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The one thing INXS

“En el amanecer de los 80s, esta cancioncita de amor fue la semilla del arrollador éxito internacional, de una banda australiana que fue la favorita del también incipiente MTV. “The one thing” incluida en el álbum “Shabooh Shoobah” de 1982; new wave con pedigree, INXS”

Hola,

De alguna u otra manera, todos sabemos que los excesos nos perjudican; en México por ejemplo, los anunciantes de bebidas alcohólicas deben incluir en su publicidad la frase: “Nada con exceso, todo con medida”. Entonces, podemos suponer que nuestra vida cotidiana puede mejorar, si tan solo logramos identificar y reducir, los excesos en los que incurrimos.

La Gula es el pecado capital identificado con el exceso, especialmente en lo relacionado con la comida y la bebida.

La Gula es un mal hábito que no solo se refiere al comer en exceso, sino a los excesos en general PPintura por Jaques de L'ange

La Gula es un mal hábito que no solo se refiere al comer en exceso, sino a los excesos en general
Pintura por Jaques de L’ange

Ha sido particularmente complicado encontrar una canción que toque específicamente el tema de la Gula, pero existe una cuyo video la retrata de manera precisa y convenientemente, dicha canción y su video, son del grupo “INXS” (In excess – Con exceso).

Se trata de “The one thing”, canción que navega entre el estilo “New Wave”, característico del inicio de los 80s del siglo XX en el que los teclados electrónicos tienen un papel importante y el “Post Punk” en que las guitarras buscan dominar.

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Guitarra Fender, modelo Telecaster Sunburst black pickguard, similar a la utilizada por Tim Farris en el video de esta canción

La letra es de Michael Hutchence (Vocalista) y la composición musical de Andrew Farriss (Teclados) y siendo ambos muy jóvenes cuando la crearon, es normal la extrema sencillez del mensaje, pero, sorprendente la sofisticación de la música.

Well you know just what you do to me

Sabes bien lo que me haces

The way you move soft and slippery

Tu forma suave y resbalosa al moverte

Cut the night just like a razor

Cortas la noche como una navaja

Rarely talk and that’s the danger

Casi nunca hablas y ese es el peligro

Estos versos buscan describir eso indefinible (“The one thing”) que nos conquista de ellas.

Lo primero que escuchamos son tres golpes con las baquetas que marcan el inicio de la canción, seguido de la entrada de los teclados, el bajo y la batería que marcan el ritmo, no tan lento como de balada, ni tan rápido como para ponernos a bailar. A los ocho segundos aparece la un sonido de guitarra fuerte,  claro y poco distorsionado, que inicia una conversación con los teclados.

A continuación, un redoble de la batería es el preámbulo para la interpretación vocal de Michael Hutchence, que si bien no canta, ni tampoco recita,  más bien mantiene una especie de conversación ficticia con quien lo quiera escuchar.

Un poco más adelante, entra el coro, en el que Hutchence prácticamente susurra y los instrumentos bajan su intensidad sonora.

La canción sigue con más versos, más intervenciones de la guitarra y más coros susurrados, hasta que al minuto y medio irrumpe, sorpresiva y agradablemente, un saxofón que expresa con sonidos, la mezcla de sentimientos entre la admiración y la desesperación, que significa caer rendido ante ese no-sé-que, que nos enamora.

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: En el excelente libro “When MTV Ruled the World” / Cuando MTV era lo máximo, se relata claramente como, en los inicios de MTV, sus ejecutivos quisieron experimentar si era posible, mediante una alta exposición de videos, lanzar al estrellato a algún artista y decidieron intentarlo con los entonces desconocidos “INXS”.

Excelente libro que narra la exitosa simbiósis entre MTV y algunos artistas de inicios de la década de los 80 del siglo pasado; entre ellos INXS

Excelente libro que narra la exitosa simbiosis entre MTV y algunos artistas de inicios de la década de los 80 del siglo pasado; entre ellos INXS

La alta exposición de videos en MTV alrededor del mundo, la calidad y novedad musical de “INXS” y el carisma de su vocalista, Micheal Hutchence, derivaron en que el grupo alcanzara rápida y sólidamente el estatus de superestrellas de pop/rock de nivel internacional.

PD 2: Irónicamente, Micheal Hutchence fallece a los37 años de edad, víctima de sus propios excesos.

PD 3: En la cultura Cristiana la gula, que es uno de los siete pecados capitales, se combate practicando la virtud de la Templanza, entendida esta, como la moderación en la satisfacción de las necesidades humanas. La gula está asociada al demonio denominado Belcebú.

PD 4: Debido al miedo que le generó al sistema político mexicano la organización estudiantil de 1968, que culminó con la matanza de Tlatelolco, de ahí en adelante, cualquier reunión multitudinaria de jóvenes estaba tácitamente prohibida. De ahí que entre 1968 y 1991 fueron muy escasas las presentaciones en vivo de agrupaciones musicales extranjeras en México.

Boleto de aquel histórico y sensacional concierto de INXS en la Ciudad de México en 1991 Imagen tomada del Blog: "Inquisidor71"

Boleto de aquel histórico y sensacional concierto de INXS en la Ciudad de México en 1991
Imagen tomada del Blog: “Inquisidor71”

Esta veda terminó el 12 de enero de 1991, con la presentación de INXS en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México. Este concierto fue parte de la gira “Live Baby Live”, de la cual, existe tanto el CD como el DVD. Altamente recomendable.

Portada del estupendo DVD de la gira "XS" de 1991, al final de la cual el grupo visitó la Ciudad de México, evento que marcó el final de la tácita prohibición de los Conciertos masivos

Portada del estupendo DVD de la gira “XS” de 1991; al final de la cual, el grupo visitó la Ciudad de México, evento que marcó el final de la tácita prohibición de los conciertos masivos

Tuve la oportunidad de asistir  a aquel gran concierto. Hutchence y el resto de la banda, realmente sabían como poner un gran ambiente.

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Mundo Sennheiser

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Words Missing Persons

“Frustración ante la falta de comunicación, encapsulada en un ritmo New Wave de potente construcción, que se resume en las frases “¿Me escuchas? ¿Te importa? Obra contenida en el disco “Spring Session M” de 1982, de la agrupación californiana “Missing Persons”: “Words””

Hola,

Allá por 1981, recuerdo que una de mis maestras de la Universidad estaba realmente preocupada porque el uso masivo del “Walkman” (Precursor del iPod) derivaría en un creciente aislamiento social. Pero el tema de la incomunicación, era mucho más doméstico, menos tecnológico y había estado presente en muchos hogares al menos 25 años atrás; quién no ha escuchado a su Madre decir: “¿Me oyes?”, “Hazme caso”, “Parece que le hablo a la pared” . . .

Este tema de sentirse ignorado, fue retomado en 1982 por una banda californiana de vanguardia, que mediante una sorprendente calidad lírica y un sonido muy fresco, totalmente distinto a lo que sonaba en esa época, transmite a la perfección la frustración de sentirse aislado.

La letra es contundente y atemporal:

“Do you hear me                   /                    ¿Me escuchas?

Do you care                             /                    ¿Te importa?

Do you hear me                     /                    ¿Me escuchas?

Do you care                             /                    ¿Te importa?

My lips are moving and the sound’s coming out     /    Mis labios se mueven y sale un sonido

The words are audible but I have my doubts           /    Mis palabras son audibles, pero dudo

That you realize what has been said                            /    que te hayas dado cuenta de lo que dije

You look at me as if you’re in a daze                            /    Y me miras azorado

It’s like the feeling at the end of the page                  /    Como cuando al final de una página

When you realize you don’t know what you just read / te das cuenta que no entendiste nada

What are words for when no one listens anymore /   ¿Para que son las palabras? Si ya nadie escucha

What are words for when no one listens                   /    ¿Para que son las palabras? Si nadie escucha

What are words for when no one listens                   /    ¿Para que son las palabras? Si nadie escucha,

It’s no use talkin’ at all                                                       /    No tiene nigún caso hablar

I might as well go up and talk to a wall                       /    Daría igual si le habo a una pared

‘cause all the words are having no effect at all         /    porque las palabras no provocan nada

It’s a funny thing am I all alone                                      /    Que curioso ¿Acaso estoy sola?”

En cuanto a la música, vale la pena hacer notar que aunque es de un estilo totalmente “New Wave”, tiene una calidad tal, que pasa la prueba del tiempo. Esto se debe, en parte, al excelente trabajo del Ingeniero de sonido y productor, el inglés Ken Scott y en parte también, a la singularidad interpretativa de Dale Bozzio en la voz principal, y la calidd de interpretación de Terry Bozzio en la batería, así como la de Warren Cuccurullo con la guitarra.

Comienza con una vibración metálica, que da la impresión de ser algo que se aproxima o que va subiendo de intensidad y que antecede brevemente a la aparición del bajo y de la batería que marcan claramente el ritmo. Unos segundos después, breves sonidos de guitarra se intercalan con las primeras frases de la canción discretamente imitadas por el sonido de un sintetizador.

Sumamente interesante es el manejo poco ortodoxo de la guitarra, que participa de manera intermitente durante la canción, con sonidos muy distintos entre sí. Por ejemplo, en el segundo 36, al terminar la frase “That you realized, what has been said”, hay un repiqueteo o punteo (pequeños golpes sobre las cuerdas); mientras que un minuto después (1’ 35”) al concluir la frase “It’s a sorry state, I say to myself”, el sonido es un requinteo más tradicional (notas largas). Y al llegar el puente de la canción (2’ 07”) la guitarra toma un papel prominente, aunque sin llegar a ser un solo, pues se combina con la voz de Dale Bozzio con un efecto de distorsión.

El manejo de las voces también es interesante, pues en algunos momentos Dale Bozzio “dialoga” con la guitarra y en otros, con los demás integrantes del grupo, que sirven de coro. Y sin tener una gran voz, Dale le imprime su sello muy personal a la interpretación, con la utilización de un falsete al final de ciertas frases.

Comparto a continuación, primero solo el audio de la canción, que de verdad vale la pena escucharse con mucha atención, por la multitud de detalles que presenta. Y después, el video promocional, que en su momento fue de vanguardia y que a la fecha ha inspirado visualmente a una que otra cantante contemporánea…

Dale Bozzio fue pionera y adelantada a su tiempo en el manejo de una imagen audaz

Dale Bozzio fue pionera y adelantada a su tiempo en el manejo de una imagen audaz

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Tanto Terry Bozzio (Baterista), como Dale Bozzio (Vocalista) y Warren Cuccurullo (Guitarrista) trabajaron en algún momento con Frank Zappa. Frank Zappa fue un compositor e intérprete, célebre por su gusto por lo poco ortodoxo, su predilección por el perfeccionismo, por su crítica social y por su afinidad con la música clásica postmoderna y el Jazz.

El simple hecho de haber trabajado con Zappa, es garantía de sus cualidades interpretativas:

Terry Bozzio ha colaborado con artistas como Jeff Beck, Duran Duran, Mick Jagger, Steve Vai, “The Knack”, Deborah Harry, “10CC” y es miembro del Salón de la Fama de los Bateristas Modernos.

Terry Bozzio ha llevado su habilidad interpretativa hacia nuevos estilos, algunos creados por él mismo

Terry Bozzio ha llevado su habilidad interpretativa hacia nuevos estilos, algunos, creados por él mismo

Warren Cuccurullo ha trabajado además de con Zappa, con Duran Duran, “Blondie” y en varios proyectos de Jazz. Zappa lo contrató porque “se sabía las partes de guitarra de cada canción de Zappa, incluso las de más extraños sonidos y bizarros usos de tiempos”.

Guitarra Vox modelo Winchester, muy similar a la modificada que Frank Zapap le regaló a Warren Cuccurullo y que este utilzaa en la época en la que salió esta canción

Guitarra Vox modelo Winchester 1967, muy similar a la modificada que Frank Zappa le regaló a Warren Cuccurullo y que este utilzaba en la época en la que salió esta canción

PD 2: La cuidadosa producción de esta canción, llena de detalles sonoros, se debe sin duda al trabajo de Ken Scott, legendario Ingeniero de Sonido, quien ha colaborado con artistas de la talla de “The Beatles”, “The Rolling Stones”, “Pink Floyd”, David Bowie, “Procul Harum”, “The Jeff Beck Group”, Lou Reed, “Supertramp”, “Kansas”, “Devo”, “The Tubes”. “Level 42”, “Elton John”, “The Hollies”, John Lennon, George Harrison y muchos otros más.

PD 3: La canción es bastante sólida porque su limpio sonido le da credibilidad al muy certero mensaje  y tiene además, un toque de humor típico del New Wave, cuando en la letra se menciona, para intentar llamar la atención, que: “I think I’ll dye my hair blue / Creo que teñiré mi cabello de azul”… (Tanto mi Mamá, como mi esposa y alguna que otra conocida, han usado frases similares con sus hijos para tratar de llamar su atención)

PD 4: La audaz imagen de Dale Bozzio y el entonces muy fresco sonido de la banda, eran la combinación perfecta para un incipiente MTV que los programaba frecuentemente, con resultados beneficiosos para ambos lados.

LA imagen del grupo, en especial la de Dale y su sonido fueron ideales para ser de los consentidos de un naciente MTV

La imagen del grupo, en especial la de Dale y su sonido, fueron ideales para ser de los consentidos de un naciente MTV

PD 5: En la letra se utiliza como metáfora de la falta de comunicación, el estar como sordo, mudo y ciego, imagen principal en la obra Tommy de la banda Británica “The Who”, que ya hemos reseñado.

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Everybody talks, Neon Trees

Hola,

En varias ocasiones, en este mismo espacio, he comentado como en gran medida lo que en sus inicios se llamó Rock’n’Roll y ahora se le conoce genéricamente como Rock (y que agrupa a múltiples sub géneros y estilos), surgió como un medio de expresión de y para jóvenes.

En los extremos de la gama temática del Rock, hay grupos que usaron el género y su música para expresar muy seriamente, inconformidades, rebeldía o frustración y, en el otro límite, bandas que se conciben así mismas como vehículos para entretener, sin ninguna otra pretensión.

Muy cerca de esta frontera en la que la música se conceptualiza como una herramienta solo para  divertir, se encuentra “Neon Trees”, grupo de origen estadounidense que, en su disco “Picture show” del 2012, incluyó el tema “Everybody talks

Everybody talks” es, parafraseando a Paul McCartney , una tonta canción de amor. La letra, gira alrededor de las súplicas de un enamorado a su chica, para que le corresponda a su amor y en la que también expresa su molestia por tener que lidiar con el “qué dirán”.

“Never thought I’d live to see the day        /      Jamás pensé que viviría para ver el día

When everybody’s words got in the way   /      en el que la opinion de todos se interpondría”

La fortaleza de la canción está en su carácter divertido, dinámico y totalmente bailable; ideal para presentarse en vivo en un festival.

Comienza con unas armonías vocales, prácticamente calcadas de las utilizadas por “The Beatles” en la canción “Twist and shouts”, seguidas de un carraspeo por parte del vocalista Tyler Glenn, que es ya un guiño irreverente.

Enseguida y acompañado casi exclusivamente de un sencillo rasgueo de guitarra, Glenn comienza a cantar cansinamente la súplica de aceptación por parte del enamorado a su pretendida; pero, al llegar a la parte del coro, con la inserción enérgica del bajo y una aceleración del ritmo, comienza la diversión. Esporádicas armonías corales y discretas intervenciones de los teclados complementan la melodía.

“Neon Trees” se presentará en la Ciudad de México el Domingo 12 de Octubre de 2014, en la 5ª Edición del Festival Corona Capital.

 

 

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Formada en 2005, la banda “Neon Trees” ha trabajado mucho como acto de apertura para grupos como Duran Duran, “The Killers”, “My Chemical Romance”, “The Flamming Lips” (a quienes ya hemos reseñado en este blog), “Maroon 5” y  “Thirty seconds to Mars”; lo cual, le da una sólida experiencia en presentaciones en vivo.

PD 2: La versión oficial del video de “Everybody talks”, presenta dos temas recurrentes en la cultura pop musical: El autocinema (“And we danced” de “The Hooters”, Me quieres cotorrear de Kenny y los Eléctricos) y los zombies (“Mother” de “Blondie” (La cual ya he comentado en este blog), “Dancing with myself” de Billy Idol, “Thirller” Michael Jackson) Tú, ¿Cuáles más recuerdas con estos temas?

PD 3: La version official del video de “Everybody talks” también se caracteriza por presentar coreografías colectivas divertidas

PD 4: Tal y como sucede en varios grupos surgidos en las primeras dos décadas del siglo XXI, en “Neon Trees” colabora una mujer, Elaine Bradley, tocando en la batería. Otros grupos que también tienen integrantes femeninas son: “White stripes”, “Arcade fire” y del siglo pasado “The Pixies”

PD 5: La música de “Neon Trees” se ha clasificado como “New Wave”. Me parece que además del estilo musical y la actitud despreocupada, hasta la imagen nos remite al “New Wave” ochentero de bandas estadounidenses como B-52s.

Neon Trees

incluso la imagen del grupo “Neon Trees” nos remite al “New Wave” de los 80s; similar a la de los “B-52s”

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“B-52s” Grupo icónico del “New Wave” esatdounidense de los 80s

 

PD 6: Se dice que fue un letrero de la hamburguesería “In-n-Out Burger”, fue el que le inspiró a Tyler Glenn el nombre de la banda

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Letrero que inspiró el nombre de la banda: “Neon Trees”

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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When you were mine; Cyndi Lauper

Hola,

Su más grande éxito le permitió ser reconocida mundialmente, pero también la dejó asociada con una imagen de frivolidad, que a la larga no le hizo justicia a su música.

Se trata de Cyndi Lauper, compositora, cantante, escritora y actriz, cuya imagen “misfit” (inadaptada, desajustada) y el tono despreocupado, casi infantil, del video de su canción “Girls just wanna have fun” (Las chicas solo quieren divertirse), perduraron más en la mente del público, que la calidad de su música.

Cyndi Lauper fue modelo a seguir por quienes salían de la moda; era la Reina del look misfit

Cyndi Lauper fue modelo a seguir por quienes salían de la norma; era la Reina del look misfit

En esta ocasión, comentaré acerca de una canción escrita por otro gran menospreciado de la industria de la música pop: “Prince”, en la versión lograda por Cyndi Lauper en su muy exitoso disco de 1983,“She’s so unusual” (Ella es tan inusual): “When you were mine”.

Prolífico, cambiante, perdurable, compositor, cantante y bailarín; Prince  es un genio de la música, poco apreciado

Prolífico, cambiante, perdurable, compositor, cantante y bailarín; Prince es un genio de la música, poco apreciado

La letra de la canción se refiere al reclamo a una ex pareja, por haberlo dejado por otro. Nada sofisticado, nada poético, pero con ciertas frases con doble sentido que, en la versión de “Prince” suenan explícitas (para su época, 1980) y en la de Lauper resultan, al menos, confusas.

Musicalmente hablando, cualquiera de las dos versiones son reflejo de su tiempo; melodías simples y pegajosas acompañadas de sintetizadores prominentes.

La versión de Prince es, como la mayor parte de su música, sumamente bailable, aunque más cerca del New Wave que del Funk que lo caracterizó en buena parte de su carrera.

Prince, When you were mine

La versión en vivo de una presentación de Cyndi Lauper en el festival de Basel Suiza del 2008, nos muestra las capacidades interpretativas de Lauper, que sigo siendo la Reina del look misfit, que puede tocar guitarra y que, en sus propias palabras sabe ¡rockear!

Guitarra semi acústica Ovation CC257, comoo la utilizada por Lauper en su presentación del festival Basel en el 2008

Guitarra semi acústica Ovation CC257, como la utilizada por Lauper en su presentación del festival Basel en el 2008

Mirar del minuto 1’20”  a 4’36”

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: El disco “She’s so unusual” ha vendido más de 22 millones de copias en el mundo y en total, ha colocado más de 50 millones entre todas sus obras.

PD 2: También, fue el primer disco debut femenino en lograr, consecutivamente, 4 temas en el Top 5 de la lista Hot 100 de Billboard

PD 3: Cyndi Lauper es de las poquísimas artistas que cuentan en su haber con al menos un Grammy (Música) , un Emmy (Actriz de TV), un Tony (Guión y música para una obra de Teatro) y un MTV Video Music Award.

PD 4: Cyndi Lauper, junto con Madonna, quien surgió prácticamente al mismo tiempo que ella, dictaron la moda de miles de jovencitas a principio de los 80s; y sin ellas, no podría entenderse a otras artistas posteriores que usaron su imagen y los videos para sobresalir.

Sus looks estridentes más el advenimiento de MTV, hicieron que tanto Lauper como Madonna fueran imitadas por miles de jovecitas en los 80s

Sus looks estridentes más el advenimiento de MTV, hicieron que tanto Lauper como Madonna fueran imitadas por miles de jovecitas en los 80s

PD 5: Lauper es una de esas artistas, sin las cuales, MTV no hubiera sido lo que fue . . . y viceversa.

Al igual que con un puñado más de artistas, la simbiosis entre Lauper y MTV fue de sump provecho para ambos

Al igual que con un puñado más de artistas, la simbiosis entre Lauper y MTV fue de sumo provecho para ambos

PD 6: En su momento, la letra de la canción “Girls just wanna have fun”, se interpretó como una declaración feminista, casi como un himno de liberación.

Lauper fue un ícono feminista en su momento por su mega éxito "Girls just wanna have fun"; pero, lamentablemente, también le imprimió una imagen de chica chistosa que no le hace honor a sus capacidades interpretativas

Lauper fue un ícono feminista en su momento por su mega éxito “Girls just wanna have fun”; pero, lamentablemente, también le imprimió una imagen de chica chistosa que no le hace honor a sus capacidades interpretativas

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

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Pressure, Billy Joel

Hola,

En la reseña de la canción “Under pressure”, escribí acerca de la visión que tenían sus compositores respecto de qué pasa cuando se vive bajo presión.

En esta ocasión, voy a relatarles mi interpretación de la postura que tuvo otro gran compositor, Billy Joel, respecto del mismo tema y que quedó plasmada en su canción “Pressure”, publicada en 1982 (solo unos meses después que “Under Pressure”) y que formó parte de su disco “The nylon curtain”.

Billy Joel conjunta en esta canción su estilo narrativo con el sonido New Wave de la época

Billy Joel conjunta en esta canción su estilo narrativo con el sonido New Wave de la época

Esta canción es una especie de admonición de una persona experimentada hacia una más inmadura, o, más optimista, en la que la primera le advierte a la segunda, que tarde o temprano tendrá que enfrentarse a la presión (condición inherente a la vida humana):

“But you will come to a place  / Pero llegarás a un punto

Where the only thing you feel  /  en el que lo único que sentirás

Are loaded guns in your face  / es algo como una arma cargada apuntando a tu cara

And you’ll have to deal with pressure  /  Y entonces tendrás que lidiar con la presión”

Musicalmente, “Pressure” fue un intento de Billy Joel por actualizar su sonido y hacerlo parecerse a lo que sonaba a principio de los 80s: el “New Wave”; estilo que utiliza muchos sintetizadores.

Joel incurre en cambios de ritmos en el uso de los sintetizadores, para referirse a las dos visiones de los protagonistas: Para enfatizar la vida color de rosa de uno de los protagonistas, usa un ritmo lento y un sonido armonioso y cambia a un ritmo más rápido y perturbador para ilustrar lo que puede ser la presión.

En algunas partes, el sonido de esta canción apunta hacia la paranoia

En algunas partes, el sonido de esta canción apunta hacia la paranoia

El video de esta canción está visualmente referido a ciertas escenas de la legendaria película “Clockwork orange” / Naranja mecánica y metafóricamente, transmite muy bien la idea de lo que puede significar para una persona el estrés (La presión)

Desde la Ciudad de México.

JH

PD: El carácter de esta canción es pesimista, pues asume que todos, llegado cierto punto en la vida, deberán lidiar con algún tipo de presión.

PD 2: En la letra de esta canción, Joel menciona diversas situaciones relativamente familiares: una teoría psicológica, un par de películas, un programa de televisión, una situación de beisbol y una revista  ¿Puedes identificarlas?

El video de esta canción toma prestadas de la legendaria película Naranja Mecánica, la escena del tratamiento psicológico con base en imágenes

El video de esta canción toma prestadas de la legendaria película Naranja Mecánica, la escena del tratamiento psicológico con base en imágenes

PD 3: Esta versión en vivo suena un poco más rockera debido a una mayor presencia de la batería, dos guitarras y la energética intervención de la percusionista Crystal Talifero.

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

mslogo

Don’t let me down, No Doubt

Hola,

Usualmente, las canciones que escuchamos son una versión mucho más compleja que la idea original surgida del proceso creativo del músico. La versión original suele ser la letra, más un sencillo acompañamiento de guitarra o de piano, complementado con algún tarareo.

Una parte importante en la versión final de una canción, es el rol que juega el Productor Musical, quien en no pocas ocasiones le da algún rasgo distintivo a la pieza y a veces es, en gran parte, el causante de su éxito.

En la historia de la música popular hay notables ejemplos de la influencia (muchas veces recíproca) del Productor sobre la obra de los músicos:

“The Beatles” y George Martin

“Metallica” y Bob Rock

“Def Lepard” y Mutt Lange

“The Ramones” y Phil Spector, entre muchos otros

En esta ocasión, más que reseñar una canción, quisiera ilustrar como en “Don’t let me down”, pista número siete del álbum del 2001, “Rock steady”, del grupo “No Doubt”, es totalmente apreciable la influencia de Ric Ocasek, quien fue su productor.

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El legendario fundador y vocalista de “The Cars”, quien produjo esta canción para “No Doubt”

Ric Ocasek fue el fundador y líder de la legendaria banda ochentera “The Cars” y bajo ese liderazgo “The Cars” logró ser la mejor agrupación de New Wave de origen americano. El sonido New Wave está dominado por sintetizadores y en el caso de “The Cars”, se complementa con incursiones de guitarra cortas, pero potentes y que son la marca distintiva de su sonido.

Y precisamente esa preminencia de los sintetizadores y la fugaz aparición de la guitarra, son elementos totalmente discernibles en “Don’t let me down”, al punto en que por momentos parece que lo que se escucha es “The Cars” y no “No Doubt”.

Escucha a continuación “Don’t let me down” y luego compárala con “Tonigh she comes” de “The Cars”

Desde la Ciudad más grande del Mundo.

JH

PD: En el disco “Rock Steady” de “No Doubt”, trabajaron también los talentosísimos Prince como Productor de una canción y Dave Stewart (Eurythmics) como co-autor de otra; al escucharlas, es totalmente identificable quien participó en cual. Intenta descubrirlas.

PD 2: A la conclusión del disco, el bajista Tony Kanal se disculpó con Ric Ocasek por el sonido tan “The Cars” en la otra canción que Ocasek les produjo: “Platinum blonde life”; Ocasek  contestó disculpándose por no haber notado antes la similitud.

PD 3: Lo que hace que esta canción sea de “No Doubt”, es la muy femenina interpretación de su vocalista, Gwen Stefani

PD 4: Como ha pasado con otros grupos, “No Doubt” hizo patente su madurez con el disco “Rock Steady”, al incorporar en el varios estilos musicales: Reggae, ska, ragga, dancehall, pop, trance, electro rock…

PD 5: “Rock steady” es una referencia directa al estilo musical surgido en Jamaica hacia 1966 y que fue un eslabón musical entre el ska y el reggae. Es un ritmo bailable, pero menos intenso y más cadencioso que el ska.

El ska y el rock steady, son dos de las mayores influencias musicales de varios de los miembros de “No Doubt”

PD 6: En el álbum, el grupo no solamente experimentó con diversos estilos musicales, sino que también se utilizaron algunos trucos de producción; en el track 8 “Start the fire”, se incluyen unos acompañamientos de cuerdas, pero, grabados en reversa.

PD 7: En “Don’t let me down” se incluye un solo de teclados con un efecto de eco, característico de muchas canciones de “The Cars”

PD 8: “Rock Steady” ganó varios premios Grammy en años diferentes

PD 9: A raíz de su éxito, se emitieron dos Ediciones Especiales del “Rock Steady”, una con remezclas adicionales y otra con versiones acústicas y en vivo.

Rock Steady Normal Edition Rock Steady Special Edition 2 Rock Steady Special Edition

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Rock lobster, The B-52s

Hola,

Un poco tiempo después del surgimiento del
Punk, a mediados de los 70, aparece otra corriente musical igualmente
preocupada por ser simple, directa y divertida. Se trata del New Wave, cuyo sonido se caracteriza por incluir teclados y ritmos rápidos, muchas veces bailables, por permitirse la experimentación y por tener cierta afinidad por los sonidos, moda e imagen de los 60s.

La mejor y más reconocida música New Wave  surgió en Inglaterra, que, con su calidad y cantidad de grupos, volvió a conquistar Estados Unidos a principio de los 80, de forma similar a lo sucedido con la original British Wave de los 60s.

Es por todo esto que el Sur de los Estados Unidos, campirano y conservador,  sería uno de los lugares más improbables para el surgimiento de una de las mejores agrupaciones New Wave de aquella época, llegando incluso a revertir el proceso y conquistar Inglaterra; se trata de los B-52’s, surgidos del poblado colegial de Athens en Georgia.

La canción de esta semana es “Rock Lobster”, sencillo producido en 1978, que es una muestra ejemplar de lo que trataba el
New Wave: experimentación, sencillez y diversión, en modo bailable.

La canción comienza con un riff (rasgueo de guitarra) que la identifica instantáneamente y que se repite a lo largo de toda la canción, acompañado por el ritmo llevado con el golpeteo a un platillo,
al que enseguida se incorpora  un cencerro ejecutado por el vocalista, Fred Schneider; a partir de ahí, la aparentemente sencilla estructura de la canción, se enriquece con el bizarro dueto coral a cargo de Cindy Wilson y Kate Pierson; esta última también contribuyendo con los sonidos de un órgano que enfatizan el tono festivo de la canción.

La letra es una especie de chusco homenaje a la cultura surf, plasmada en películas sesenteras
como “Beach,
Blanket, Bingo”
; en la que se describe una animada fiesta que en vez de
desarrollarse en la playa, se efectúa bajo el mar entre invitados dignos de
cualquier episodio de Bob Esponja. La muy nasal voz de Fred Schneider, que más
que cantar, relata lo que va pasando en la fiesta, termina por darle un toque muy humorístico a esta canción, que por momentos, eclipsa una estructura compleja, bastante dinámica, en su momento experimental y bastante energética.

Desde la Ciudad más grande del Mundo.

JH

PD: Aunque festiva y con un ritmo bastante bailable, no es sino hasta que uno observa a los miembros de los B-52’s bailarla que se comprende como hacerlo.

PD 2: Después de haberse retirado por 5 años del mundo de la música, en 1979 John Lennon escuchó “Rock Lobster” y al encontrarle parecido a la música que por años llevaba realizando su esposa Yoko Ono y por la que había sido maltratada por la crítica, decidió que el mundo estaba listo para su regreso, comenzando a grabar lo que fueron sus últimos discos.

PD 3: De esta canción se hicieron varias versiones: el sencillo original, un sencillo y un lado B para Inglaterra, otra versión para Canadá, la cual llegó al número 1 y un par más que aparecieron meses después en su LP homónimo B-52’s.

PD 4: El nombre del grupo, B-52’s, hace referencia al avión bombardero estadounidense capaz de lanzar bombas nucleares, cuya forma en la nariz se parece a los peinados sesenteros que Kate Pierson y Cindy Wilson lucían en sus presentaciones. Recientemente, esta moda fue retomada por Amy Winehouse.

Peinado sesentero tipo panal de abeja, parecido a la nariz del avión B52

El legendario y temido bombardero nuclear B52

PD 5: Los diversos ruidos vocales que
hacen Kate Pierson y Cindy Wilson hacia el final de la canción, representan a
los diversos animales que se van incorporando a la fiesta, conforme van siendo
nombrados en la letra.

PD 6: Kate Pierson ha colaborado con Iggy
Pop en “Candy” y con R.E. M. con “Shinny happy people”.

PD 7: El grupo sigue presentándose de
manera regular en presentaciones en vivo, a pesar de la muerte del guitarrista
original Ricky Wilson, ocurrida en 1985. Este evento marcó al grupo de dos
maneras, una negativa por el efecto emocional y una positiva ya que a partir de ahí, el baterista Keith Strickland tomó la guitarra y participó más activamente en la composición, lo cual llevó a los B-52’s a una serie de éxitos internacionales

PD 8: En la formación original del grupo no había un bajista; por lo que en esta canción no puede escucharse el bajo y el ritmo recae solamente en la batería

Esta canción de la semana se escucha mejor con audífonos Sennheiser