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Ashes to ashes David Bowie

“No sé adónde iré después de aquí, pero les prometo que no será aburrido / “I don’t know where I’m going from here, but I promise it won’t be boring.” David Bowie”

Hola,

Hace solo unos días murió el que quizá ha sido el músico más peculiar de las últimas seis décadas: David Bowie. El hecho en sí me trastornó mucho, máxime que en lo personal, también estoy pasando por un trance de salud similar al que él enfrentó al final de su vida.

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Mutar era una característica de Bowie, tanto en su estilo musical, como en su imagen

Pero lo más triste, es saber que el Mundo y la cultura pop han perdido a una persona tan creativa, tan perfeccionista, tan divertida. Afortunadamente, aunque se va el Artista, nos deja su obra.

Allá por los inicios de los años 80s del sigol XX, una muy querida compañera de la Universidad (“Lady Slim” para mantener su anonimato), accedió a prestarme algo de la música que tenía. A diferencia de hoy, en ese entonces eso significaba prestar discos LP de vinyl que eran muy delicados y era una gran responsabilidad recibirlos en préstamo pues podían maltratarse muy fácilmente.

Lady Slim había cursado parte de la preparatoria en Boston, así que la música que trajo de allá era muy diferente a la que podía normalmente conseguirse en México, en aquella época de ostracismo cultural que reinaba en el país.

Entre la música que me prestó, estaba “Scary Monsters” (Monstruos terroríficos), obra de Bowie publicada en 1980.

Scary Monsters Cover

Portada del disco “Scary Monsters”, en la que Bowie encarana a otro de sus legendarios alter-ego: Pierrot-Bowie

Escucharlo por primera vez fue un shock. En primer lugar, nunca un disco me había producido emociones tan fuertes como encontradas, ignorarlo era imposible. Al principio me disgustó mucho, me pareció caótico e indigerible. Pensé que era el ejercicio caprichoso e “intelectualoide” de una estrella del rock para justificar su fama de originalidad.

Sin embargo, al terminar de escucharlo me quedó un tenue impulso, inexplicable, para volverlo a oír. Y qué bueno que lo hice, pues cada vez que volvía a escuchar una de sus canciones, iba descubriendo su genialidad, originalidad y sobre todo, su calidad.

Como mucha del resto de la obra de Bowie, su música es un reto. No es fácil de asimilar, es exigente y generalmente no da concesiones, pero a la larga, te convence por ser auténtica y conscientemente cercana a la perfección.

Del “Scary Monsters” tengo que recomendar “Ashes to ashes” / Cenizas a las cenizas.

Esta frase es utilizada frecuentemente en los sepelios, por lo que está asociada a la muerte, a un final y justamente el disco “Scary Monsters”, significó en su momento, el final de una etapa en la carrera artística de Bowie.

Muchas de las frases de la letra tienen un tinte sospechosamente autobiográfico. En particular, a mí me gustan los siguientes versos:

“I never done good things / Nunca hice cosas buenas

I never done bad things / nunca hice cosas malas

I never did anything out of the blue / nunca improvisé”

En general, la canción tiene un tono melancólico. Intentar describir la melodía con palabras sería complicado e inútil; solo me atrevería a decir que es un intrincado conjunto de sonidos que logran el objetivo de transmitir esa sensación de añoranza. . . y desapego.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Estas son algunas de las reseñas que anteriormente he hecho a canciones de David Bowie.

Under Pressure

Thursday Child

Space Oddity

PD 2: David Bowie es uno de los muy pocos músicos que lograron mantenerse en los 5 primeros lugares de las listas, sea con sus álbumes o con sencillos, en 6 décadas diferentes (60s, 70s, 80s, 90s, 00’s y 10’s)

PD 3: Algunas veces, para lograr el sonido que quería para cierto disco, Bowie reclutaba músicos de primer nivel para expresarles sus ideas y pedirles su colaboración; esta fórmula no solo le dio éxito, sino que además, dejó profundas huellas artísticas en los músicos que trabajaron con él (cómo puede constatarse en el muy interesante documental de la cadena británica BBC: “Bowie: 5 years” / Bowie: 5 años). Algunos de esos afortunados músicos fuero: Rick Wakeman (“Yes”), Brian Eno (“Roxy Music” / U2), Luther Vandross, Pete Townshend (“The Who”), Nile Rodgers (Chic, Diana Ross, “INXS”, “Duran Duran”, Madonna), Robert Fripp (“King Crimson”) y varios más.

PD 4: En esta canción se hace una referencia muy directa a un personaje que aparece en el primer gran éxito que tuvo Bowie en su carrera: el astronauta “Major Tom” y a través de la letra y de ciertos rasgos autobiográficos que hay en la misma, podría fácilmente deducirse que Bowie está cerrando un círculo, despidiéndose así de una etapa de su vida y de una parte de su estilo musical.

La letra de la canción comienza así

“Do you remember a guy that’s been / ¿Te acuerdas de un tipo que ha estaso
In such an early song / en una antigua canción?”

Y termina así:

“My mother said to get things done / Mi mmadre dice que para lograr algo
You’d better not mess with Major Tom / no hay que volverse a meter con el Mayor Tom”

En lo que parece un claro mensaje de que a pesar de su gran éxito con música del pasado, hay que dejarla de lado para poder seguir adelante.

Este personaje el Mayor Tom, ha sido referenciado en canciones de otros muchos artistas e incluso tiene una secuela en la canción de 1983 del artista Alemán, Peter Schilling, “Major Tom (Coming home).

PD 5: Gracias Bowie, gracias

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Overkill, Men at work

Hola,

Quizás porque sus videos eran graciosos, tal vez porque la facha de algunos de sus integrantes era chistosa, o a lo mejor porque eran una banda Australiana, la música de “Men at work” ha sido un poco subvalorada.

Sin embargo, de su segundo disco de larga duración, “Cargo”, publicado en 1983, surge una canción cuya letra, música y video, relatan de manera muy precisa la frustración, el miedo y la angustia, de todos aquellos que hemos tenido alguna vez, un ataque nocturno de insomnio por ansiedad. Se trata de “Overkill”.

Ya desde las dos primeras estrofas de la letra, su autor y cantante del grupo , Colin Hay, describe uno de esos ataques de ansiedad:

Letra Overkill

 

La cadencia de la melodía y la interpretación vocal de Colin Hay, transmiten con sus sonidos el mensaje de la canción, también de manera efectiva y el toque maestro se da, con la inclusión de un suave y melancólico clarinete.

A continuación, viene la versión original.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Trece años después de su lanzamiento, sale al mercado un cover realizado por el grupo americano “Lazlo Bane”. En esta versión, la música es ejecutada con más energía, lo cual, hace que el carácter de la canción pase de resignación a desesperación, conservando el sentido de urgencia. En la parte final de la canción participa el propio Colin Hay en la voz principal.

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Guitarra Fender modelo Jazzmaster, como la utilizada en el video de “Lazlo Bane”

PD 2: En el 2003, Colin Hay saca al mercado un disco como solista, en el que interpreta varios de los éxitos de “Men at work”, en versiones acústicas, incluyendo “Overkill” utilizando solo dos guitarras y la propia voz de Hay. Esta versión es más íntima, como si un amigo te estuviera contando sus problemas para enfrentar el stress de la vida cotidiana y sus consecuentes insomnios.

Tuve oportunidad de escuchar en vivo esta versión, en una presentación que hizo Hay en el hoy ya extinto Hard Rock Live! de la Ciudad de México y en línea con muchas opiniones que he leído en internet, quizá esta versión llega más profundo que la original.

PD 3: “Men at work” fue uno de los grupos que pudo proyectarse de manera internacional gracias a MTV; siendo la única banda de origen Australiano que ha logrado tener en el primer lugar de las listas de Estados Unidos y Gran Bretaña, un disco y un sencillo simultáneamente y ventas por más de 30 millones de discos.

PD 4: En años recientes, Colin Hay ha participado en la “All Starr Band”, banda de apoyo de las giras de Ringo Starr

PD 5: “Overkill”  ha llegado a las nuevas generaciones a través de su inclusión en la serie “Scrubs”

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Linger, The Cranberries

Hola,

Como parte de la evolución musical que venía gestándose, lenta pero sólidamente, desde unos años atrás en Irlanda, a principio de los 90s surge “The Cranberries”, agrupación que en su primer disco “Everybody Else Is Doing It, So Why Can’t We?” recurre también a un sonido solemne y a una voz femenina con carácter, con los que, añadiéndole una letra relacionada con un evento de desamor, logra consolidar un éxito internacional.

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The Cranberries, uno de los exitosos grupos Irlandeses surgidos en los 90s

Se trata de “Linger” una balada de recriminación hacia la falta de compromiso de la pareja, que alarga la relación, sin una razón.

Al igual que con otras piezas de la misma época que ya hemos reseñado (“Speaking confidentially”  y “Ariel”), “Linger” tiene un sonido triste, enfatizado por el uso de instrumentos acústicos de cuerda (violines, violas) y en el que destaca la vocalista femenina, en este caso Dolores O’Riordan, que logran crear una atmósfera melancólica. La diferencia está en que la letra de esta canción, es menos críptica y alude a un tema muy popular: la desilusión amorosa; lo cual, le permitió tener éxito internacional.

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Estéticamente similar a otras canciones de la época, algo obscura y melancólica , “Linger” logró el éxito recurriendo a un tema popular: El desamor

La canción tiene dos partes; una introducción cuyos primeros diez segundos los llenan tres notas recurrentes de guitarras, a los que,  cinco segundos después, se les une un muy discreto tarareo y suaves intervenciones de los instrumentos de cuerdas.

La segunda parte comienza en el segundo 36, con la irrupción del bajo eléctrico y una mucha más sólida presencia de la sección de cuerdas, como preludio a la entrada de O’Riordan y al ritmo casi militar de la batería en el fondo.

 

 

Desde la Ciudad más grande del Mundo.

JH

PD: Otro elemento que comparte esta canción con otras similares de la época, es la presencia de una segunda voz femenina en el coro de acompañamiento.

PD 2: Aquellas frases que se consideran importantes dentro de la letra, se enfatizan mediante una técnica de grabación conocida como “overdubbing”, que consiste en grabar lo mismo varias veces sobre sí mismo con un pequeño desfase de tiempo, para dar un efecto de multiplicidad. Por ejemplo, en las frases “It’s tearing me apart, It’s ruining everything. Next what” al prinicpio de la intervención de O’Riordan, en la que parece que hay más de una persona cantando.

¿Puedes identificar en que otras frases se utilizó esa misma técnica?

PD 3: Aunque Dolores O’Riordan es irlandesa su nombre es latino y proviene de su ascendencia Católica. Irlanda ha estado dividida por años debido a las resistentes creencias religiosas de ambos bandos; el Católico y el Protestante.

PD 4: Cuando O’Riordan llegó al grupo en 1990, tan solo contaba con 19 años de edad; la canción “Linger” ya existía, pero ella modificó la letra y su inserción en el grupo, dada su inusual voz y su habilidad como compositora, fueron determinantes para que “The Cranberries” tuvieran éxito mundial.

PD 5: El sonido de “Linger” aunque apreciable en otras canciones de esa época, no es el característico del grupo, que más bien suena rockero en la mayor parte de su obra y quizá a eso se deba que, en un principio, “Linger” fuera más exitosa en Estados Unidos que en la Gran Bretaña.

PD 6: El fenomenal documental “From a whisper to a scream”, describe como la escena musical de Irlanda pasó de ser el patito feo de la Gran Bretaña, a ser todo un suceso de alcance e influencia global, produciendo artistas de la talla de U2, Bob Geldoff, “The Corrs”, “The Cranberries”, Sinead O’Connor, “Riverdance”, “Clannad” y otros.

PD 7: El disco donde se incluye esta canción, fue producido por Stephen Street, quien años antes había trabajado con el icónico grupo “The Smiths” y que también ha producido a “Blur”, “The Pretenders” y a un ascendente grupo contemporáneo “The Kaiser chiefs”

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Ariel, October Project

Hola,

Ariel es una palabra Hebrea que significa el león de Dios y también, es el nombre de la canción a reseñar en esta ocasión.

En el blog anterior (“Speaking confidentially”), mencionamos que cierta corriente de la música de los 90s, se salpicó con un poco de melancolía; “Ariel” del disco “October Project”, de 1993,  es otro ejemplo en el que la letra, el ritmo, la selección de instrumentos y sobretodo la interpretación vocal, crean una atmósfera de tensión emocional.

La versión de estudio comienza con una melodía interpretada con teclados, en la que a los cuatro segundos se escucha una muy leve intervención de la guitarra y hacia los ocho se le unen el bajo y la imponente voz de Mary Fahl, relatando el primer verso de la canción. Es en este verso que se plantea el dilema y el carácter de la canción:

“My name is Ariel

And I want to be free

It is your sorrow

That has made a slave of me”

Y es al terminar este verso (a los 25”) que un rasgueo de guitarra le da entrada a una pequeña sección de cuerdas: dos violines, una viola y un violoncelo, que acentúan el tono dramático de la obra.

La música vuelve a cambiar doce segundos después (al 37”), cuando la vocalista anuncia la llegada del Sol y como para enfatizar el cambio de escenario, comienza a sonar la batería; y sin ser una melodía alegre, el ritmo y la letra comienzan a esbozar una posible aunque dolorosa solución, al problema de Ariel. Los invito a escuchar el resto de esta historia.

Desde la Ciudad más grande del Mundo.

JH

PD: Algunos críticos ha comparado el sonido de “October Project” con el de “Jefferson Airplane”, debido a la similitud en la voz de Mary Fahl con la de Grace Slick; como puedes constatarlo en la reseña que hice de la canción “White Rabbit”

PD 2: El nombre del grupo: “October Project” así como la portada del disco del mismo nombre, nos remiten inevitablemente a relacionarlos con el “Halloween” (Noche de brujas) y en adición, en 1993, el arreglo personal de Mary Fahl, su palidez, su voz y el sonido sombrío de la mayoría de las canciones del disco “October Project”, podrían colocarlos muy cerca del Rock Goth, como el que años más tarde realizaría el grupo “Evanesence” (Como puedes comprobarlo en la reseña de su canción “Bring me to life”)

October Project LP

Portada del disco cuya elección de colores e imagen nos remiten a la noche de brujas y al sonido oscuro de la mayorá de sus canciones

Mary Fahl

De cabello oscuro, piel pálida y maquillaje contrastante, Mary Fahl vocalista del grupo, luce definitivamente Goth (Dark)

PD 3: La versión en vivo de la canción, nos permite ver el look Goth de Mary Fahl y testificar que, al contrario de su potente voz, no tiene una gran presencia escénica y también nos deja escuchar la sustitución de los instrumentos de cuerda por sintetizadores, lo cual, le resta un poco de brillo a la canción.

PD 4: En muchas culturas, el Judaísmo incluido, el Nombre es Sagrado y el verdadero nombre de las personas es más que una denominación, es una definición. Al final de esta canción se escucha la determinación del protagonista por seguir adelante y buscar un futuro por sí mismo, mediante la afirmación de su Nombre: “My name is Ariel”.

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Speaking confidentially, Cowboy junkies

 

Hola,

En tanto que puede decirse que la música de los ochentas era extrovertida, colorida y exhibicionista y baste recordar a Cindy Lauper o a Boy George para constatarlo; puede afirmarse también, que la música de los noventas fue un poco más introspectiva, menos abierta e incluso, algo sombría.

Tal es el caso de la canción a reseñar en esta ocasión. Se trata de “Speaking confidentially” del grupo canadiense “Cowboy junkies”; publicada en su disco “Lay it down” de 1996.

 

Cowboy Junkies Lay it down

Hasta la portada austera nos habla de la diferencia entre la música de los 90s y de los 80s

 

La canción comienza con fuerza con el sonido de un platillo y de ahí en adelante se mantiene con cierta energía, lograda con la batería marcando un ritmo no tan lento, acompañada con un punteo del bajo algo complejo y el rasgueo rítmico de las guitarras. Sin embargo, al llegar a los veintiún segundos, ocurre el cambio: la voz suave de Margo Timmins y su forma de alargar las palabras, junto con la indescifrable letra, transforman la canción en una especie de añoranza.

 

La canción evoca imágenes melancólicas

La canción evoca imágenes melancólicas

 

Treinta segundo después, al terminar el primer verso, el carácter melancólico de la canción se acentúa con un elegante y atinadísimo uso de cuerdas (una viola y dos violines) que ya no soltarán el control de la canción y que irremediablemente nos remiten a un gris día de invierno.

El final de la canción, por ahí de los 04’07” es una manera poco ortodoxa de culminar, pero, ayuda a romper el ambiente sombrío.

 

 

 

 

Desde la Ciudad más grande del Mundo.

JH

PD: La muy lenta interpretación vocal con un efecto de eco, ayudan a crear esa sensación de melancolía que transmite esta canción.

PD 2: La misma letra de la canción indica que podría haber un significado oculto tras sus frases:

“Speaking metaphorically

the earth I trust beneath my feet

is moving now ever so slightly

I shift my feet but feel no relief”

 

“Hablando en métaforas

El suelo en el que confío bajo mis pies

ahora se mueve imperceptiblemente todo el tiempo

muevo mis pies, pero no siento  ningún alivio”

 

PD 3: “Cowboy junkies” solo tuvo éxito en su natal Canadá y en los círculos alternativos y universitarios de Estados Unidos, quizá precisamente por su carácter introspectivo.

PD 4: La prolongada parte instrumental que se escucha a partir del minuto tres de la canción y hasta el extraño final que tiene, es capaz de hacernos soñar despiertos, de hacernos recordar o simplemente de ayudarnos a evadir la realidad por unos segundos. Esto se logra con un excelente arreglo de las cuerdas que, a diferencia de los arreglos a la italiana de los 70s y 80s, aquí no suenan cursis sino tremendamente hipnóticos.

 

 

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