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Ashes to ashes David Bowie

“No sé adónde iré después de aquí, pero les prometo que no será aburrido / “I don’t know where I’m going from here, but I promise it won’t be boring.” David Bowie”

Hola,

Hace solo unos días murió el que quizá ha sido el músico más peculiar de las últimas seis décadas: David Bowie. El hecho en sí me trastornó mucho, máxime que en lo personal, también estoy pasando por un trance de salud similar al que él enfrentó al final de su vida.

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Mutar era una característica de Bowie, tanto en su estilo musical, como en su imagen

Pero lo más triste, es saber que el Mundo y la cultura pop han perdido a una persona tan creativa, tan perfeccionista, tan divertida. Afortunadamente, aunque se va el Artista, nos deja su obra.

Allá por los inicios de los años 80s del sigol XX, una muy querida compañera de la Universidad (“Lady Slim” para mantener su anonimato), accedió a prestarme algo de la música que tenía. A diferencia de hoy, en ese entonces eso significaba prestar discos LP de vinyl que eran muy delicados y era una gran responsabilidad recibirlos en préstamo pues podían maltratarse muy fácilmente.

Lady Slim había cursado parte de la preparatoria en Boston, así que la música que trajo de allá era muy diferente a la que podía normalmente conseguirse en México, en aquella época de ostracismo cultural que reinaba en el país.

Entre la música que me prestó, estaba “Scary Monsters” (Monstruos terroríficos), obra de Bowie publicada en 1980.

Scary Monsters Cover

Portada del disco “Scary Monsters”, en la que Bowie encarana a otro de sus legendarios alter-ego: Pierrot-Bowie

Escucharlo por primera vez fue un shock. En primer lugar, nunca un disco me había producido emociones tan fuertes como encontradas, ignorarlo era imposible. Al principio me disgustó mucho, me pareció caótico e indigerible. Pensé que era el ejercicio caprichoso e “intelectualoide” de una estrella del rock para justificar su fama de originalidad.

Sin embargo, al terminar de escucharlo me quedó un tenue impulso, inexplicable, para volverlo a oír. Y qué bueno que lo hice, pues cada vez que volvía a escuchar una de sus canciones, iba descubriendo su genialidad, originalidad y sobre todo, su calidad.

Como mucha del resto de la obra de Bowie, su música es un reto. No es fácil de asimilar, es exigente y generalmente no da concesiones, pero a la larga, te convence por ser auténtica y conscientemente cercana a la perfección.

Del “Scary Monsters” tengo que recomendar “Ashes to ashes” / Cenizas a las cenizas.

Esta frase es utilizada frecuentemente en los sepelios, por lo que está asociada a la muerte, a un final y justamente el disco “Scary Monsters”, significó en su momento, el final de una etapa en la carrera artística de Bowie.

Muchas de las frases de la letra tienen un tinte sospechosamente autobiográfico. En particular, a mí me gustan los siguientes versos:

“I never done good things / Nunca hice cosas buenas

I never done bad things / nunca hice cosas malas

I never did anything out of the blue / nunca improvisé”

En general, la canción tiene un tono melancólico. Intentar describir la melodía con palabras sería complicado e inútil; solo me atrevería a decir que es un intrincado conjunto de sonidos que logran el objetivo de transmitir esa sensación de añoranza. . . y desapego.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Estas son algunas de las reseñas que anteriormente he hecho a canciones de David Bowie.

Under Pressure

Thursday Child

Space Oddity

PD 2: David Bowie es uno de los muy pocos músicos que lograron mantenerse en los 5 primeros lugares de las listas, sea con sus álbumes o con sencillos, en 6 décadas diferentes (60s, 70s, 80s, 90s, 00’s y 10’s)

PD 3: Algunas veces, para lograr el sonido que quería para cierto disco, Bowie reclutaba músicos de primer nivel para expresarles sus ideas y pedirles su colaboración; esta fórmula no solo le dio éxito, sino que además, dejó profundas huellas artísticas en los músicos que trabajaron con él (cómo puede constatarse en el muy interesante documental de la cadena británica BBC: “Bowie: 5 years” / Bowie: 5 años). Algunos de esos afortunados músicos fuero: Rick Wakeman (“Yes”), Brian Eno (“Roxy Music” / U2), Luther Vandross, Pete Townshend (“The Who”), Nile Rodgers (Chic, Diana Ross, “INXS”, “Duran Duran”, Madonna), Robert Fripp (“King Crimson”) y varios más.

PD 4: En esta canción se hace una referencia muy directa a un personaje que aparece en el primer gran éxito que tuvo Bowie en su carrera: el astronauta “Major Tom” y a través de la letra y de ciertos rasgos autobiográficos que hay en la misma, podría fácilmente deducirse que Bowie está cerrando un círculo, despidiéndose así de una etapa de su vida y de una parte de su estilo musical.

La letra de la canción comienza así

“Do you remember a guy that’s been / ¿Te acuerdas de un tipo que ha estaso
In such an early song / en una antigua canción?”

Y termina así:

“My mother said to get things done / Mi mmadre dice que para lograr algo
You’d better not mess with Major Tom / no hay que volverse a meter con el Mayor Tom”

En lo que parece un claro mensaje de que a pesar de su gran éxito con música del pasado, hay que dejarla de lado para poder seguir adelante.

Este personaje el Mayor Tom, ha sido referenciado en canciones de otros muchos artistas e incluso tiene una secuela en la canción de 1983 del artista Alemán, Peter Schilling, “Major Tom (Coming home).

PD 5: Gracias Bowie, gracias

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Seven years in Tibet David Bowie

Hola,

En este mismo Blog he comentado en varias oportunidades, que la música Pop contemporánea se desarrolló a partir de la necesidad de divertirse por parte de ciertos jóvenes músicos de la década de los 50s del siglo XX. Como resultado de lo anterior, por algún tiempo el objetivo primordial de esta música era el baile y su temática principal, las historias de amor (o desamor).

Tan solo unos años después, algunos jóvenes se tomaron más en serio las cosas y llevaron la temática de su música más allá de su entorno inmediato; uno de los percusores de esta idea de hablar acerca de temas “serios” fue el estadounidense Bob Dylan, quien a su vez, le recomendó a hacer lo mismo a los miembros de “The Beatles” y desde entonces, la música juvenil contemporánea ha enriquecido su contenido incluyendo los más diversos temas.

Para el comentario de esta ocasión, he elegido una obra sofisticada, retadora y demandante, que ejemplifica muy bien esta corriente de música seria, comprometida, con mensaje.

Y para poder entenderla mejor, hay que tomar dos referencias muy concretas; la primera, es la invasión del Tibet por parte del ejército Chino en 1950. Y la segunda, la admiración que desde muy joven ha sentido el músico David Bowie por la cultura Budista y por el Tibet.

Según el mismo Bowie, más o menos a la edad de 19, un libro cambió su visión de la vida; “Seven years in Tibet”, escrito por Heinrich Harrer, un aventurero Alemán, que describe su estancia en aquel país, previo a la ocupación por parte de China.

sieben jahre in tibet

Las memorias de un aventurero germánico que dieron a conocer más ampliamente a la cultura occidental la vida en el Tibet

Varias canciones de Bowie hacen referencia a las imágenes a la vez exóticas y espirituales que se inspiran en los relatos de aquel libro; pero no sería sino hasta 1996 cuando Bowie plasmaría su visión y sentimiento hacia la ocupación de Tibet por parte de China y la vez su admiración hacia el libro de Harrera través de la canción cuyo nombre es precisamente: “Seven years in Tibet” de su álbum “Earthling”.

El primer verso de la canción basta para mostrar el fondo del mensaje:

“Are you OK?                                   /      ¿Estás bien?

You’ve been shot in the head     /      Te han disparado en la cabeza

And I’m holding your brains      /      Y yo estoy sosteniendo tu cerebro

The old woman said                      /      Dijo la vieja mujer

So I drink in the shadows            /      Así que bebo las sombras

Of an evening sky                           /      De un cielo al atardecer

See nothing at all”                          /      y no veo nada

Es la imagen de alguien que sabe que está muriendo, aunque no sepa porque.

La música complementa perfectamente la imagen anterior. Comienza con una especie de marcha en la que el tambor puede significar la marcha del ejército Chino, que va adentrándose en la villa tibetana, representada por sonidos casi etéreos del sintetizador, que van de un lado a otro como el viento de la montaña.

Repentinos sonidos cortos de guitarra rompen con la armonía que marcan los suaves rasgueos de la guitarra y la breve y repetitiva melodía del saxofón; es la irrupción violenta que rompe con la pacífica rutina inmemorial del poblado.

Aquí y allá (canal derecho y canal izquierdo) se escuchan algunos disparos.

Y es en medio de esta lenta y confusa yuxtaposición de realidades, la apacible y cotidiana con la sorpresiva y destructiva, que sucede la reflexión del moribundo.

A continuación, la canción cambia de ritmo e intensidad y las guitarras y el bajo forman una especie de Guernica sónico que ilustra la violencia de la situación.

Nitefly Parker Guitar Reeves Gabrels

Guitarra modelo Nitefly, marca Parker, como la utilizada magistralmente por Gabrels en esta canción

Guernica: expresión visual del horror de la guerra. Pintura de Pablo Picasso que

Guernica: expresión visual del horror de la guerra. Pintura de Pablo Picasso

De ahí al final, el ciclo se repite, mientras Bowie a través de un mantra nos afirma que nada se destruye (El Alma es eterna) (“Nothing ever goes away”   /  Nunca nada se va)

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Para una más amplia explicación de la influencia del Budismo en la música de Bowie, y en particular una más detallada y profunda explicación de “Seven years in Tibet”, existe este excelente blog: “Pushing ahead of the dame” de Chris O’Leary.

PD 2: En la composición de esta canción participó el guitarrista Reeves Gabrels, quien en algún momento de su carrera tuvo una breve aparición con el grupo Británico “The cure”; en “Seven years in Tibet” la ejecución de Gabrels en la guitarra es fundamental para transmitir la sensación de caos y destrucción que ha de haber sentido la gente del Tibet durante su sometimiento por parte del ejército Chino

La imagen, el estilo musical y la proclividad a la experimentación e improvisación, le permitieron a Gabrels integrarse naturalmente al resto del equipo de Bowie para este disco

La imagen, el estilo musical y la proclividad a la experimentación e improvisación, le permitieron a Gabrels integrarse naturalmente al resto del equipo de Bowie para este disco

PD 3: Casi de manera simultánea a la aparición del disco “Earthling”, se estrenó la película “Seven years in Tibet”, protagonizada por Brad Pitt en el papel de Heinrich Harrer; lo cual refleja el interés que por aquella época volvió a sucitarse en relación a la situación, todavía hoy prevaleciente, en Tibet.

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Película basada en el muy influyente libro de Harrer

PD 4: La promoción de este disco en 1997 permitió la única presentación de David Bowie, en México hasta la fecha;  inaugurando del Foro Sol el 23 de octubre de 1997.

Bowie Foro Sol

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Under pressure, Queen + David Bowie

Hola,

Por miedo a los depredadores, por indefensión contra los eventos de la naturaleza, por las consecuencias de la competencia con otros seres humanos, o simplemente, por la incertidumbre de lo que vendrá después, el ser humano siempre ha estado sometido a estrés, ha sentido miedo; se encuentra constantemente bajo presión.

El Grito, Edvard Munch 1893

El Grito, Edvard Munch 1893

Coescrita por los integrantes del grupo Británico “Queen” y por David Bowie, Under Pressurees una canción de 1981, cuya letra es el testimonio de lo que sucede con las personas a nuestro alrededor, como consecuencia de la presión inherente al vivir.

En la actualidad, esta presión surge las más de las veces de la cotidianeidad (sonido repetitivo y ominoso del bajo) y todos hemos atestiguado como a algunas personas las altera (chasquido de los dedos) y a otras, de plano las tira, las rompe (aplausos).

Así es como comienza esta pieza, con una repetición de notas del bajo, que constituyen la tarjeta de presentación de la canción y la hacen inconfundible, acompañadas por una serie de tronidos de dedos y palmas (aplausos) alternados.

Después de esta introducción, casi de inmediato, aparece el sonido del piano que aporta un sonido melancólico y solo un poco después, de pronto, surge un melodioso sonido de la guitarra que representa la salida, la esperanza, un modo de actuar propuesto sutilmente, que permite enfrentar dicha presión.

En alguna reseña en internet se menciona que esta canción es como una versión light de Rapsodia Bohemia, pues guardan algunas similitudes en su estructura; a mí me remite más hacia algunos trabajos de “The Beatles” en los que, literalmente, pegaban una canción de John Lennon con una de Paul McCartney y salía una obra maestra. Tú, ¿Qué opinas?

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Esta canción apareció como sencillo y como parte del disco “Greatest Hits” de Queen y posteriormente fue incluida en su álbum “Hot Space”. Adicionalmente, también aparece en el álbum “Best of Bowie” del 2002

Under Pressure Single Cover

Funda del sencillo, aparecido los días 26 (GB) y 27 (EUA) de Octubre de 1981

PD 2: Para David Bowie, esta es una de sus cinco canciones que llegaron al #1 de las listas en su natal Gran Bretaña y para “Queen” una de sus tres #1

PD 3: En los 80s fue práctica común el efectuar duetos súper estelares:

Stevie Nicks + Tom Petty         Madonna + Prince

Ozzy Osborne + Lita Ford          Kate Bush + Peter Gabriel

Tina Turner + Bryan Adams          Mick Jagger + David Bowie

Phil Collins + Philip Bailey          Ann Willson + Mike Reno

PD 4: Existe la leyenda de que el video oficial de esta canción no presenta ni a Bowie, ni a los integrantes de “Queen”, porque estaban peleados. Lo que sucedió es que ambos estaban de gira y no hubo oportunidad de grabar un video; pero, si existió una fuerte discusión entre Mercury y Bowie acerca de cómo mezclar la canción.

PD 4: Una de las frases de esta canción hace referencia a que el estrés lleva a la gente a las calles.

“Under pressure    /   Bajo presión

That burns a building down   /   Que incendia un edificio hasta tirarlo

Splits a family in two   /   Que divide a una familia

Put people on streets   /   Que pone a la gente en la calle”

Esto puede tener varias interpretaciones:

a)     Estar en la calle = estar quebrado, no tener nada

b)     Estar en la calle = estar muy mal

c)     Salir a la calle = Protestar

d)     Salir a la calle = pasear y divagar para mitigar la presión

Hace poco, reseñé otra canción (“Overkill”) que habla justo de como la ansiedad puede combatirse saliendo a la calle.

PD 5: Bonus: Versión previa con una letra totalmente diferente

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Thursday’s Child

Hola,

Es la antesala del fin de semana y día dedicado a Júpiter (O al Dios Thor en las culturas del norte de Europa, de ahí el nombre Thursday) y aun así, no fue fácil encontrar una canción que hable del jueves.

La canción elegida surge de un artista tan pródigo como difícil de asimilar, inclasificable y mutante. Se trata de “Thursday’s Child” del disco “Hours…” publicado en 1999 por David Bowie.

En esta canción, el inconfundible e inquietante estilo vocal de David Bowie, contrasta con una melodía accesible, prácticamente pop; algo sumamente raro dentro de su muy grande repertorio.

La confección musical, quizá por no ser tan compleja, es casi perfecta en su ejecución. La versión en vivo que presento a continuación, incluye una guitarra acústica de doce cuerdas, una guitarra eléctrica, un sintetizador, batería, bajo y a dos vocalistas femeninas y cada uno de sus sonidos es fácilmente discernible e identificable de manera individual, a la vez que es una delicia escucharlos en su conjunto.

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Guitarra acústica Takamine, como la utilizada en la presentación del video adjunto y cuyo sonido es perfectamente discernible, al igual que el resto de los instrumentos, denotando una excelente producción

La letra es definitivamente Bowie; críptica, no muy fácil de seguir, retadora; pero  incluye un par de frases demoledoras, entre ellas:

“Only for you I don’t regret” / Es solo por ti que no me arrepiento (4’34”)

“Nothing prepared me for your smile”  /  Nada me preparó para tu sonrisa (5’33”)

En el video, también puede apreciarse que al minuto con 58 segundos, Bowie se equivoca de verso y tiene que detenerse para volver a empezar; algo que es sumamente raro de encontrar en cualquier grabación.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Quizá porque las canciones del álbum “Hours…”, así como su producción, estuvieron a conjuntamente a cargo del propio Bowie y del guitarrista Reeves Gabrels, es que “Thursday’s Child” no es tan experimental, ni tan inaccesible, como suelen ser las obras de Bowie.

PD 2: El título de la canción está inspirado en la autobiografía de la actriz y cantante Eartha Kitt; quien fue una de las intérpretes del papel de Gatúbela, en la serie televisiva Batman producida en los años 60s.

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Del título de esta autobiografía, lectura predilecta de un joven Bowie, surge el nombre de la canción de esta reseña

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Eartha Kitt, actriz y cantante, que interpretó el papel de Gatúbela en la serie Batman de los 60s

 

PD 3: En la canción se repite muchas veces el coro: “Monday, Tuesday, Wednesday, born I was”  / Lunes, Martes, Miércoles, nací

David Bowie nació el 8 de enero de 1947, que fue un Miércoles.

Entonces, una posible interpretación de porque la canción habla del “Thursday’s Child” / El chico del Jueves, es que al principio de la letra, Bowie menciona que hay algo en él que lo diferencia de los demás y que quizá es solo que nació fuera de la época que le tocaba y entonces pide que le den el mañana, el futuro (donde se sentiría más cómodo).

Una metáfora para expresar que él debería pertenecer al futuro, es que debería haber nacido en Jueves y no en Miércoles, que fue cuando él nació.

PD 4: En el video adjunto, pueden disfrutarse a tres sobresalientes músicos contemporáneos:

Reeves Gabrels en la guitarra, quien como ya mencionamos, produjo y compuso conjuntamente las canciones del disco junto con Bowie y que participó en la gira del grupo “The Cure” del 2012.

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Guitarra modelo Les Paul Jr, muy similar a la utilizada por Reeves Gabrel en esta presentación

Mike Garson: en los teclados, es un pianista con fuertes inclinaciones hacia la música experimental y hacia el jazz y es uno de los músicos de sesión más buscados en la escena rock.

Y la fenomenal Gail Ann Dorsey, bajista que ha trabajado con “Tears for fears”, Lenny Kravitz, Bryan Ferry, Boy George, Gwen Stefani, Charlie Watts (baterista de “The Rolling Stones” con una sólida carrera en la escena jazzística), Seal y otros.

Gail Ann Dorsey y Mike Garson dieron un pequeño recital en la Ciudad de México en Diciembre de 2010, en el que pude constatar de primera mano sus excelentes habilidades técnicas, pero sobretodo, su gran capacidad para generar una profunda emoción.

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Poster de la emotiva presentación de Gail Ann Dorsey y Mike Garson en la Ciudad de México en el 2010

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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