panic of girls” del 2011, es apenas el noveno en la historia del grupo “Blondie”, en una carrera que empezó en 1975 y el segundo en lo que va del siglo XXI.

De acuerdo a los tiempos y a los nuevos usos y costumbres, fue lanzado primero como descarga digital en el Reino Unido, en mayo del 2011; después, se lanzó una edición especial con fotos, pines, canciones adicionales y una revista, también en el Reino Unido, en junio del mismo año y solo hasta julio en Gran Bretaña y septiembre en Estados Unidos, fue que se lanzó el CD normal.

BLONDIE 2011 Panic Of Girl covers

Las dos portadas del disco “Panic of Girls”; la de la edición especial, por el pintor Chris Berens y la de la edición normal en CD, que muestra a los 3 miembros originales que quedan en la banda

PD 2: La portada de la edición especial fue realizada con el muy particular estilo del artista gráfico Holandés, Chris Berens.

PD 3: La historia del video trata acerca de cómo la presentación de “Blondie” en el “Mother” despierta a un grupo de zombies que viven en sus sótanos.  La idea de utilizar zombies le viene a Deborah Harry a raíz del éxito de la serie televisiva “The Walkin dead” y porque al decir de ella, no ha habido un video con zombies desde “Thriller”.

En el video hay una aparición especial (Cameo) por parte de Kate Pierson, ex vocalista del grupo New Wave “The B52’s” ¿Puedes encontrarla?

PD 4: En esta alineación del grupo, los únicos miembros originales son: Debbie Harry, vocalista, Clem Burke (Sensacional) baterista y Chris Stein, guitarrista y por algún tiempo pareja sentimental de Debbie.

Airline modelo Town & Country

Guitarra Airline modelo “Town and country” como la utilizada por Chris Stein en el video. Estas guitarras solo se produjeron entre 1958 y 1968, pero algunos artistas contemporáneos, como Jack White (“White stripes”) las han vuelto a poner de moda

PD 5: Como promoción previa y posterior al lanzamiento de “Panic of girls”, Blondie realizó una serie de presentaciones masivas en festivales en la Gran Bretaña, Irlanda y Australia, en los que queda manifiesta su vigencia por aquellos lugares, dada la forma en la que le responde el público, como esta en el Festival Lovebox 2011 en Londres.

Y este verano (2013) volverá a presentarse en el legendario festival de la isla Wight (“Isle of Wight Festival”)

PD 6: Hasta el día de hoy, se sigue organizando una de aquellas fiestas temáticas características del club “Mother”, llamada “The night of the 1000 Stevies” cuyo tema es Stevie Nicks, vocalista del grupo “Fleetwood Mac”. El 3 de mayo del 2013, se celebró la edición número 23, ahora en el club “Highline ballroom” en NY.

the night of the 1000 Stevies poster

Uno de los temas de las alocadas fiestas temáticas del “Mother” es, a la fecha, la cantante Stevie Nicks

 

PD 7: Deborah Harry cumplirá 68 años el primero de julio de 2013

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo