Lust for Life Iggy Pop

“Coro pegajoso y contagioso ritmo, herencia directa de los “Girl groups” sesenteros, son el complemento perfecto para la muy extrovertida personalidad de Iggy Pop, en esta canción con tintes biográficos, del álbum homónimo, publicado en 1977: “Lust for Life””

Hola,

La lujuria es quizá, uno de los hábitos más destructivos en la vida de las personas. En general, la lujuria se entiende como el dominio de la pasión sobre el intelecto. La lujuria ha provocado guerras (Troya), infinidad de asesinatos e incontables trágicas historias de vida.

Una interpretación del efecto de la lujuria en el bienestar de las personas Imagen de Denisse Wolf

Una interpretación del efecto de la lujuria en el bienestar de las personas
Imagen de Denisse Wolf

Elegir una canción para referenciar la lujuria ha sido inusualmente complicado, pues buena parte de la música pop juvenil, desde los años 50s del siglo pasado y hasta la fecha, de alguna u otra manera, toca el tema.

De entrada, el término “Rock’n’roll”, aparte de designar al estilo musical surgido en los años 50s del siglo anterior, se usaba también como un eufemismo en referencia al acto sexual.

Y no pocos críticos y cronistas del tema, han señalado que el ritmo, la estridencia y no pocas letras relacionadas con el “Rock’n’roll”, son incitadoras del apetito carnal.

La canción elegida fue “Lust for Life”, composición cuya música es de David Bowie y la letra e interpretación vocal son de Iggy Pop.

La letra, en tan solo un par de líneas, describe fielmente el ambiente hedonista y decadente que permeaba en los años setentas:

“Here comes Johnny Yen again

Ahí viene Johnny Yen de nuevo

With the liquor and drugs

Trae drogas y alcohol

And the flesh machine

Y un vibrador

He’s gonna do another strip tease.

Va a hacer otro striptease

La principal característica de su melodía es su ritmo frenético, psicótico, sustentado en el repetitivo sonido de la batería, que es irremediablemente seguido por el bajo y la guitarra.

Inicia con la repetición de siete golpes al bombo, sonido repetitivo que, ejecutado por diversos instrumentos, dominará durante el resto de la canción. Poco después, entra el bajo a replicar el ritmo, salpicado por esporádicos, breves y diversos adornos de guitarra, en una introducción instrumental que dura más de un minuto.

En contraste, la voz de Iggy Pop no lleva prisa, canta a un ritmo más lento, alargando las palabras; incluso en ciertos momentos, su dicción parece la de un borracho.

El otro detalle que destaca en la canción, es el coro, ejecutado en un tono más alto, caricaturesco, definitivamente perturbador.

En su lanzamiento original, esta canción no tuvo mucho éxito, pero, se le puede encontrar en prácticamente todas las listas de “la mejores…” de la prensa especializada. A continuación, viene primero la versión original del álbum que es la que ha servido de referencia para esta reseña y después, la versión más exitosa de su relanzamiento en 1996, en la que puede apreciarse el estilo interpretativo, pionero e inconfundible, de Pop.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: En la segunda mitad de los años setentas del siglo XX, los músicos David Bowie, Iggy Pop y Lou Reed, decidieron pasar un tiempo en el Berlín de la guerra fría, que era la frontera entre el mundo occidental y la dictadura soviética comunista. La tensión, la frialdad y el contraste que vivieron en aquellos años, se ha visto reflejado en la obra de los tres músicos, de la cual “Lust for life” no es la excepción.

Bowie, Pop y el ya fallecido Lou Reed, en la época en que vivieron y trabajaron juntos en Berlín, produciendo obras que trascendieron las modas del momento

Bowie, Pop y el ya fallecido Lou Reed, en la época en que vivieron y trabajaron juntos en Berlín, produciendo obras que trascendieron las modas del momento

La música que estos tres personajes produjeron durante aquella época, fue vanguardista e influencia para muchos otros artistas.

PD 2: “Lust for life” tomó un Segundo aire cuando fue incluida en el soundtrack de la película “Trainspotting”, gracias a la cual pudo ser conocida por otras generaciones. Existen varios casos en los que canciones antiguas son relanzadas a la popularidad, por su calidad y por ser utilizadas en películas o comerciales de televisión

PD 3: La parte de la batería con la que inicia la canción, es muy parecida a la utilizada por grupos femeninos de los años sesentas:

“You can’t hurry love” del grupo “The Supremes”, y,

“I’m ready for love” interpretada por “Martha and the Vandellas”

Posterior a “Lust for life” ese sonido de la batería también aparece en la canción “Are you gonna be my girl” del grupo “Jet”

PD 4: “Lust for life” ha sido utilizada en comerciales, en películas y ha sido hecha cover por varias bandas

PD 5: En la cultura Cristiana la lujuria, que es uno de los siete pecados capitales, se combate practicando la virtud de la castidad, entendida esta, como el control sobre los apetitos sexuales. La lujuria está asociada al demonio denominado Asmodeo.

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Jessie’s Girl Rick Springfield

“Perfecto ejemplo de la transición musical pop, que llegó como un insospechado precedente de la ola musical Australiana que invadiría al Mundo, allá por los años 80. Frustración ante lo inalcanzable: “Jessie’s Girl”, obra de Rick Springfield de 1981, proveniente de su álbum “Working Class Dog””

Hola,

Una de las actitudes más auto destructivas y que invariablemente genera un entorno desfavorable alrededor de quien constantemente la vive, es la envidia; por lo que evitarla es una vía infalible hacia una vida más disfrutable.

La envidia es una actitud que perjudica a quien la practica constantemente

La envidia es una actitud que perjudica a quien la practica constantemente

Sufrir por lo que carecemos es la forma más común de la envidia y es el tema principal de la canción a reseñar en esta ocasión. Se trata de “Jessie’s Girl” composición del músico y actor australiano Rick Springfield, que llegó al número 1 de las listas tanto en Australia como en Estados Unidos y que fue el primero de varios éxitos a nivel mundial que surgirían de la gran isla en los años 80s del siglo pasado.

La letra es un monólogo en el que el protagonista expresa su deseo por tener a la novia de su amigo Jessie y su frustración por no poder conseguir, al menos, a una mujer similar.

“And I’m lookin’ in the mirror all the time

Y me paso mirándome en el espejo todo el tiempo

 Wonderin’ what she don’t see in me

Preguntándome , qué es lo que ella no ve en mí

I’ve been funny; I’ve been cool with the lines

He sido divertido, he sido interesante al hablar

Ain’t that the way love’s supposed to be

¿No se supone que así es el amor?

Tell me where can I find a woman like that

Dime, dónde puedo encontrar a alguien como ella

You know I wish that I had Jessie’s girl

¿Sabes? Quisiera tener a la chica de Jessie

I wish that I had Jessie’s girl

Desearía tener a la chica de Jessie

I want Jessie’s girl

Quiero a la chica de Jessíe

Where can I find a woman like that?

¿Dónde encuentro  a una mujer así?”

La canción puede categorizarse como una pieza pop-rock, con menos intensidad en las guitarras que el punk y menos preeminencia de los teclados que el new wave, pero, con un sonido característico del género de principios de los 80s y esto se debe en gran medida, al arreglo en las guitarras por parte de Neil Giraldo (Guitarrista de Pat Benatar, otro ícono musical de aquella época).

Comienza con la guitarra repitiendo doce notas varias veces, a las que Springfield, cantando, se une en la segunda repetición; en las primeras seis frases queda totalmente explicada la situación: El protagonista tiene un amigo llamado Jessie, que es un buen tipo, pero que acaba de conseguirse a una novia que el protagonista quiere para sí.

Al finalizar esta introducción se incorporan la batería, una segunda guitarra, el bajo y los teclados, que, junto con la interpretación vocal de Springfield, logran generar una atmósfera de ansiedad, reflejo adecuado de la situación que se está narrando. Llega a continuación, una repetición de la tranquila parte introductoria, con tan solo Springfield y la guitarra, que, mediante otra aparición de la batería, regresa a darle entrada al resto de los instrumentos que le dan a la canción otra intensidad emocional y sonora.

La primera versión que viene enseguida, está tomada del álbum y en ella puede apreciarse una producción limpia, bien ejecutada. Esta es la que logró colarse a muchísima audiencia alrededor de mundo a través del radio.

La siguiente a presentar es la correspondiente al video promocional, del cual vale la pena destacar: la presencia que tenía el grafiti, ya desde entonces, en la cultura urbana; el reflejo de la moda en la vestimenta del artista, en este caso, acorde a la edad que entonces tenía Springfield (34 años); el bajo presupuesto para su producción, utilizando tres o cuatro locaciones y solo a dos músicos en adición a Springfield y algunos elementos visuales que, acorde a los usos y costumbres de la producción de videos de entonces, buscaban seguir la línea de la historia contada en la letra.

Finalmente, está esta otra versión salida de una presentación en vivo en 1985, en la que pueden apreciarse, una versión con ciertas improvisaciones y la capacidad de ejecución escénica de Rick Springfield, que además desarrolló en otros ámbitos artísticos.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: En la cultura Cristiana la envidia, que es uno de los siete pecados capitales, se combate practicando la virtud de la caridad, entendida ésta como generosidad. La envidia está asociada al demonio denominado Leviatán.

PD 2: Rick Springfield vio afectada su carrera como músico por dos principales razones; primero, por su imagen “baby-face” que irremediablemente lo asociaba a cancioncitas bobas de amor para adolescentes y segundo, que mucha gente lo confunde con Bruce Springsteen (De quien hemos reseñado aquí “Born to run”).

Hace unos pocos años, dos de mis cuñadas se organizaron con algunos amigos para ir a una presentación de Springsteen en Miami; cuál sería su sorpresa al ver que, en realidad, se trataba de Rick Springfield, pero igual disfrutaron del show.

Justo cuando se lanzó al mercado “Jessie’s girl” como sencillo, Springfield recién había iniciado una carrera como actor de telenovelas, pensando en que nunca superaría aquellos obstáculos; irónicamente “Jessie’s girl”, le valió ganar un Grammy a la mejor interpretación rock masculina.

Rick Springfield en su faceta de actor, interpretando al Doctor Noah Drake en la serie

Rick Springfield en su faceta de actor, interpretando al Doctor Noah Drake en la serie “General Hospital”

PD 3: El productor del disco, Keith Olsen, ha trabajado con artistas de la talla de “Fleetwood Mac”, Ozzy Osbourne, “Grateful dead”, Pate Benatar, “Heart, “Santana”, “Journey”, Emerson Lake and Palmer y muchos otros.

PD 4: Además del guitarrista Neil Giraldo, en el disco “Working class dog” también participa otro músico que alcanzaría el estrellato en la década de los 80s del siglo XX: se trata del guitarrista Sammy Haggar.

En la portada del disco aparece

En la portada del disco aparece “Ronnie”, mascota de Rick Springfield

PD 5: A la fecha (primavera del 2015), Rick Springfield sigue haciendo giras ocasionalmente y se ha presentado al lado de bandas más contemporáneas como “Foo fighters”

PD 6: Y sí, esta canción está inspirada en un hecho real que le sucedió a Springfield, allá en su natal Australia.

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Hang fire The Rolling Stones

“Inusual crítica de los “Stones”, disfrazada con un ritmo pegajoso y alegre, dirigida a una sociedad pasmada como consecuencia de un largo e ineficaz gobierno. “Hang fire” publicada en su disco “Tattoo you” de 1981; “The Rolling Stones””

Hola,

Existen una serie de actitudes que, cuando se evitan de manera cotidiana, generan una mejora rápida y sustancial en la calidad de vida de las personas que lo intentan. Una de estas actitudes a desterrar es la pereza y el apremio por cambiar es aún mayor, si todo un país cae en este mal hábito.

Pereza, hábito que deteriora a la persona

Pereza, hábito que deteriora a la persona

Ya en alguna reseña anterior (“Rudie can’t fail”) comenté como en gran parte de los años 60´s y 70’s  del siglo pasado, Gran Bretaña se vio afectada por una serie de prácticas populistas por parte de su gobierno y una de las muchas consecuencias de haber tenido, por tanto tiempo, un gobierno enorme, entrometido, regulador y excesivamente burocrático, fue que la sociedad inglesa vivía en un estado permanente de pereza; esto, según la visión de los “Rolling Stones” plasmada en su canción “Hang fire”.

Hang firehabla acerca de cómo la apatía y la desidia, se convirtieron en una extendida práctica de vida:

“In the sweet old country where I come from    /          En el lindo país del que vengo

Nobody ever works                                                      /          Nadie trabaja

Yeah nothing gets done                                               /          Sí, no se se hace nada

We hang fire, we hang fire                                         /          postponemos, postponemos

You know marrying money is a full time job     /         

¿Sabes? Casarse por dinero es un                                                                                            trabajo de tiempo completo

I don’t need the aggravation                                     /         

Pero, no necesito apurarrme

I’m a lazy slob                                                                  /          Soy un vago perezoso

I hang fire, I hang fire                                                  /          Pospongo, pospongo”

Paradójicamente, la música va en sentido contrario al mensaje, pues se trata de una pieza alegre, rápida y totalmente energética, que es una especie de canción Punk, pero con un sonido más limpio.

La versión en vivo que viene a continuación, que es algo distinta a la del disco, es un poco más cercana a la música Punk que sonaba en la época en que la canción fue compuesta. Comienza con la guitarra de Keith Richards y no con la batería de Charlie Watts y tiene un ritmo un poco más rápido; de ahí en adelante, el peso de la canción recae en la interpretación vocal de Mick Jagger y en la enorme capacidad de improvisación de Richards.

Ron Woods, en la segunda guitarra y Watts con la batería, son los que marcan el ritmo, mientras que en el fondo, Bill Wyman suaviza un poco la interpretación con una ejecución sin distorsión, más apegada al Rock’n’Roll tradicional. Y todavía más en el fondo, hacia la mitad de la canción, alcanzan a escucharse unas notas repetitivas del piano, que no existen en la versión original.

En esta presentación, de 1981, queda aún más patente la influencia que el Punk tiene sobre la canción, cuando vemos la indumentaria de Woods, Richards y Watts y el estilo interpretativo de Jagger.

Una manera de corroborar la calidad de una canción, es cuando al escucharla en otra versión, sigue sonando fantástica. Tal es el caso de esta otra presentación, aparentemente surgida de la gira 2014, “Stones on fire”, cuyo arreglo es un “Rythm and Blues”, mucho más cercano al estilo tradicional de los “Rolling”, con otra letra y que suena sensacional.

Finalmente, presento el video promocional oficial, cuya pista de sonido corresponde a la grabación original de estudio, a la que le cortaron la introducción de la batería y en el cual podemos constatar que malos eran los integrantes de la banda para hacer “playback” (simular tocar y cantar, cuando en realidad lo que suena es una grabación) y para elegir su vestimenta.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: En la cultura occidental cristiana, la pereza es uno de los siete pecados capitales que impiden la realización personal. La virtud a practicar para combatir la pereza es la Diligencia, que es la disposición a actuar voluntaria y oportunamente. La pereza, está asociada al demonio de nombre Abaddon.

La pereza es una ancla que impide nuestra realización espiritual

La pereza es un ancla que impide nuestra realización espiritual. Imagen por Ana Correal

PD 2: “Hang fire” es una de las muchísimas canciones que compusieron los “Rolling Stones” entre 1977 y 1978, durante una especie de autoexilio en París como protesta y rección a la triste situación política y social en Inglaterra, que entre otras cosas, los forzó a cambiar su residencia debido a los altos impuestos.

Algunas canciones de los “Stones” de esa época, están influenciadas por los estilos musicales dominantes del aquel momento: el Disco y el Punk; “Miss you” y “Hang fire”, respectivamente, son ejemplos de estas influencias.

PD 3: Durante las giras de promoción del disco “Tattoo you” de 1981 y 1982, “Hang fire” fue interpretada muchas veces, no así en las giras posteriores hasta la fecha; aunque aparentemente ha surgido una nueva versión, bajo un estilo “Rythm & Blues” que comparto más arriba en esta reseña.

Guitarra Fender modelo Telecaster 72, similar a la utilizada por Keith Richards en las giras de promoción del álbum Tattoo you y que tiene un papel prepnderante en esta canción

Guitarra Fender modelo Telecaster 72, similar a la utilizada por Keith Richards en las giras de promoción del álbum Tattoo you y que tiene un papel preponderante en esta canción

PD 4: la expresión “hang fire” se traduce al español como retrasar, posponer, dejar para después

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Words Missing Persons

“Frustración ante la falta de comunicación, encapsulada en un ritmo New Wave de potente construcción, que se resume en las frases “¿Me escuchas? ¿Te importa? Obra contenida en el disco “Spring Session M” de 1982, de la agrupación californiana “Missing Persons”: “Words””

Hola,

Allá por 1981, recuerdo que una de mis maestras de la Universidad estaba realmente preocupada porque el uso masivo del “Walkman” (Precursor del iPod) derivaría en un creciente aislamiento social. Pero el tema de la incomunicación, era mucho más doméstico, menos tecnológico y había estado presente en muchos hogares al menos 25 años atrás; quién no ha escuchado a su Madre decir: “¿Me oyes?”, “Hazme caso”, “Parece que le hablo a la pared” . . .

Este tema de sentirse ignorado, fue retomado en 1982 por una banda californiana de vanguardia, que mediante una sorprendente calidad lírica y un sonido muy fresco, totalmente distinto a lo que sonaba en esa época, transmite a la perfección la frustración de sentirse aislado.

La letra es contundente y atemporal:

“Do you hear me                   /                    ¿Me escuchas?

Do you care                             /                    ¿Te importa?

Do you hear me                     /                    ¿Me escuchas?

Do you care                             /                    ¿Te importa?

My lips are moving and the sound’s coming out     /    Mis labios se mueven y sale un sonido

The words are audible but I have my doubts           /    Mis palabras son audibles, pero dudo

That you realize what has been said                            /    que te hayas dado cuenta de lo que dije

You look at me as if you’re in a daze                            /    Y me miras azorado

It’s like the feeling at the end of the page                  /    Como cuando al final de una página

When you realize you don’t know what you just read / te das cuenta que no entendiste nada

What are words for when no one listens anymore /   ¿Para que son las palabras? Si ya nadie escucha

What are words for when no one listens                   /    ¿Para que son las palabras? Si nadie escucha

What are words for when no one listens                   /    ¿Para que son las palabras? Si nadie escucha,

It’s no use talkin’ at all                                                       /    No tiene nigún caso hablar

I might as well go up and talk to a wall                       /    Daría igual si le habo a una pared

‘cause all the words are having no effect at all         /    porque las palabras no provocan nada

It’s a funny thing am I all alone                                      /    Que curioso ¿Acaso estoy sola?”

En cuanto a la música, vale la pena hacer notar que aunque es de un estilo totalmente “New Wave”, tiene una calidad tal, que pasa la prueba del tiempo. Esto se debe, en parte, al excelente trabajo del Ingeniero de sonido y productor, el inglés Ken Scott y en parte también, a la singularidad interpretativa de Dale Bozzio en la voz principal, y la calidd de interpretación de Terry Bozzio en la batería, así como la de Warren Cuccurullo con la guitarra.

Comienza con una vibración metálica, que da la impresión de ser algo que se aproxima o que va subiendo de intensidad y que antecede brevemente a la aparición del bajo y de la batería que marcan claramente el ritmo. Unos segundos después, breves sonidos de guitarra se intercalan con las primeras frases de la canción discretamente imitadas por el sonido de un sintetizador.

Sumamente interesante es el manejo poco ortodoxo de la guitarra, que participa de manera intermitente durante la canción, con sonidos muy distintos entre sí. Por ejemplo, en el segundo 36, al terminar la frase “That you realized, what has been said”, hay un repiqueteo o punteo (pequeños golpes sobre las cuerdas); mientras que un minuto después (1’ 35”) al concluir la frase “It’s a sorry state, I say to myself”, el sonido es un requinteo más tradicional (notas largas). Y al llegar el puente de la canción (2’ 07”) la guitarra toma un papel prominente, aunque sin llegar a ser un solo, pues se combina con la voz de Dale Bozzio con un efecto de distorsión.

El manejo de las voces también es interesante, pues en algunos momentos Dale Bozzio “dialoga” con la guitarra y en otros, con los demás integrantes del grupo, que sirven de coro. Y sin tener una gran voz, Dale le imprime su sello muy personal a la interpretación, con la utilización de un falsete al final de ciertas frases.

Comparto a continuación, primero solo el audio de la canción, que de verdad vale la pena escucharse con mucha atención, por la multitud de detalles que presenta. Y después, el video promocional, que en su momento fue de vanguardia y que a la fecha ha inspirado visualmente a una que otra cantante contemporánea…

Dale Bozzio fue pionera y adelantada a su tiempo en el manejo de una imagen audaz

Dale Bozzio fue pionera y adelantada a su tiempo en el manejo de una imagen audaz

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Tanto Terry Bozzio (Baterista), como Dale Bozzio (Vocalista) y Warren Cuccurullo (Guitarrista) trabajaron en algún momento con Frank Zappa. Frank Zappa fue un compositor e intérprete, célebre por su gusto por lo poco ortodoxo, su predilección por el perfeccionismo, por su crítica social y por su afinidad con la música clásica postmoderna y el Jazz.

El simple hecho de haber trabajado con Zappa, es garantía de sus cualidades interpretativas:

Terry Bozzio ha colaborado con artistas como Jeff Beck, Duran Duran, Mick Jagger, Steve Vai, “The Knack”, Deborah Harry, “10CC” y es miembro del Salón de la Fama de los Bateristas Modernos.

Terry Bozzio ha llevado su habilidad interpretativa hacia nuevos estilos, algunos creados por él mismo

Terry Bozzio ha llevado su habilidad interpretativa hacia nuevos estilos, algunos, creados por él mismo

Warren Cuccurullo ha trabajado además de con Zappa, con Duran Duran, “Blondie” y en varios proyectos de Jazz. Zappa lo contrató porque “se sabía las partes de guitarra de cada canción de Zappa, incluso las de más extraños sonidos y bizarros usos de tiempos”.

Guitarra Vox modelo Winchester, muy similar a la modificada que Frank Zapap le regaló a Warren Cuccurullo y que este utilzaa en la época en la que salió esta canción

Guitarra Vox modelo Winchester 1967, muy similar a la modificada que Frank Zappa le regaló a Warren Cuccurullo y que este utilzaba en la época en la que salió esta canción

PD 2: La cuidadosa producción de esta canción, llena de detalles sonoros, se debe sin duda al trabajo de Ken Scott, legendario Ingeniero de Sonido, quien ha colaborado con artistas de la talla de “The Beatles”, “The Rolling Stones”, “Pink Floyd”, David Bowie, “Procul Harum”, “The Jeff Beck Group”, Lou Reed, “Supertramp”, “Kansas”, “Devo”, “The Tubes”. “Level 42”, “Elton John”, “The Hollies”, John Lennon, George Harrison y muchos otros más.

PD 3: La canción es bastante sólida porque su limpio sonido le da credibilidad al muy certero mensaje  y tiene además, un toque de humor típico del New Wave, cuando en la letra se menciona, para intentar llamar la atención, que: “I think I’ll dye my hair blue / Creo que teñiré mi cabello de azul”… (Tanto mi Mamá, como mi esposa y alguna que otra conocida, han usado frases similares con sus hijos para tratar de llamar su atención)

PD 4: La audaz imagen de Dale Bozzio y el entonces muy fresco sonido de la banda, eran la combinación perfecta para un incipiente MTV que los programaba frecuentemente, con resultados beneficiosos para ambos lados.

LA imagen del grupo, en especial la de Dale y su sonido fueron ideales para ser de los consentidos de un naciente MTV

La imagen del grupo, en especial la de Dale y su sonido, fueron ideales para ser de los consentidos de un naciente MTV

PD 5: En la letra se utiliza como metáfora de la falta de comunicación, el estar como sordo, mudo y ciego, imagen principal en la obra Tommy de la banda Británica “The Who”, que ya hemos reseñado.

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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See me, feel me The Who

“Descubrimiento espiritual desembocado en una introspección profunda, que se desnuda bajo un formato de ópera rock, de nombre “Tommy”; obra clave de “The Who” de 1969, que les dió prominencia y permanencia y de la cual se deriva “See me, feel me””

Hola,

Desde 1966, en el auge de su éxito como parte de la ola musical inglesa prevaleciente en la época, Pete Townshend, líder del grupo Británico “The Who”, buscaba trascender artísticamente e ir más allá de los éxitos Pop.

La conjugación de su mente creativa y el encuentro con la propuesta espiritual de un Religioso Indio de nombre Meher Baba, le dieron a Townshend la base de inspiración para dar ese salto de calidad que él ansiaba.

Su idea fue tratar de transmitir las ideas religiosas de Meher Baba, a través de la historia de un personaje ficticio de nombre Tommy. En el camino, buena parte de la obra fue un ejercicio catártico en el que Towsnend reconoció y liberó a sus propios demonios, tocando temas tan fuertes como el abuso sexual infantil y el bullying.

El personaje central, Tommy, es ciego, sordo y mudo, en lo que parece ser una metáfora, derivada de las ideas de Meher Baba, de que los hombres vivimos en una muy limitada ilusión (Canción “Amazing journey”) que nos impide experimentar (ver, escuchar y participar) una realidad superior y no es hasta que rompemos la imagen que tenemos de nosotros mismos (Canciones “Smash the mirror” y “Sensation”) , que podemos acceder a esa realidad superior.

Lo ideal sería reseñar aquí todo el álbum, pues se trata de una obra conceptual en la que todas las canciones narran secuencialmente la historia de Tommy; pero para ello, mejor recomiendo el fantástico documental “Sensation: The Story of the Who’s Tommy” (Sensación: La historia de Tommy por “The Who”). A cambio, comentaré dos canciones de la obra.

Fantástico documental en el que los principales creadores de

Fantástico documental en el que los principales creadores de “Tommy” narran su proceso de génesis

La primera, See me, feel me parece describir un encuentro de iniciación con un Maestro, de acuerdo a las creencias de ciertas corrientes filo-religiosas de oriente; la letra menciona:

“Listening to you, I get the music               /          Escuchándote, entiendo la música

Gazing at you, I get the heat                         /          Mirándote, siento el calor

Following you, I climb the mountain        /          Siguiéndote, subo montañas

I get excitement at your feet                         /          Siento un éxtasis a tus pies

Right behind you, I see the millions          /          Justo detrás de tí, hay millones

On you, I see the glory                                    /          En tí, veo la Gloria

From you, I get opinion                                  /          De tí, obtengo una opinión

From you, I get the story                               /          De tí, entiendo de lo que se trata”

Claramente puede notarse, que esta parte de la canción es prácticamente una Oración, que a la vez alaba y agradece.

La música tiene dos partes totalmente identificables; la primera, en la que es sumamente prominente la (magnifica) voz de Roger Daltrey y el toque dramático lo da Keith Moon con el uso de platillos y redobles de tambor, con la guitarra y el bajo como mero  acompañamiento. Esta primera parte, lenta y tranquila, transmite la idea de una petición, pero sin desesperación, ni frustración y justo cuando se da la comunión deseada, la música se vuelve más intensa y Townshend acompaña en las voces a Daltrey y los cuatro, van de forma espiral ascendente, hacia un éxtasis musical que se repite varias veces hasta el final…es conocido que durante la interpretación de esta canción, en el mítico festival de Woodstock en 1969, comenzó a salir el sol del amanecer, dándole a la canción una dimensión extra que quizá ninguna otra presentación haya tenido.

La otra canción a mencionar aquí es “Tommy can you hear me?” (Tommy ¿Puedes oírme). La letra, desde mi punto de vista, puede tener dos lecturas distintas pero relacionadas; la primera tiene que ver con la historia de la obra, en la que Tommy por fin sale de su aislamiento sensorial y sus padres, al darse cuenta de ello, tratan de comunicarse con él. La segunda interpretación tiene que ver con la época en la que se escribió esta canción, tiempos en los que, dadas las circunstancias peculiares de ese momento, había una marcadísima y no pocas veces violenta, brecha generacional, por la que los adultos no podían comunicarse con los jóvenes, que estaban viviendo en un mundo totalmente nuevo y ajeno para las generaciones previas:

“(Father):                                              /                 (El Papá dice):

Tommy can you hear me?             /                 Tommy ¿Puedes oírrme?

Can you feel me near you?            /                 ¿Puedes sentir mi cercanía?

(Mother):                                              /                 (La Mamá dice):

Tommy can you see me?                /                 Tommy ¿Puede verme?

Can I help to cheer you.                  /                 ¿Puedo ayudar a alegrarte?

La música, paradójicamente, es alegre y transmite un sentimiento de esperanza . . . la comunicación es posible . . . en el video se aprecia la completa satisfacción que ejecutar esta obra le producía a los miembros del grupo y es esta vibra la que le llegó en su momento a millones de jóvenes.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: El álbum “Tommy” fue etiquetado, desde antes de su publicación, como la primera Ópera Rock. Si nos atenemos a la definición de ópera, parece que “Tommy” cumple con prácticamente todos los elementos:

Ópera (del italiano opera, ‘obra musical’) designa, desde aproximadamente el año 1650, un género de música teatral en el que una acción escénica es armonizada, cantada y tiene acompañamiento instrumental. Las representaciones son ofrecidas típicamente en teatros de ópera, acompañados por una orquesta o una agrupación musical menor. Forma parte de la tradición de la música clásica europea u occidental”

Lo realmente destacable es que las 24 canciones del disco “Tommy”, pueden escucharse como una sola obra, o, pueden disfrutarse de manera individual.

La portada del LP es una obra de Mike McInnerney seguidor de Meher Baba, que busca también transmitir visualmente las ideas de su Maestro, plasmadas en el disco

La portada del LP es una obra de Mike McInnerney seguidor de Meher Baba, que busca también transmitir, visualmente, las ideas de su Maestro plasmadas en el disco

PD 2: Adicionalmente a crear 24 canciones que narraran una historia, Pete Townshend cuidó que cualquiera de ellas pudiera ejecutarse en vivo, siguiendo deliberada y arriesgadamente, un camino opuesto a lo que “The Beatles” y “The Beach Boys” estaban haciendo en aquella época. Esto le permitió a “The Who” presentar la obra en muchos y diversos escenarios y trascender a súper estrellas internacionales de Rock, a partir de sus presentaciones en el Teatro Metropolitano de Opera de Nueva York y sobretodo, en el Festival Woodstock.

PD 3: “The Who” contó con un puñado de talentos excepcionales que le hacen ser una de las bandas de música rock más importantes de la historia. Townshend es un escritor fuera de serie y un guitarrista espectacular; Keith Moon tenía un estilo interpretativo único que no solo destacaba por su teatralidad, sino que también por su capacidad de transmitir emociones. Daltrey logró transformarse y superarse hasta ser el vocalista ícono de los 70s y John Entwistle fue un bajista que supo no desentonar con toda esa energía y talento que le rodeaban.

En la alineación original de

En la alineación original de “The Who” había mucho talento.                   Imagen por J Saurer

PD 4: “Tommy” tuvo tal impacto que fue hecho película y años más tarde obra de teatro musical. Las tres versiones fueron sumamente exitosas, tanto comercial como artistícamente.

Recuerdo que en México, en aquel entonces todavía impregnado de forma importante por los conflictos derivados de la brecha generacional y aún bastante aislado culturalmente del resto del mundo, el estreno de la películad “Tommy” fue un evento que causó furor entre los adolescentes y jóvenes de la época, así como algún resquemor por parte de la generación mayor.

En la película, algunos de los personajes fueron encarnados por Elton John, Tina Turner, Eric Clapton y Jack Nicholson. El papel de Tommy lo tuvo Roger Daltrey.

Poster promocional de la película

Poster promocional de la película

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Rock and Roll All Nite Kiss

“Intensa simbiosis emocional, con la intención de volverte loco si tú los llevas al desenfreno. Clarísima invitación de KISS para que juntos, armemos una gran fiesta: “Rock and Roll All Nite”, de su álbum doble de 1975 KISS ALIVE!

Hola,

Hace ya algunos años (muchos), tuve una discusión con un amigo acerca de la calidad interpretativa y del sonido en los conciertos de Rock. Sus argumentos eran que, primero, los grupos nunca sonaban igual en concierto a como sonaban en los discos (ya que, por ejemplo, no podían reproducir idénticamente los solos de guitarra) y segundo, que con el escándalo que produce el público, es imposible apreciar la interpretación de los músicos y de los cantantes; su conclusión: Es mejor quedarte en casa y escuchar el álbum.

Por supuesto que en gustos se rompen géneros; mi principal argumento en aquella discusión, era que la experiencia de asistir a un concierto de Rock, no se limita a escuchar la música.

Al igual que cuando vamos al cine, el ambiente emocional colectivo definitivamente cambia la experiencia; el poder observar el estado de ánimo de los músicos, el desenvolvimiento escénico, los mensajes no verbales entre los músicos (o la ausencia de ellos) e incluso, gracias al avance tecnológico en la definición y tamaño de las pantallas, el poder observar muy a detalle sus técnicas interpretativas, son un bono que enriquece mucho la experiencia; claro, asumiendo que de entrada, la oferta musical vale la pena.

Los discos grabados en presentaciones en vivo, a veces nos permiten atestiguar ese ambiente colectivo y si están bien grabados, nos permiten conocer la interacción del público con el artista.

Una de las agrupaciones que mejor supo aprovechar el gran impacto de sus presentaciones en vivo, hasta llegar a ser súper estrellas internacionales, fue la banda Neoyorkina “KISS” y lo pudieron dejar perfectamente plasmado, en grabaciones como “Rock and Roll All Nite”, que es una canción diseñada para que el público interactúe con ellos y sea una especie de himno de batalla a interpretarse para intensificar, simbióticamente, la emoción.

Kiss retrato

La letra lo expresa, muy claramente, desde un inicio:

“You show us everything you’ve got                      /          Muéstranos todo lo que traes

You keep on dancin’ and the room gets hot       /          Sigue bailando, el lugar se ambientará

You drive us wild, we’ll drive you crazy                /          Trastórnanos y te enloquéceremos

You say you wanna go for a spin                             /          Dices que quieres salir a pasear

The party’s just begun, we’ll let you in                  /          La fiesta comenzó, te dejaremos pasar

You drive us wild, we’ll drive you crazy                /          Trastórnanos y te enloquéceremos

You keep on shoutin, you keep on shoutin        /          Sigue gritando, sigue gritando:

I wanna rock and roll all nite                                    /          Quiero, rock toda esta noche

And party every day                                                      /          Y fiesta cada día”

En cuanto a la música, también está perfectamente diseñada para transmitir el mensaje festivo. Comienza con la introducción de Paul Stanley (“Starchild”/ Niño de las estrellas) que con su voz rasposa nos invita a la fiesta; enseguida, entra la batería de Peter Criss (“Catman” / el hombre gato) que es como un tambor de guerra llamando a la acción, seguido por el prominente sonido del bajo y el acompañamiento de las guitarras, a cargo de Gene Simmons (“The demon” / El demonio), de Ace Frehley (“Spaceman” / El hombre del espacio) y del propio Stanley, respectivamente.

Guitarra Sovereign modelo Silvertone, similar a la utilizaad por Paul Stanley en los vidoes que presento en esta reseña

Guitarra Sovereign modelo Silvertone, similar a la utilizada por Paul Stanley en los videos que presento en esta reseña

Se trata de una melodía sencilla y cíclica, en la que las partes corales y el ocasional silencio de las guitarras, invitan claramente a que el escucha coree la frase principal, incorporándose en la interpretación, para sentirse al menos por un momento, parte de la banda.

La canción tiene un solo de guitarra, a cargo de Ace Frehley, que no existe en la versión original de estudio y que es un vínculo directo con los orígenes del Rock’n’Roll, en específico, a los solos del pionero Chuck Berry (Ver la reseña “Roll over Beethoven”).

Guitarra Epiphone Les Paul, similar a la favorita del guitarrista original: Ace Frehley

Guitarra Epiphone Les Paul, similar a la favorita del guitarrista original: Ace Frehley

Pongo a continuación dos versiones en vivo, ambas con más de 35 años de diferencia con respecto de la versión original. En ellas, podemos ver a distintas generaciones contribuyendo y a la vez disfrutando de ese ambiente emocional colectivo, que muy pocas bandas pueden producir a lo largo de tanto tiempo.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD 1: Es totalmente obvio mencionar que en “KISS”, tan importante, o más, es la imagen que la música y es quizá por ello que sus presentaciones en vivo siempre han sido mucho más contundentes que sus obras de estudio. El gran mérito de su disco “KISS Alive!”, es que precisamente logra transmitir, al menos en parte, la sensación de estar ahí.

Casi desde su publicación, “KISS Alive!” ha sido objeto de críticas y especulaciones, debido a que se cree que fue editado para sonar mucho mejor de lo que la banda sonaba en sus presentaciones; en mi opinión, es totalmente irrelevante si el disco fue sobre producido, o no, pues cumplió, de manera contundente, con la expectativa de replicar la experiencia de estar en la arena, lo que le valió a “KISS” llegar al súper estrellato mundial.

PD 2: Un fenómeno iniciado espontáneamente, en 1975, por dos admiradores de la banda, fue la creación del grupo de fans, conocido como “KISS Army”, que en su mejor momento llegó a tener aproximadamente 100,000 seguidores formales y quien sabe cuántos más de nombre.

El logo de “KISS Army” debe estar, fácilmente, entre los 5 íconos visuales más representativos del Rock.

El autor de este Blog antes de comenzar un concierto de KISS en la Ciudad de Méico en el 2010. Atrás, el inconfundible logo de

El autor de este Blog, antes de que comenzara un concierto de KISS en la Ciudad de México en el 2010. Atrás, el inconfundible logo de “KISS ARMY”

PD 3: Allá por finales de los años 70s del siglo XX, surgió en la Ciudad de México una pandilla, inspirada en la película “The Warriors”, que se autonombró BUK – Banda Unida de KISS – y que rivalizaba al poniente de la ciudad, con la legendaria “Panchitos Sex Punk Band”

PD 4: En alguna entrevista, Paul Stanley declaró que el uso de maquillaje y de disfraces, además de caracterizarlos de manera única, servía para que en los conciertos, aún la gente que estaba  muy lejos del escenario pudiera reconocer quien era quien.

La exitosa visión mercadotécnica de Gene Simmons y la entonces muy importante influencia de MTV, se unieron en 1983 para lanzar un evento icónico: KISS sin maquillaje y sin disfraces; sin embargo, el efecto a mediano plazo fue como haberle cortado el cabello a Sansón: KISS ya nunca volvió a ser el mismo y solo hasta que los 4 miembros originales se reunieron en 1995 es que la banda recobró algo de su gloria pasada.

PD 5: Prácticamente, no hay publicación especializada que en su lista de los mejores álbumes grabados en vivo, no incluya al “KISS Alive!”, como uno de los mejores a la fecha. En lo personal, me gusta más el “KISS Alive II”

Kiss Alive II open

Interior de la funda del álbum doble “KISS Alive II”, que nos da una muestra de lo que son los shows de esta banda, desde hace más de 30 años

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Come sail away Styx

“Madurez que se expresa en el equilibrio entre apreciar lo pasado y moldear lo futuro, en cuatro movimientos musicales con estatus de Himno y con un final inesperado. Principal sencillo del disco “The grand illusion” de 1977, creación del grupo “Styx”: “Come sail away” ”

 

Hola,

Son muy raras las ocasiones en las que, los que escuchamos música, tenemos la oportunidad de saber cuál era el mensaje que buscaba transmitir el artista en alguna de sus canciones.

Los discos grabados en presentaciones en vivo, a veces nos dan esa oportunidad de saber lo que el artista quería transmitir y lo más importante, si están bien grabados, nos permiten conocer la reacción del público a ese mensaje.

Es por eso que, para apreciar el impacto emocional que puede producir “Come sail away”, la reseña de esta ocasión hace referencia a la versión en vivo contenida en el disco “Caught in the act”, disco doble en vivo, grabado en Nueva Orleans en 1984 y del cual es la última canción.

Album doble grabado en vivo, en Nueva Orleans, en 1984

Grabado en vivo, en Nueva Orleans, en 1984. A veces los discos en vivo nos ayudan a asimilar la simbiosis entre el artista y su público

Antes de comenzar a tocar “Come sail away“, Dennis De Young, compositor, tecladista y principal vocalista del grupo, dice:

Every time we play this next song, I always think back on those days when we first started  playing together as a group, think about those dreams we had, those dreams from music and I’m here tonight to tell you people: Dreams do come true!

Cada vez que tocamos la siguiente canción, siempre recuerdo aquellos días en los que empezábamos a tocar como grupo y pienso acerca de los sueños que teníamos, los sueños acerca de la música y hoy estoy aquí para decirles: ¡Los Sueños se hacen realidad!”.

Al concluir la introducción, puede escucharse claramente que el público reacciona con mucha emoción a las palabras de De Young; pero, al escucharse en el piano las primeras notas reconocibles de la canción, la reacción es aún mayor.

Comienza entonces lo que, de manera similar a lo que sucede en la música clásica, denomino primer movimiento: Un minuto y doce segundos en los que Dennis De Young tocando el piano nos canta la primera parte de su mensaje:

“I’m sailing away,                                                   /       Me alejo navegando

Set an open course for the virgin sea,             /       En una ruta hacia oceanos virgenes

‘Cause I’ve got to be free,                                     /       Porque tengo que ser libre

Free to face the life that’s ahead of me,          /       Libre de enfrentar la vida delante de mí

on board, I’m the captain, so climb aboard, /       a bordo, soy el Capitán, así que, aborden

We’ll search for tomorrow on every shore,   /       Buscaremos el mañana en cada costa

And I’ll try, Oh Lord I’ll try, to carry on”        /       E intentaré, oh Dios, intentaré salir adelante”

Esta primera parte me parece una muy afortunada metáfora, en la que se equipara el navegar con el empezar de forma muy optimista, una nueva etapa de vida, a pesar de la incertidumbre que ello implica.

Entonces, De Young anima a la audiencia a incorporarse al viaje emocional que propone, invitándola a corear “to carry on / salir adelante”.

Y empieza entonces el segundo movimiento, en el cual, la melodía adquiere más fuerza con la incorporación del bajo y un tono de reminiscencia con los sonidos del teclado electrónico (Interpretado por Tommy Shaw).

En esta parte de la canción, De Young busca explicarnos que para poder ir hacia adelante, primero es necesario regresar a nuestros recuerdos, de manera balanceada y desapegada y entonces partir de ahí y buscar salir adelante.

“I look to the sea,                                                   /       Miro el mar

Reflections in the waves spark my memory,        /       Reflejos en las olas, avivan mis recuerdos

Some happy, some sad,                                       /       Algunos felices, algunos tristes

I think of childhood friends and the dreams we had, / Pienso en mis amigos de la infancia y los sueños que teníamos

We lived happily forever, so the story goes, /       Vivimos felices por siempre, dice la leyenda

But somehow we missed out on the pot of gold   /       Pero de algún modo tampoco encontramos tesoros

But we’ll try best that we can to carry on       /       Y aun así, trataremos de salir adelante, lo mejor que podamos”

Al llegar a esta parte, De Young no pierde la oportunidad y vuelve a involucrar al público, que vuelve a corear “to carry on / salir adelante”.

En este punto de clímax emocional, con el que cualquiera puede fácilmente sentirse identificado, comienza el tercer movimiento, un “Tour de Force” sónico en el que predominan las guitarras como preludio de un momento de revelación; este mensaje de esperanza, paz y fraternidad viene del más allá:

“A gathering of angels appeared above my head,

Un grupo de Angeles apareción por encima de mi cabeza

They sang to me this song of hope and this is what they said,

Y me cantaron esta canción de esperanza y esto fue lo  que dijeron:

They said come sail away, come sail away, come sail away with me lads,

Dijeron, vengan naveguen lejos, vengan naveguen lejos,, vengan naveguen lejos conmigo, chicos

Come sail away, come sail away, come sail away with me lad,

Come sail away, come sail away, come sail away with me,

Come sail away, come sail away, come sail away with me babe,

Come sail away, come sail away, come sail away with me”

Inicia entonces una parte instrumental, que en lo personal, interpreto como la aventura de ir al encuentro de nuestras vidas, con optimismo y sueños.

Y entonces, la letra de la última parte de la canción, nos depara una sorpresa, que es a la vez un interesante propuesta intelectual y de ahí, solos de guitarra y coros nos llevan hasta un prolongado final, como con los que concluyen ciertas piezas de música clásica.

 

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: En alguna otra presentación, también antes de comenzar a tocarla, Dennis de Young dice:

This next song is all about feeling good about yourself, which is, ummhh, often neglected

La siguiente canción es acerca de sentirse bien con uno mismo, lo cual, mmmhhh, a menudo no hacemos”.

PD 2: La portada del disco es una reinterpretación de una obra del pintor francés René Magritte, “Le blanc seing” y hace referencia al título del disco ” The grand illusion” y al mensaje que se repite en algunas de sus canciones de que no todo es lo que parece.

La portada del disco hace un homenaje a René magritte, al retomar su obra "Le blanc seing" para enfatizar el mensaje de que no todo es lo que parece

La portada del disco hace un homenaje a René Magritte, al retomar su obra “Le blanc seing” para enfatizar el mensaje de que no todo es lo que parece

PD 3: A Styx se le criticó mucho que era un grupo diseñado (por la compañía disquera) para hacer Rock orientado a Discos (“AOR / Album Oriented Rock”), que era otra forma de decir que era música diseñada para sonar bien y vender discos. Al pasar del tiempo, sonar bien y en el caso de “Styx”, escribir buenas letras, parece una excelente idea.

De hecho y como lo comenté antes en este espacio (“Best of times“) si algo podría criticársele a “Styx”, como a otras varias bandas del género “AOR” es que no supieron subirse a la ola del video (MTV)

PD 4: La imagen y el desempeño escénico en vivo de los integrantes del grupo, sí dejan mucho que desear; en el video que les presento en esta reseña es notoria la falla en hacer la transición del estilo de los 70s al de los 80s; a diferencia de grupos conteporáneos que sí le sacaron mucho provecho como “Van Halen”, “Kiss”, “Heart” e incluso “Journey”

 

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Time of the season The Zombies

“Viaje directo al centro conceptual del Verano del Amor, a través de una composición pop-sicodélica de estructura inusual que ha resistido la prueba del tiempo y que es obra del grupo británico “The Zombies”, incluida en su disco “Odessey and Oracle” de 1967, “Time of the season”.

Hola,

Ya en alguna ocasión anterior he comentado en este espacio (ver la reseña: “White Rabbit Jefferson Airplane”) acerca de lo que fue el Verano del Amor (Verano de 1967) y la tremenda influencia que ejerció sobre la cultura pop, la música incluida, por al menos 10 o 12 de los años subsecuentes.

Esencialmente, el Verano del Amor fue el surgimiento, casi espontáneo y simultáneo, del movimiento “Hippie” en Estados Unidos, Canadá y Europa y luego, en el resto del Mundo. Un componente omnipresente en la cultura “Hippie” es concepto del Amor, entendido sea como igualdad, como relación libre de ataduras convencionales (Amor Libre), como simplificación de vida (austeridad, naturalismo) y marcadamente como revolución sexual.

La letra de “The time of the season” es bastante explícita al respecto:

“It’s the time of the season                        /                Ese el momento de la temporada

When love runs high                                   /                cuando el amor está intenso

In this time, give it to me easy                  /                En este momento, ponmelo fácil

And let me try with pleasured hands      /                Y déjame intentar con manos placenteras”

Algunos de los versos se desarrollan en forma de diálogo (con temática un tanto bizarra para la época “hippie”).

La austeridad artística en la letra, se compensa con un interesante desarrollo de la música. Entre los detalles que contiene está la utilización de aplausos y de exhalaciones bucales, para adornar el ritmo marcado por el bajo.

Pero, lo que realmente distingue a esta canción son sus solos de teclado, que tienen una cierta similitud con la improvisación jazzística, que le dan personalidad, la separan del un tanto banal mensaje y que además, le han ayudado a pasar la prueba del tiempo.

No estoy seguro de que el video que les presento a continuación sea el original que promocionaba a esta canción, pero, sí ilustra bastante bien varios aspectos de la vida juvenil de finales de los años 60s del siglo XX.

 

 

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: La base rítmica de “Time of the season” ejecutada por el bajo, es muy similar a la de un clásico de la música popular de la segunda mitad del siglo XX: “Stand by me”; en la que solo se sustituye el güiro por unas exhalaciones vocales, logrando un sonido más sofisticado.

PD 2: La portada de “Odessey and Oracle” fue diseñada por Terry Quirk, un artista plástico que fue compañero de cuarto de Rod Argent (El compositor de la canción). Llena de colores, formas distorsionadas y en formato collage, esta portada es un fiel reflejo del gusto estético de la época.

 

Portada del LP por Terry Quirk

Portada del LP por Terry Quirk

Contiene un error ortográfico (que por algún tiempo se dijo era intencional, un juego de palabras) ¿Puedes distinguir cuál es?

PD 3: “Time of the season” ha sido utilizada recientemente por el músico Eminem en su canción “Rhyme and reason”, en la que replanteó los cuestionamientos de la letra original, trayéndolos a un entorno más contemporáneo y muy, muy lejano al “Verano del Amor”. Rod Argent, fundador de “The Zombies” y compositor de “Time of the season”, ha declarado que el ejercicio le ha parecido, divertido.

PD 4: Grabado en los estudios “Abbey Road”, Argent ha comentado que aunque no les tocó convivir con “The Beatles” cuando grabaron “Oddesey and Oracle”, sí hubo algo de influencia indirecta pues utilizaron, sin pedirpermiso, el “Mellotron” de John Lennon.

Teclado "Mellotron" de John Lennon, utilizado subrepticiamente en la grabación de "Time of the season"

Teclado “Mellotron” de John Lennon, utilizado subrepticiamente en la grabación de “Time of the season”, instrumento del cual salió su sonido distintivo

PD 5: En 1971, “The Doors” presentaría otra canción en la que los teclados tienen un papel preponderante: “Riders on the storm

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Riders on the storm, The Doors

“Onírica, aderezada con algo de psicosis y una pizca de Jazz, “Riders on the storm” es un oasis musical y último legado de la formación clásica de la mítica banda, “The Doors”; plasmado en su disco “L.A. Woman” de 1971 ”

Hola,

A mediados de los años 60s del siglo XX, un par de estudiantes de la carrera de Teatro, Cine y Televisión de la Universidad de California en Los Angeles (UCLA), decidieron musicalizar las notas, poemas y escritos de uno de ellos: Jim Morrison. Meses después, quedó configurada la alineación  de uno de los grupos de música pop-rock más exitosas de la historia: Morrison como vocalista, Manzarek como tecladista, Krieger en la guitarra y Densmore en la batería, eran “The Doors”.

La personalidad conflictiva de Morrison, así como su alcoholismo y adicción a las drogas, marcaron la corta vida artística de “The Doors” (1965-1971), llenándola de controversias y escándalos, mismos que contribuyeron a su meteórica ascendencia y fama, pero también a su abrupto final.

Su disco “L.A. Woman”, sexto del grupo, tiene cierta tendencia hacia el sonido Blues, que fue influencia para un joven Morrison, sin embargo, en el caso de “Riders on the storm” el sonido es mucho más cercano al jazz que cualquier otro estilo o género.

La letra tiene tres temas muy identificables y en alguna forma relacionados entre sí: un cierto pesimismo determinista (capeando la tormenta en este Mundo al que fuimos lanzados); y dos elementos autobiográficos: la mezcla entre la emoción y el pánico de los que piden aventón (autoestop, hacer dedo, pedir raite, pedir pon), que van al encuentro de un amor o de una aventura, pero poniendo en riesgo su seguridad y en tercer término, el rol de su mujer en la relación de pareja.

Pesimismo determinista:

“Riders on the storm                        /             Auriga en la tormenta

Into this house we’re born             /             En esta casa nacimos

Into this world we’re thrown         /             A este mundo nos lanzaron

Like a dog without a bone              /             Como a un perro sin hueso”

 

Psicósis:

“There’s a killer on the road                      /             Hay un asesino en el camino

His brain is squirming like a toad            /             Su cerebro detestable y retorcido

Take a long holiday                                      /             Toma unas largas vacaiones

Let your children play                                  /             Deja jugar a tus hijos

If you give this man a ride                          /             Pero si le das aventón a este hombre

Sweet family will die                                     /             Tu dulce familia morirá

Killer on the road, yeah                              /             Asesino en el camino, sí”

 

Necesidad de Amor:

“Girl you gotta love your man          /          Nena, tienes que amar a tu hombre

Girl you gotta love your man            /          Nena, tienes que amar a tu hombre

Take him by the hand                         /          Tomarlo de la mano

Make him understand                        /          Hacerlo entender

The world on you depends                /          Que su Mundo depende de tí

Our life will never end                         /          Y nuestra vida (juntos) será eterna

Gotta love your man                            /          Tienes que amar a tu hombre”

 

Estos mensajes, en combinación con la música, reflejan fielmente la intensidad típica de Morrison; te inquieta, te mueve, te incomoda, pero a la vez, te fascina, te envuelve.

Musicalmente, esta pieza es sumamente interesante. Así como la mayoría de las películas tienen música de fondo, esta canción tiene un sonido de fondo, el de una tormenta; lo cual, la hace única, le da un carácter ominoso y virtualmente, le agrega otra dimensión sensorial.

Otra particularidad es que en la música Pop-Rock contemporánea, el puente instrumental (o solo instrumental), usualmente lo desempeña la guitarra y en ocasiones, algún instrumento de viento; en este caso hay dos, primer uno de guitarra y el principal a cargo de los teclados, deliciosamente interpretados por Ray Manzarek.

Piano eléctrico, Rhodes Fender, como el utilizado por Ray Manzarek en esta canción

Piano eléctrico Fender Rhodes, como el utilizado por Ray Manzarek en esta canción

 

Lo que se escucha en los primeros quince segundos solo son la lluvia y un trueno, entra enseguida el bajo con la base rítmica, que aparecerá prácticamente en todo el resto de la canción, formada por 8 notas sucesivas que se repiten hipnóticamente. Durante medio minuto van incorporándose suavemente el teclado y la batería, para finalmente recibir a la imponente voz de Morrison y a las incursiones de la guitarra, que comienzan a desarrollar la historia y sus ramificaciones sonoras.

A pesar  de la letra y de la constante presencia de la lluvia y los truenos, la sensación que deja escuchar esta canción es que, perseverando, siempre es posible atravesar la tormenta.

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: El cuarteto “The Doors” no contaba con un bajista; por lo que para esta grabación se contrató a Jerry Scheff, quien en su momento trabajó con Elvis Presley. En las presentaciones en vivo, el tecladista Ray Manzarek producía la base rítmica correspondiente al bajo, usando los teclados.

PD 2: En alguna de las autobiografías de los integrantes de “The Doors”, se menciona que esta canción solo se interpretó dos veces en vivo frente a una audiencia y que no se conservan ni grabaciones, ni filmaciones de dichas presentaciones, debido en parte a que Morrison murió tres meses después del lanzamiento del álbum.

PD 3: Jim Morrison es miembro distinguido del “Club de los 27”, que son una serie de notables músicos (trágicamente) fallecidos a la edad de 27 años; entre ellos: Brian Jones, fundador de los Rolling Stones; Janis Joplin, Jimi Hendrix, Kurt Cobain y Amy Winehouse.

Los miembros más distinguidos del "Club de los 27"

Los miembros más distinguidos del “Club de los 27”

 

PD 4: “The Doors” es una de las bandas que más discos ha vendido en la historia, alrededor de 105 millones, pero, como muchas otras grandes agrupaciones, su éxito empezó a fincarse en las presentaciones en vivo en pequeños Clubes, en esto caso,  en el área de Los Angeles, California. (Ver reseña: Clubes & Rock’n’Roll). Paradójicamente, a Jim Morrison parecía no gustarle aparecer frente a una audiencia, como quedó demostrado en más de una ocasión, cuando sus shows se detuvieron, se retrasaron o de plano, se cancelaron, porque Morrison se peleaba, se desvanecía, era arrestado, o simplemente, se negaba a cantar.

PD 5: La portada del disco “L.A. Woman”, a diferencia de muchas otras de la época, es simplemente una foto enmarcada de los miembros del cuarteto. Aunque las primeras ediciones, tenían recortada la parte interior del marco, en el cual estaba pegada la foto, impresa en una película de plástico transparente.

Funda original del L.P. "L.A. Woman", poco creativa, en contraste con la música que contenía y otros trabajos de la época

Funda original del L.P. “L.A. Woman”, poco creativa, en contraste con la música que contenía y otros trabajos de la época

 

PD 6: El paso de Morrison y Manzarek por una escuela de Artes en UCLA, se nota en la elección del nombre del grupo, que hace referencia al título del libro de Aldous Huxley “The Doors of Perception” (Las puertas de la percepción), que  a su vez, hace referencia a una frase del poeta William Blake: “If the doors of perception were cleansed every thing would appear to man as it is, infinite” (Si las puertas de la percepción se liberaran, todo se le aparecería al hombre tal como es: infinito).

PD 7: Como si fuera un acto premonitorio ante la proximidad de su muerte, la última colaboración en estudio que hizo Jim Morrison con “The Doors”, fue grabar su voz  cantando en susurro, para luego sobreponerla a la voz original (Técnica de grabación conocida como Overdub), lo cual, le da al sonido final de la voz, un efecto de eco muy particular, casi estremecedor.

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Rudie can’t fail, The Clash

En la cúspide de su capacidad creativa, “The Clash” reinterpreta los ritmos caribeños que invadieron la isla Británica a finales de los 70s, para defender enfáticamente a los chicos “Rude”. De su magnífico disco de 1979, “London Calling”: “Rudie Can’t fail

Hola,

Once años de gobierno del partido Laborista en Inglaterra (de 1964 a 1970 y de 1974 a 1979), marcados por políticas populistas, estatistas y controladoras, derivaron en un perene estancamiento social y económico, con el consiguiente desempleo e inflación que culminaron en un descontento que hartó a buena parte de la sociedad inglesa y muy particularmente a su juventud.

Es bajo estas circunstancias que el movimiento Punk (musicalmente importado de N.Y.) se afianza en la juventud británica, pues logra canalizar y expresar perfectamente el sentimiento de impotencia y desesperanza reinante en aquellos momentos (Ver reseña de la canción “Anarchy in the UK”).

El mejor exponente musical del Punk es, por mucho, “The Clash” y en parte lo es, no solo por hacer una crónica inteligente e irónica de lo que estaba sucediendo en su país (y buena parte del Mundo) allá en el final de los años 70s, si no por haber sabido incorporar su actitud Punk a otros ritmos y estilos musicales, sin perder su identidad, integridad y energía.

Y eso es precisamente lo que describe a “Rudy Can’t Fail”, ya que es una canción de actitud Punk que denuncia, se rebela y se solidariza, utilizando un estilo muy cercano al Reagge jamaiquino, pero, con el inconfundible sello “The Clash”.

La letra, es una especie de diálogo entre los guitarristas y vocalistas Mick Jones y Joe Strummer, en el que uno arremeda a la gente que criticaba y se burlaba de los chicos “Rude” (“Rude Boys”. ver reseñas “Death of the Rude Boy” y “A message to you Rudy”) y el otro contesta defendiéndose, como si fuera uno de ellos.

“Hear them sayin’                                      /    Los oigo decir:

How you get a rude and a reckless?     /    ¿Cómo distingues a un descortés e imprudente?

Don’t you be so crude and a feckless   /    No seas tan violento e irresponsable

You been drinking brew for breakfast      /       Bebiste cerveza de desayuno

Rudie can’t fail                                            /    No falla, es un Rudie

Letra de la cacnión impresa en la funda del disco LP en Vynil

Letra de la canción impresa en la funda del disco LP en Vynil

El valor de la canción está en su interpretación, pues tiene muchos elementos como para parecerse significativamente a un ritmo Reagge, pero, conserva un estilo muy particular de “The Clash”: Las voces se alternan entre Jones y Strummer, pero no de manera melódica, sino más bien como recreando una conversación muy casual entre dos jóvenes, totalmente  despreocupados por lo que los demás piensan de ellos. También la distinguen, la velocidad en la ejecución y la inclusión de una frase-himno que raya en el Pop: “Rudie can’t fail”.

En todo caso, es otra canción pegajosa, cuyo principal valor es la crónica muy precisa de una época y con un sonido bastante atemporal, que al menos, invita a seguir el ritmo si no es que a intentar algunos pasitos de baile jamaiquino.

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Podrían escribirse muchas páginas acerca del álbum “London Calling”, en esta postdata solamente mencionaremos algunas de sus distinciones:

Según la revista Rolling Stone 1987, 100 mejores álbumes:  Lugar 14

Revista Rolling Stone 1989: Mejor disco de la década de los 80s

Revista NME 1993, los mejores álbumes de los 70s:  Lugar 6

Revista Q 1999, los 100 mejores discos de Gran Bretaña: Lugar 4

Revista Rolling Stone 2002, 500 mejores discos de la historia: Lugar 8

PD 2: Buena parte del sabor jamaiquino de la canción se debe a la inclusión de una sección de metales (Trompeta, saxofón, trombón), ya que “The Clash”, tenía la clásica formación del Rock’n’Roll: dos guitarras, un bajo y una batería.

Esta prestigiosa sección de metales se agrupa bajo el nombre “The Irish Horns”, quienes han trabajado en conjunto o como solistas con gente como: Graham Parker, “Katrina and the Waves”, U2, “The Boomtown Rats”, Cliff Richard, Elvis Costello, Rory Gallagher, Phil Lynott y muchos más.

PD 3: El álbum fue producido por Guy Stevens, quien previamente había trabajado con “Mott the hoople” (“All the Young dudes”) y con “Traffic” (Que incluía entre sus miembros a músicos de la talla de Steve Winwood y Jim Capaldi) y cuyos métodos de grabación se consideraban poco ortodoxos, pero que compaginaron con los miembros de “The Clash” ayudándolos a formar un grupo compacto y comprometido, lo cual se nota destacademente en el disco.

PD 4: El disco fue grabado en los Estudios Wessex en Londres, donde también grabaron, entre otros, “The Sex Pistols” y “The Pretenders”

Stevens murió de manera trágica al poco tiempo de publicarse su obra maestra.

PD 4: Al final de la canción, la letra hace referencia hacia una de las prendas características de los “Rude Boys”, el sombrero tipo “Pork Pie”.

 

En la letra de la canción, se hace mención específica a este tipo de dombreros, típiocos de los "Rude Boys" "You think you're pretty hot In your pork pie hat But...Rudie can't fail"

En la letra de la canción, se hace mención específica a este tipo de sombreros, típicos de los “Rude Boys”
“You think you’re pretty hot
In your pork pie hat
But…Rudie can’t fail”

 

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser