Hang fire The Rolling Stones

“Inusual crítica de los “Stones”, disfrazada con un ritmo pegajoso y alegre, dirigida a una sociedad pasmada como consecuencia de un largo e ineficaz gobierno. “Hang fire” publicada en su disco “Tattoo you” de 1981; “The Rolling Stones””

Hola,

Existen una serie de actitudes que, cuando se evitan de manera cotidiana, generan una mejora rápida y sustancial en la calidad de vida de las personas que lo intentan. Una de estas actitudes a desterrar es la pereza y el apremio por cambiar es aún mayor, si todo un país cae en este mal hábito.

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Pereza, hábito que deteriora a la persona

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Ya en alguna reseña anterior (“Rudie can’t fail”) comenté como en gran parte de los años 60´s y 70’s  del siglo pasado, Gran Bretaña se vio afectada por una serie de prácticas populistas por parte de su gobierno y una de las muchas consecuencias de haber tenido, por tanto tiempo, un gobierno enorme, entrometido, regulador y excesivamente burocrático, fue que la sociedad inglesa vivía en un estado permanente de pereza; esto, según la visión de los “Rolling Stones” plasmada en su canción “Hang fire”.

“Hang fire” habla acerca de cómo la apatía y la desidia, se convirtieron en una extendida práctica de vida:

“In the sweet old country where I come from    /          En el lindo país del que vengo

Nobody ever works                                                      /          Nadie trabaja

Yeah nothing gets done                                               /          Sí, no se se hace nada

We hang fire, we hang fire                                         /          postponemos, postponemos

You know marrying money is a full time job     /         

¿Sabes? Casarse por dinero es un                                                                                            trabajo de tiempo completo

I don’t need the aggravation                                     /         

Pero, no necesito apurarrme

I’m a lazy slob                                                                  /          Soy un vago perezoso

I hang fire, I hang fire                                                  /          Pospongo, pospongo”

Paradójicamente, la música va en sentido contrario al mensaje, pues se trata de una pieza alegre, rápida y totalmente energética, que es una especie de canción Punk, pero con un sonido más limpio.

La versión en vivo que viene a continuación, que es algo distinta a la del disco, es un poco más cercana a la música Punk que sonaba en la época en que la canción fue compuesta. Comienza con la guitarra de Keith Richards y no con la batería de Charlie Watts y tiene un ritmo un poco más rápido; de ahí en adelante, el peso de la canción recae en la interpretación vocal de Mick Jagger y en la enorme capacidad de improvisación de Richards.

Ron Woods, en la segunda guitarra y Watts con la batería, son los que marcan el ritmo, mientras que en el fondo, Bill Wyman suaviza un poco la interpretación con una ejecución sin distorsión, más apegada al Rock’n’Roll tradicional. Y todavía más en el fondo, hacia la mitad de la canción, alcanzan a escucharse unas notas repetitivas del piano, que no existen en la versión original.

En esta presentación, de 1981, queda aún más patente la influencia que el Punk tiene sobre la canción, cuando vemos la indumentaria de Woods, Richards y Watts y el estilo interpretativo de Jagger.

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Una manera de corroborar la calidad de una canción, es cuando al escucharla en otra versión, sigue sonando fantástica. Tal es el caso de esta otra presentación, aparentemente surgida de la gira 2014, “Stones on fire”, cuyo arreglo es un “Rythm and Blues”, mucho más cercano al estilo tradicional de los “Rolling”, con otra letra y que suena sensacional.

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Finalmente, presento el video promocional oficial, cuya pista de sonido corresponde a la grabación original de estudio, a la que le cortaron la introducción de la batería y en el cual podemos constatar que malos eran los integrantes de la banda para hacer “playback” (simular tocar y cantar, cuando en realidad lo que suena es una grabación) y para elegir su vestimenta.

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Desde la Ciudad de México.

JH

PD: En la cultura occidental cristiana, la pereza es uno de los siete pecados capitales que impiden la realización personal. La virtud a practicar para combatir la pereza es la Diligencia, que es la disposición a actuar voluntaria y oportunamente. La pereza, está asociada al demonio de nombre Abaddon.

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La pereza es un ancla que impide nuestra realización espiritual. Imagen por Ana Correal

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PD 2: “Hang fire” es una de las muchísimas canciones que compusieron los “Rolling Stones” entre 1977 y 1978, durante una especie de autoexilio en París como protesta y rección a la triste situación política y social en Inglaterra, que entre otras cosas, los forzó a cambiar su residencia debido a los altos impuestos.

Algunas canciones de los “Stones” de esa época, están influenciadas por los estilos musicales dominantes del aquel momento: el Disco y el Punk; “Miss you” y “Hang fire”, respectivamente, son ejemplos de estas influencias.

PD 3: Durante las giras de promoción del disco “Tattoo you” de 1981 y 1982, “Hang fire” fue interpretada muchas veces, no así en las giras posteriores hasta la fecha; aunque aparentemente ha surgido una nueva versión, bajo un estilo “Rythm & Blues” que comparto más arriba en esta reseña.

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Guitarra Fender modelo Telecaster 72, similar a la utilizada por Keith Richards en las giras de promoción del álbum Tattoo you y que tiene un papel preponderante en esta canción

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PD 4: la expresión «hang fire» se traduce al español como retrasar, posponer, dejar para después

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Stir it up Bob Marley

“Escrita por Bob Marley en 1967, “Stir it up” es una canción con una letra sorprendentemente explícita, enmascarada  con un sonido exquisito; relanzada en 1973 en su álbum “Catch a Fire””

 

Hola,

Mencionar Jamaica puede remitirnos casi inmediatamente a las imágenes paradisíacas de una isla caribeña ideal para organizar lunas de miel.

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Sin embargo, la realidad de la isla allá por los años 50s y 60s del siglo anterior, presentaba una dualidad muy contradictoria. Efectivamente, estaba la industria turística y todo lo que gira a su alrededor, pero, también había una gran brecha con la mayoría de la población quienes vivían en condiciones de extrema pobreza.

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Esta población estaba entonces naturalmente expuesta a temas de violencia, desempleo, migración, drogadicción y marginación. Inevitablemente, todos estos temas salen a relucir en la música Jamaiquina de esa época.

La obra de Marley no es la excepción, pero, como es característico de la música, el otro tema siempre importante es el romance.

“Stir it up” es una canción, no precisamente  de amor, yo diría que más bien es de pasión.

Para empezar, “stir it up” puede traducirse como incitar, provocar, encender, etc… y en el contexto de la letra, no se refiere precisamente a una fogata o a algo parecido:

“I’ll push the wood (stir it, stir it, stir it together),

then I blaze ya fire;

Then I’ll satisfy your heart’s desire. (ooh-ooh-ooh-ooh)

Said, I stir it every (stir it, stir it, stir it together),

every minute:

All you got to do, baby, (ooh-ooh-ooh-ooh)

Is keep it in, eh”

En el contexto de una cultura de un país tropical, estas expresiones probablemente son parte de la vida cotidiana, lo increíble, es que esta canción fue un éxito internacional en una época en la que la censura era muy fuerte.

Yo nunca había puesto atención a la letra, pero sí a la música que me parece una obra bien realizada y muy agradable.

Es una melodía que al mismo tiempo te da una sensación de tranquilidad por la cadencia que establece el bajo y también un efecto de optimismo por el manejo de los coros y el discreto uso de las guitarras; escucharla definitivamente te deja en un estado de ánimo agradable-

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Guitarra Fender modelo stratocaster, similar a la utilizada por Marley en la grabación del video de «Stir it up»

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Pongo a continuación la versión del disco, donde la calidad de la compleja producción es apreciable

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Y ahora viene la versión de la ejecución en vivo donde siempre es interesante ver los estilos interpretativos y el sentimiento en la ejecución

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Desde la Ciudad de México.

JH

PD En México es muy usual el  uso del doble sentido en el lenguaje, sobretodo con connotaciones de carácter sexual; la palabra coloquial para esta práctica se llama albur.

Esta canción tiene en su letra una serie de dobles sentidos muy usuales en Jamaica; es quizá que por eso al publicarse en otros países, las referencias sexuales no eran tan obvias y así logró evadir la censura

PD 2: La música de  Jamaica, al llegar a Inglaterra con las olas migratorias. influenció a músicos como «The Clash«; «Madness«, Eric Clapton, Led Zeppelin, UB40, «No Doubt«, «The Specials» y muchos otros

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Calico Skies Paul McCartney

“McCartney se autoplagia y produce una bizarra versión de “Yesterday”, 32 años después; “Calico Skies” baladita que vale la pena escuchar, de su disco “Flaming Pie de 1997”

 

Hola,

Hace ya algunos años, reseñé aquí la famosísima canción “Yesterday” de “The Beatles”. La idea alrededor de aquella reseña era la extrema simplicidad musical de esa canción.

En esta ocasión, retomo otra canción de Paul McCartney, compuesta 32 años después, pero que es bastante similar en su estructura. Se trata de “Calico skies” aparecida en el álbum “Flaming Pie” de 1997 y que se mantiene en el mismo estilo minimalista.

McCartney la escribió durante un evento meteorológico que lo mantuvo sin electricidad por unos días, de ahí que la canción se interpreta tan solo con una guitarra acústica.

Lo que la distingue totalmente de “Yesterday”, es la letra. Por momentos parece una canción dedicada a su madre:

It was written that i would love you

Estaba escrito que que te amaría

From the moment i opened my eyes

Desde el momento en que abriera mis ojos

Pero más adelante y como el propio McCartney lo ha declarado,  la canción se convierte en una especie de canción de batalla, de protesta, en la que predomina la camaradería:

Always lookin’g for ways to love you,

Siempre buscando maneras de amarte

Never failing to fight at your side.

Nunca fallar al pelear a tu lado

While the angels of love protect us,

Mientras los anegeles del Amor nos protejan

From the innermost secrets we hide.

De los secretos más íntimos que escondemos

I’ll hold you for as long as you like,

Te sostendré todo el tiempo que quieras

I’ll hold you for the rest of my life

Te sostendré por el resto de mi vida

Long live all of us crazy soldiers

Larga vida para nosotros los locos soldados

Who were born under calico skies.

Que nacimos bajo los cielos Calico

May we never be called to handle

Ojala y nunca nos llamen

All the weapons of war we despise

A manejar las armas que tanto despreciamos

 

En realidad, no es tan extraño que McCartney mezcle temas en sus canciones, lo hizo desde que estaba en “The Beatles”; así que cada quien puede interpretar a su gusto lo que la letra le quiere decir.

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Guitarra Martin D28, similar a la utilizada por McCartney en esta canción

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En cuanto a la música, consiste básicamente en la repetición de ciertos acordes suaves acompañados por la voz de Paul. Indudablemente que la melodía nos remite a la música tradicional Británica.

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Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Al igual que con “Yesterday”, esta canción fue coproducida con George Martin.

PD 2: Calico se refiere a una tela de algodón muy rústica que se producía en ciertas colonias Británicas. Aquí puede interpretarse quizá como un cielo gris, sin mayor chiste

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PD 3:En un caso extremo, esta canción  podría incluso ser una canción de cuna . . .

 

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Little Maggie Robert Plant

“La desventurada vida de Little Maggie y sus tremendos ojos azules, en una canción sacada del baúl de los recuerdos por Robert Plant, en su disco “Lullaby and… The Ceaseless Roar” del 2014”

Hola,

Mencionar a Robert Plant nos remite irremediablemente a “Led Zeppelin” y a su vez, “Led Zeppelin” nos refiere al Hard Blues o al Hard Rock de los años 70s del siglo anterior.

Pero en su faceta de solista, Plant suele explorar otros sonidos, aunque nunca muy lejos de las raíces de la música que inspiró a la legendaria Led Zeppelin.

En esta ocasión, les presento “Little Maggie” que es una canción folclórica del área de los Apalaches en los Estados Unidos, que Plant recrea enriqueciéndola con la utilización de instrumentos muy peculiares e incorporándole sonidos contemporáneos.

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Esta canción se deriva de las tradiciones musicales de la región de los Apalaches, que a su vez llegaron desde la Gran Bretaña con la inmigración en el siglo XVIII

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Los inmigrantes Irlandeses, Escoceses, Galeses e Ingleses que llegaron a la región de los Apalaches alrededor del siglo dieciocho, trajeron consigo sus tradiciones, entre ellas la música. Sus canciones normalmente son la narración de episodios de la vida cotidiana, a veces con cierto ritmo bailable, acompañadas por instrumentos como el violín, el banjo, la guitarra y eventualmente un bajo y una armónica.

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Estos son los instrumentos tradicionales de la música Bluegrass. En esta canción Plant cambió algunos con lo que modernizó el sonido, pero sin perder la esencia

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En la versión de “Little Maggie” que hace Plant y su banda “The senstional space shifters”, sustituyen al violín con un instrumento tradicional africano conocido como Goje, que es un instrumento de dos cuerdas y en vez de una guitarra, utilizan un instrumento tradicional de  las tribus Sub Saharianas, conocido como Tehardent, que es una especie de guitarra de cuerpo sólido (No hueca) con solo dos cuerdas.

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La letra describe la desventura de Maggie, que por relacionarse con hombres malos, al final queda sola.

“Yonder come little Maggie

De lejos vino la pequeña Maggie

With a dram glass in her hand

Con un whiskey en la mano

She’s out running with a no-good

Ella anda en malas compañías

With a no-good, sorry man

Con un malo y lastimoso hombre

Oh, the last time I saw Maggie

Oh, la última vez que vía a Maggie

She was sitting by the sea

Ella estaba sentada en la orilla del mar

With her forty-four around her

Mosrando sus cuarenta y cuatro años

And her banjo on her knee

Y su banjo en la rodilla

En cuanto a la música, la canción comienza con un ritmo claramente bailable en el que destacan la batería, el banjo y la voz de Plant narrando, con una dicción impecable, la historia de Maggie.

A los 38” Plant hace una pequeña pausa y se da un brevísimo pero delicioso solo de banjo; Plant retoma la narración hasta que al 1’16” se da otra parte instrumental, en la que el sonido del Goje le da a la melodía cierto aire de música mediterránea.

Hacia el final de la canción la conjugación sonora del Goje y el Tehardent se complementan con la inclusión de un teclado electrónico que le da una dimensión modernista a la canción, que no deja de ser festiva y bailable.

En esta canción, naturalmente que la voz de Plant ya no es ni tan potente, ni con un rango de notas tan amplio, pero a cambio, el disfrute de lo que está haciendo le da serenidad, un notable dominio escénico y una cierta proyección de optimismo, que valen la pena disfrutar.

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Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Otro trabajo de Plant en el que experimentó, de manera muy exitosa, con sonidos de otras culturas, fue “No Quarter”, en la que fusionó su música con sonidos tradicionales del norte de Africa.

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PD 2: Aunque “Little Maggie” es una canción folclórica de Estados Unidos, sus raíces vienen, como ya mencionamos, de la música tradicional Británica; así que, en esencia, Plant hace un homenaje a sus raíces culturales y a la música que dio paso con el tiempo al surgimiento del Hard Blues, tan representativo del sonido de “Led Zeppelin”.

 

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

I found you Alabama Shakes

““Después de tanto esperar, por fin te encontré” y esta canción describe la sensación de plenitud después de tanta espera. Novel propuesta venida del sur en el 2012, contenida en el álbum “Boys and Girls”: “I found you”, Alabama Shakes”

Hola,

Hace apenas unos días pude atestiguar, con emoción, las tres nominaciones al Grammy del grupo “Alabama Shakes”, de las cuales ganó dos: Mejor Album de Música Alternativa y Mejor Canción Rock.

“Alabama Shakes” es un grupo de reciente formación, en el 2009, con un sonido limpio, fresco y sobretodo emocional, debido a la inversión sentimental que su cantante, Brittany Howard, le imprime a sus composiciones e interpretaciones, colocándose en el mismo camino afectivo que otras cantantes, como Janis Joplin o Amy Winehouse, siguieron antes.

De su disco debut, “Boys and Girls” en esta ocasión les presento la canción “I found you”, cuya letra trata acerca de lo bien que se siente encontrar a la persona indicada, en contraste con las penalidades de la espera previa.

I remember all the lonely days

Recuerdo todos esos dias solitarios

I traveled out on my own

En los que viaje solo

then you brought me everything

y entonces me trajiste todo

ya made my house a home

e hiciste de mi casa un hogar

if its not the real deal

si esto no es lo máximo

 then i dont know it

entonces no sé qué lo es

cuz it shure does feel, and i think it shure does show

porque se siente y se ve como lo mejor

I remember all them days i waited so patiently

Recuerdo esos días de espera paciente

until God brought someone who’s gonna be good to me

Hasta que Dios me trajo a alguien que será bueno conmigo

and he blessed my Soul…

 Y ese alguien, bendijo mi Alma

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Portada de su álbum debut, mismo que alberga a la canción de esta reseña

En cuanto a la música y tomando como referencia una presentación del grupo en la estación KEXP de Seattle; la canción comienza con una suave conversación iniciada por Brittany, su guitarra y la guitarra de Heath Fogg, a la que, a los pocos segundos, se agregan el bajo y los teclados, manteniendo un ritmo suave y una intensidad baja; esta parte se cierra con brevísimo solo del bajo, que da paso a un aumento en la emotividad del coro y que después de unos veinte segundos regresa a un ritmo más cadencioso, repitiéndose el ciclo.

La parte final de la canción va a un ritmo más rápido e intenso, que incluye un solo de los teclados y da paso a una tonadilla alegre entonada por Brittany que le da fin a la canción.

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Guitarra marca Harmony, modelo Rocket, similar a la utilizada por Brittany Howard en el video que incluyo en esta reseña y cuyo sonido vintage se nota en la producción

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Escucharla es un ejercicio de relajación y tensión que te deja agitado, pero contento.

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Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Tuve la gratísima oportunidad de escuchar a “Alabama Shakes” en el Festival Corona Capital del 2012 y pude constatar que sus presentaciones en vivo enriquecen aún más su propuesta.

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Alabama Shakes fue uno de los grupos que se presentaron en el Festival Corona Capital del 2012, que tuvo grandes presentaciones

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PD 2: En febrero del 2016, fueron premiados con el Gramy al mejor Album de Música Alternativa, por su segundo disco “Sound & Color”, en el que han evolucionado su sonido

PD 3: Brittany Howard ha mencionado que grupos como “Led Zeppelin” o cantantes como Bon Scott de AC/DC han sido inspiración para su sonido.

PD 4: Las referencias a Dios y al Alma, son un reflejo de la cultura sureña de Estados Unidos en la cual creció Brittany Howard

Imagen por Carol Foret

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Cold as ice Foreigner

“Lou Gramm y Mick Jones, le dan voz a un reclamo bastante común: “prefieres dinero antes que amor”, en su“Cold as ice” Rock transitorio lanzado en 1977, por el grupo “Foreigner””

Hola,

Una fuente importante de fracasos y desengaños con los que nos enfrentamos en nuestras vidas, proviene de nuestra compulsión por poseer en demasía. Se trata de la avaricia. Buscar el equilibrio entre lo que queremos y lo que necesitamos, traerá a su vez, equilibrio a nuestras vidas.

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Una alegoría de la avaricia. Escuela holandesa de pintura

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En la canción “Cold as ice”, se hace alusión a esta preferencia desbocada por las cosas, aún a costa de las relaciones personales. Es una obra del grupo “Foreigner” de su disco del mismo nombre, publicado en 1977.

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Portada del disco debut del grupo. En la forma de vestir y en el estilo artístico de la portada, se ve todavía un grupo muy anclado en los años 70 del siglo XX

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Surge en una época difícil en la que el público se dividía entre ya veteranos hippies y muy jóvenes punks, que significaba un rango de gustos entre lo muy elaborado y amigable (psicodelia/progresivo) y lo muy parco y agresivo (punk rock) y sin embargo varias bandas, entre ellas “Foreigner”, lograron posicionarse, al menos temporalmente, en un punto más intermedio en el que no hay tanta elaboración musical, ni tampoco tanta improvisación, pero se sigue sonando fuerte y muy bien: el Rock de Estadios o el Rock para FM.

La letra es bastante clara en su reclamo:

 

“I’ve seen it before,

Lo he visto antes,

it happens all the time

pasa todo el tiempo

(Oooh-oooh) You’re closing the door, you leave the world behind

Cierras la puerta y te asilas del mundo

You’re digging for gold,

Lo que buscas es oro

 you’re throwing away

y lanzas a la basura

(Aaah-aaah) A fortune in feelings,

Una fortuna de sentimientos

but someday you’ll pay,

pero algún día lo pagarás”

 

En cuanto a la música, la canción empieza con el piano marcando un ritmo sobre el cual pasan muy rápidos y muy leves sonidos de guitarra y de teclados eléctricos, hasta que unos ocho segundos después, entra la voz de Lou Gramm, apuntalada por una batería que le da un  cierto aire de autoridad a su dicho. A los 30 segundos, aproximadamente, desaparece el rítmico piano, la canción baja de velocidad y la aparición de coros vocales y de un acompañamiento de teclados eléctricos le dan un aire de balada romántica . . . por solo unos segundos, pues a partir del segundo 50, la canción toma un ritmo más acelerado y al minuto y medio aparece un excelente solo de guitarra por parte de Mick Jones. De ahí en adelante, los juegos corales toman mayor presencia y la canción se mantiene en un nivel de energía constante, siempre de la mano de la voz suplicante de Gramm.

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Guitarra modelo All Black Les Paul de la marca Gibson, similar a la utilizada en el video por Mick Jones

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A continuación, la versión en video, ligeramente distinta a la del disco, pero que permite ver en la estructura del video y en la vestimenta de los músicos, la transición entre los años 70s y los 80s del siglo anterior

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Desde la Ciudad de México.

JH

PD: En la cultura occidental cristiana, la avaricia es uno de los siete pecados capitales que impiden la realización personal. La virtud a practicar para combatir la avaricia es la Caridad, que es la disposición a dar a otros lo que necesitan, voluntaria y oportunamente. La avaricia, está asociada al demonio de nombre Mammon.

PD 2: El guitarrista de Foreigner, Mick Jones, ha influido en un músico contemporáneo muy importante: Mark Ronson (ver la reseña Bang, bang, bang)

PD 3: A finales de los años 70s del siglo XX, muchos grupos optaron por hacer Rock orientado a Discos («AOR / Album Oriented Rock»), que era otra forma de decir que era música diseñada para sonar bien y vender discos. Entre otras bandas de este tipo están “Foreigner”, “Styx”, “Heart”, “Journey”, “Boston” y otras. Estos grupos no eran tan sofisticados como los de Rock Progresivo, pero su sonido era muy pulido y aunque tocaban Rock, no eran tan pesados como el Hard Rock/Hard Blues, más tarde Heavy Metal, que también surgió aproximadamente en la misma época.

Casi ninguno de estos grupos pudo sobrevivir, o al menos sacarle provecho, al surgimiento de MTV y la llegada de los videos musicales.

PD 4: El nombre de «Foreigner» / Extranjero, se deriva del hecho de que en los inicios de la banda, tres de sus miembros eran Británicos y otros tres, Estadounidenses, por lo que sea que tocaran en Gran Bretaña, en Estados Unidos o en cualquier otra parte del mundo, siempre en el grupo habría extranjeros.

 

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

You’re so vain Carly Simon

“”Eres tan presumido” es el reclamo directo de Carly Simon dirigido a . . . solo ella sabe quién, envuelto en una agradable propuesta pop de fácil escucha. De su disco “No secrets” de 1972, la deliciosa “You’re so vain””

 

Hola,

Una de las actitudes negativas que más complican las relaciones interpersonales es, sin duda, la soberbia. Cuando la satisfacción de nuestro ego se torna permanentemente en la máxima prioridad, usualmente le causaremos daño a alguna otra persona. Por lo que, moderar nuestro ego, es una forma de mejorar nuestra vida cotidiana.

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La presunción es una de las facetas de la Soberbia.                                                     Ilustración: «Vanity» por Frank Cadogan

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En su canción “You’re so vain”, la cantante Carly Simon expresa, de manera muy elegante, su resentimiento contra alguien que en algún momento, la hirió con una de esas actitudes de vanidad.

La letra describe con lujo de detalles, la actitud narcisista de algún personaje (cuya identidad nunca ha querido revelar) y relata brevemente como hubo entre ellos alguna relación en el pasado, cuando ella era ingenua y él, ya era taaaan presumido.

“You walked into the party like you were walking onto a yacht

Entraste a la fiesta como si abordaras un yate

Your hat strategically dipped below one eye

Con tu sombrero estratégicamente cubriéndote un ojo

Your scarf it was apricot

Tu bufanda color durazno

You had one eye on the mirror as you watched yourself gavotte

Con un ojo en el espejo viendo como te ves bailando

And all the girls dreamed that they’d be your partner

Y todas las chicas soñando que serían tu pareja

They’d be your partner, and…

Que serían tu pareja, y . . .

You’re so vain, you probably think this song is about you

Eres tan presumido, que quizá piensas que esta canción es acerca de tí

You’re so vain, I’ll bet you think this song is about you

Eres tan presumido, que apuesto que piensas que esta canción es acerca de tí

Don’t you? Don’t You?”

¿O no? ¿O no?”

 

Algo interesante a notar en la letra es que además, es un testimonio muy claro acerca de la moda masculina de los inicios de los años 70s del siglo veinte, en la que portar un sombrero de ala grande y usar una bufanda en un color llamativo, era símbolo de gran elegancia.

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La portada del disco también nos da una muestra de la moda reinante a principios de los años 70s del siglo XX

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En cuanto a la música, se trata de una pieza pop muy bien construida, diseñada como mucha música de esa época, para escucharse muy bien aprovechando las características sonoras de las estaciones FM que comenzaban a proliferar en Estados Unidos.

En la grabación original, es de hacerse notar el manejo del bajo por parte de Klaus Voormann al inicio de la canción y la excelente mezcla sonora entre la voz de Carly y el acompañamiento del piano. Aunque el ritmo de a la canción es semi lento, invita imperceptiblemente a bailar.

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Desde la Ciudad de México.

JH

PD: El distintivo manejo del bajo en esta canción se le debe a Klaus Voormann, bajista quién colaboró y vivió con los Beatles en su época de Hamburgo, antes de que fueran inmensamente famosos y trabajó en diversos proyectos con músicos de la talla de Lou Reed, James Taylor, Harry Nilsson, Eric Clapton, “The Hollies”, “Manfred Mann”.

PD 2: Esta fue una de las primeras canciones que reseñé, allá por Julio de 2008. En aquel entonces la reseña se llamaba “La canción de la Semana” y solamente la publicaba por correo electrónico a un muy reducido grupo de amigos. Va a continuación la reseña original:

“En esta ocasión la canción de la semana son dos: “You’re so vain” y “Memory Motel” ya que cuenta la leyenda que ambas están íntimamente ligadas:

“You’re so vain” fue escrita en 1971 por Carly Simon (heredera, al menos en parte, del emporio editorial neoyorkino Simon & Schuster) y es, supuestamente, una canción de despecho compuesta en referencia a un (misterioso) hombre que la dejó herida…y ahí inicia la especulación ¿A quién se refiere en la canción? ¿A Warren Beatty, a James Taylor, a Mick Jagger (quien, por cierto, participa en los coros de la grabación)?

 La misma Simon ha ayudado a intensificar el misterio al negarse, una y otra vez, a afirmar o negar cualquiera de las versiones…

La canción “Memory Motel” compuesta por Jagger y Richards, describe la breve pero intensa relación de Jagger con “a peachy kind of girl”. El Hotel de hecho existe, en Long Island y tanto los Stones como Carly Simon estuvieron cerca de ahí en algún momento de los 70s; por lo que se especula que es una especie de respuesta a “You’re so vain”…

Billy preston (el “quinto Beatle”) participa en la grabación original con los sintetizadores

Ambas canciones son un deleite musical, referentes del glamour que acompañaba a ciertas estrellas del Rock y del Jet Set, allá por los años 70s…»

PD 3: En la cultura occidental cristiana, la soberbia es uno de los siete pecados capitales que impiden la realización personal y es considerado como el más grave pues el es que llevo a un Angel a convertirse en el rey de los demonios: Lucifer.

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Sentirse más que los demás, usualmente lleva al desengaño y al dolor personal. Ilustración de Ana Corral

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La virtud a practicar para combatir la soberbia es la Humildad, que es la disposición a considerarse a uno mismo, igual en importancia, a todos los demás. La soberbia, está asociada al demonio de nombre Lucifer.

PD 4: Una de las razones de que esta canción se escuche tan bien, es que en los arreglos participó Paul Buckmaster, que por la calidad en su trabajo, ha participado con éxito en obras de otros artistas como «Space Oddity» de David Bowie (que ya he  reseñado en este espacio) y ha colaborado con músicos de la talla de Miles Davis, Elton John, «The Rolling Stones», «Blood, Sweat and Tears», «Grateful Dead», Steve Knicks, «No Doubt», «Tears fo fears», «The wallflowers, «Bon Jovi», «Guns ‘N Roses» y muchos otros más

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Ashes to ashes David Bowie

“No sé adónde iré después de aquí, pero les prometo que no será aburrido / “I don’t know where I’m going from here, but I promise it won’t be boring.” David Bowie”

Hola,

Hace solo unos días murió el que quizá ha sido el músico más peculiar de las últimas seis décadas: David Bowie. El hecho en sí me trastornó mucho, máxime que en lo personal, también estoy pasando por un trance de salud similar al que él enfrentó al final de su vida.

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Mutar era una característica de Bowie, tanto en su estilo musical, como en su imagen

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Pero lo más triste, es saber que el Mundo y la cultura pop han perdido a una persona tan creativa, tan perfeccionista, tan divertida. Afortunadamente, aunque se va el Artista, nos deja su obra.

Allá por los inicios de los años 80s del sigol XX, una muy querida compañera de la Universidad (“Lady Slim” para mantener su anonimato), accedió a prestarme algo de la música que tenía. A diferencia de hoy, en ese entonces eso significaba prestar discos LP de vinyl que eran muy delicados y era una gran responsabilidad recibirlos en préstamo pues podían maltratarse muy fácilmente.

Lady Slim había cursado parte de la preparatoria en Boston, así que la música que trajo de allá era muy diferente a la que podía normalmente conseguirse en México, en aquella época de ostracismo cultural que reinaba en el país.

Entre la música que me prestó, estaba “Scary Monsters” (Monstruos terroríficos), obra de Bowie publicada en 1980.

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Portada del disco «Scary Monsters», en la que Bowie encarana a otro de sus legendarios alter-ego: Pierrot-Bowie

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Escucharlo por primera vez fue un shock. En primer lugar, nunca un disco me había producido emociones tan fuertes como encontradas, ignorarlo era imposible. Al principio me disgustó mucho, me pareció caótico e indigerible. Pensé que era el ejercicio caprichoso e “intelectualoide” de una estrella del rock para justificar su fama de originalidad.

Sin embargo, al terminar de escucharlo me quedó un tenue impulso, inexplicable, para volverlo a oír. Y qué bueno que lo hice, pues cada vez que volvía a escuchar una de sus canciones, iba descubriendo su genialidad, originalidad y sobre todo, su calidad.

Como mucha del resto de la obra de Bowie, su música es un reto. No es fácil de asimilar, es exigente y generalmente no da concesiones, pero a la larga, te convence por ser auténtica y conscientemente cercana a la perfección.

Del “Scary Monsters” tengo que recomendar “Ashes to ashes” / Cenizas a las cenizas.

Esta frase es utilizada frecuentemente en los sepelios, por lo que está asociada a la muerte, a un final y justamente el disco “Scary Monsters”, significó en su momento, el final de una etapa en la carrera artística de Bowie.

Muchas de las frases de la letra tienen un tinte sospechosamente autobiográfico. En particular, a mí me gustan los siguientes versos:

“I never done good things / Nunca hice cosas buenas

I never done bad things / nunca hice cosas malas

I never did anything out of the blue / nunca improvisé”

En general, la canción tiene un tono melancólico. Intentar describir la melodía con palabras sería complicado e inútil; solo me atrevería a decir que es un intrincado conjunto de sonidos que logran el objetivo de transmitir esa sensación de añoranza. . . y desapego.

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Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Estas son algunas de las reseñas que anteriormente he hecho a canciones de David Bowie.

Under Pressure

Thursday Child

Space Oddity

PD 2: David Bowie es uno de los muy pocos músicos que lograron mantenerse en los 5 primeros lugares de las listas, sea con sus álbumes o con sencillos, en 6 décadas diferentes (60s, 70s, 80s, 90s, 00’s y 10’s)

PD 3: Algunas veces, para lograr el sonido que quería para cierto disco, Bowie reclutaba músicos de primer nivel para expresarles sus ideas y pedirles su colaboración; esta fórmula no solo le dio éxito, sino que además, dejó profundas huellas artísticas en los músicos que trabajaron con él (cómo puede constatarse en el muy interesante documental de la cadena británica BBC: “Bowie: 5 years” / Bowie: 5 años). Algunos de esos afortunados músicos fuero: Rick Wakeman (“Yes”), Brian Eno (“Roxy Music” / U2), Luther Vandross, Pete Townshend (“The Who”), Nile Rodgers (Chic, Diana Ross, “INXS”, “Duran Duran”, Madonna), Robert Fripp (“King Crimson”) y varios más.

PD 4: En esta canción se hace una referencia muy directa a un personaje que aparece en el primer gran éxito que tuvo Bowie en su carrera: el astronauta «Major Tom» y a través de la letra y de ciertos rasgos autobiográficos que hay en la misma, podría fácilmente deducirse que Bowie está cerrando un círculo, despidiéndose así de una etapa de su vida y de una parte de su estilo musical.

La letra de la canción comienza así

«Do you remember a guy that’s been / ¿Te acuerdas de un tipo que ha estaso
In such an early song / en una antigua canción?»

Y termina así:

«My mother said to get things done / Mi mmadre dice que para lograr algo
You’d better not mess with Major Tom / no hay que volverse a meter con el Mayor Tom»

En lo que parece un claro mensaje de que a pesar de su gran éxito con música del pasado, hay que dejarla de lado para poder seguir adelante.

Este personaje el Mayor Tom, ha sido referenciado en canciones de otros muchos artistas e incluso tiene una secuela en la canción de 1983 del artista Alemán, Peter Schilling, «Major Tom (Coming home).

PD 5: Gracias Bowie, gracias

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

If I go Ella Eyre

“Prometedora carrera musical, que apenas zarpa hacia un destino, aún desconocido; “If I go” nos plantea la tensión interna ante la decisión de pausar una relación. Pop bailable de sólida construcción; Ella Eyre, de su disco del 2015 “Feline” ”

Hola,

En esta ocasión, he decidido reseñar a una muy joven artista, cuyo primer álbum “Feline” fue apenas publicado el 28 de agosto de 2015. Se puede decir que ha arrancado muy bien su profesión, con algunas nominaciones a importantes premios y algunos medianos éxitos allá en el Reino Unido; aunque aún es difícil saber si, en el estado actual de la industria, su carrera musical seguirá creciendo, o no.

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Portada del CD «Feline» lanzado en Agosto del 2015 en el que se inclue «If I go» motivo de este texto

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Su irrupción en la escena musical Británica se ha visto favorecida por buenas composiciones, un sonido fresco y una voz que está más cercana a la de Amy Winehouse que a la de Adele, pero, con un carisma y una imagen mucho mejor, que la de estas otras cantantes.

La letra, es un intenso cuestionar a la pareja, acerca de la posibilidad de hacer una pausa en la relación, para encontrar un poco de crecimiento personal y sin perder la posibilidad de volver a empezar.

I could play any game for you /

Por tí, jugaría cualqueir juego

I could say anything for you /

Por tí, diría lo que sea

I could lie, I could lie, /

Podría mentir, podría mentir

Cuz you wanted a little more /

Porque tu quieres algo más

And I’m stuck in the middle on /

Y yo estoy atorada

But I try, but I try /

Pero intento, intento

But I need time and I need space /

Pero necesito tiempo y espacio

I need to live without your face /

Necesito poder vivir sin ver tu cara

But if I go will you love me, will you love me until I can? /

Pero si me voy ¿Me amarás, me amarás hasta que yo pueda amarte?

Do you know, will you want me, do you want me like that? /

¡Sabes si me querrás? ¿Me querrás así?

And if I leave, will it end, will you leave me again? /

¿Y si me voy, terminaremos, me volverás a dejar?

If I go, will you love me, will you love when I come back? /

Y si me voy ¿Me amarás, me amarás cuando regrese?

I could be what you want me to /

Puedo ser lo que tú quieras que sea

Do you hold out and let me do what I want /

¿Puedes esperar y dejarme hacer lo que quiero hacer?

What I want, /

Lo que quiero

Tell me how long you could wait ‘til you move on /

Dime cuánto podrías esperar antes de seguir adelante

and tell me that it’s too late, it’s too late /

Y decirme que ya es tarde, demasiado tarde

En cuanto a la música, la canción empieza con un juego de voces por 13”, para enseguida, darle entrada a Ella Eyre quien, por espacio de unos treinta segundos, prácticamente solo habla, si acaso alargando algunas palabras y siendo acompañada por una percusión de sonido muy grave.

Se incorpora entonces un piano, con un ritmo más acelerado, que es el preludio del primer coro en el que ya se oye también el bajo y en el que Eyre, aumenta el volumen de su voz, como para darle más énfasis a su cuestionar.

A partir del 1’06”, la canción entra totalmente en un ritmo bailable que se mantiene hasta una breve pausa hacia el final, en la que solo se escucha a Eyre y al piano, para finalmente, concluir de una forma poco usual con una presencia interesante de las voces corales de fondo.

Presento a continuación tres versiones. La primera, el video oficial, en donde la versión del disco se corresponde con esta reseña y que sin ser una idea original, es una propuesta interesante y bien lograda.

El segundo, es el de una presentación en vivo en Manchester, con motivo de Halloween, en el que el arreglo tiene un sonido un poco más Gospel ya que los coros tienen más peso y el tono en general es mucho más festivo. En esta presentación también puede apreciarse la naturalidad con la que Ella Eyre se desempeña en el escenario.

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Guitarra PRS modelo Custom 24 Amber Burst, similar a la utilizada por el guitarrista que acompaña a Eyre en su presentación de Halloween 2014

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Finalmente, el tercero es una versión muy austera en el que Ella, un piano eléctrico y un cajón, buscan transmitir el sentimiento subyacente de la canción, que es una mezcla entre un anhelo de libertad, un deseo por continuar y un pedido de comprensión.

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Desde la Ciudad de México.

JH

PD: Ella Eyre tiene ascendencia Escocesa (su apellido real es McMahon) y Afro-Jamaicana, lo cual se nota en los ritmos y coros de su música y es una combinación que ha tenido éxito en el pasado (Música Británico – Jamaicana), con exponentes como Bob Marley, “Madness”, “The Specials” y otros.

PD 2: Al igual que algunas otras cantantes antes que ella, Ella Eyre ha llamado también la atención por su imagen y su muy particular interpretación de la moda, logrando ya aparecer en algunas portadas de revistas relevantes y representando ya a una importante firma de perfumería.

Antes que ella, fueron referentes músico-visuales, Deborah Harry (del grupo “Blondie” desde los años 70s y hasta hace muy poco en este siglo), Gwen Stefani (vocalista de “No Doubt” entre 1992 y 2012) y por supuesto, Madonna, sobretodo en sus inicios, allá por los años 80 del siglo pasado

PD 3: Parte del éxito de Eyre ha sido su colaboración con otros artistas destacados del momento («Rudimental» en el muy influyente programa musical de TV «Later! with Jools Holland», o con «Bastille», entre otros); su participación en virtualmente todos los festivales importantes en el Reino Unido y su aparición frecuente en especiales de MTV.

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La imagen peculiar de Eyre, un poco atípica para el mundo de la moda, le ha ayudado a ser un modelo a seguir por las jovencitas y por ende, las grandes marcas se han comenzado a fijar en ella

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PD 4: El hecho de que Ella Eyre participe en la composición de las canciones, contribuye a que su interpretación sea muy natural y creíble, lo que a su vez le permite ser muy natural en su desempeño escénico.

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

The one thing INXS

“En el amanecer de los 80s, esta cancioncita de amor fue la semilla del arrollador éxito internacional, de una banda australiana que fue la favorita del también incipiente MTV. “The one thing” incluida en el álbum “Shabooh Shoobah” de 1982; new wave con pedigree, INXS”

Hola,

De alguna u otra manera, todos sabemos que los excesos nos perjudican; en México por ejemplo, los anunciantes de bebidas alcohólicas deben incluir en su publicidad la frase: “Nada con exceso, todo con medida”. Entonces, podemos suponer que nuestra vida cotidiana puede mejorar, si tan solo logramos identificar y reducir, los excesos en los que incurrimos.

La Gula es el pecado capital identificado con el exceso, especialmente en lo relacionado con la comida y la bebida.

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La Gula es un mal hábito que no solo se refiere al comer en exceso, sino a los excesos en general
Pintura por Jaques de L’ange

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Ha sido particularmente complicado encontrar una canción que toque específicamente el tema de la Gula, pero existe una cuyo video la retrata de manera precisa y convenientemente, dicha canción y su video, son del grupo “INXS” (In excess – Con exceso).

Se trata de “The one thing”, canción que navega entre el estilo “New Wave”, característico del inicio de los 80s del siglo XX en el que los teclados electrónicos tienen un papel importante y el “Post Punk” en que las guitarras buscan dominar.

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Guitarra Fender, modelo Telecaster Sunburst black pickguard, similar a la utilizada por Tim Farris en el video de esta canción

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La letra es de Michael Hutchence (Vocalista) y la composición musical de Andrew Farriss (Teclados) y siendo ambos muy jóvenes cuando la crearon, es normal la extrema sencillez del mensaje, pero, sorprendente la sofisticación de la música.

Well you know just what you do to me

Sabes bien lo que me haces

The way you move soft and slippery

Tu forma suave y resbalosa al moverte

Cut the night just like a razor

Cortas la noche como una navaja

Rarely talk and that’s the danger

Casi nunca hablas y ese es el peligro

Estos versos buscan describir eso indefinible (“The one thing”) que nos conquista de ellas.

Lo primero que escuchamos son tres golpes con las baquetas que marcan el inicio de la canción, seguido de la entrada de los teclados, el bajo y la batería que marcan el ritmo, no tan lento como de balada, ni tan rápido como para ponernos a bailar. A los ocho segundos aparece la un sonido de guitarra fuerte,  claro y poco distorsionado, que inicia una conversación con los teclados.

A continuación, un redoble de la batería es el preámbulo para la interpretación vocal de Michael Hutchence, que si bien no canta, ni tampoco recita,  más bien mantiene una especie de conversación ficticia con quien lo quiera escuchar.

Un poco más adelante, entra el coro, en el que Hutchence prácticamente susurra y los instrumentos bajan su intensidad sonora.

La canción sigue con más versos, más intervenciones de la guitarra y más coros susurrados, hasta que al minuto y medio irrumpe, sorpresiva y agradablemente, un saxofón que expresa con sonidos, la mezcla de sentimientos entre la admiración y la desesperación, que significa caer rendido ante ese no-sé-que, que nos enamora.

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Desde la Ciudad de México.

JH

PD: En el excelente libro “When MTV Ruled the World” / Cuando MTV era lo máximo, se relata claramente como, en los inicios de MTV, sus ejecutivos quisieron experimentar si era posible, mediante una alta exposición de videos, lanzar al estrellato a algún artista y decidieron intentarlo con los entonces desconocidos “INXS”.

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Excelente libro que narra la exitosa simbiosis entre MTV y algunos artistas de inicios de la década de los 80 del siglo pasado; entre ellos INXS

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La alta exposición de videos en MTV alrededor del mundo, la calidad y novedad musical de “INXS” y el carisma de su vocalista, Micheal Hutchence, derivaron en que el grupo alcanzara rápida y sólidamente el estatus de superestrellas de pop/rock de nivel internacional.

PD 2: Irónicamente, Micheal Hutchence fallece a los37 años de edad, víctima de sus propios excesos.

PD 3: En la cultura Cristiana la gula, que es uno de los siete pecados capitales, se combate practicando la virtud de la Templanza, entendida esta, como la moderación en la satisfacción de las necesidades humanas. La gula está asociada al demonio denominado Belcebú.

PD 4: Debido al miedo que le generó al sistema político mexicano la organización estudiantil de 1968, que culminó con la matanza de Tlatelolco, de ahí en adelante, cualquier reunión multitudinaria de jóvenes estaba tácitamente prohibida. De ahí que entre 1968 y 1991 fueron muy escasas las presentaciones en vivo de agrupaciones musicales extranjeras en México.

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Boleto de aquel histórico y sensacional concierto de INXS en la Ciudad de México en 1991
Imagen tomada del Blog: «Inquisidor71»

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Esta veda terminó el 12 de enero de 1991, con la presentación de INXS en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México. Este concierto fue parte de la gira «Live Baby Live», de la cual, existe tanto el CD como el DVD. Altamente recomendable.

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Portada del estupendo DVD de la gira «XS» de 1991; al final de la cual, el grupo visitó la Ciudad de México, evento que marcó el final de la tácita prohibición de los conciertos masivos

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Tuve la oportunidad de asistir  a aquel gran concierto. Hutchence y el resto de la banda, realmente sabían como poner un gran ambiente.

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser

Behind blue eyes The Who

“’Nadie sabe lo que significa ser excluido Detrás de Ojos Azules, “Behind Blue Eyes”. El resultado de la inconclusa Lifehouse de 1971, Idea Musical: The Who” (Viñeta original para esta canción, escrita por Luis Gerardo Salas y utilizada en la mítica estación XHROK – Rock 101, en el 100.9 de FM de la Ciudad de México, entre 1984 y 1996)

Hola,

Algunas teorías establecen que el Universo, no es otra cosa más que una serie de vibraciones a diferentes frecuencias, siendo su manifestación física, el resultado de nuestra percepción de las vibraciones más lentas (frecuencias más bajas).

En los inicios de la década de los 70s del siglo XX, Pete Townshend co-fundador y principal compositor de la banda Británica “The Who”, quería producir cierto tipo de música que fuera única para cada persona, partiendo de ciertos datos biográficos que serían procesados por una computadora y convertidos a música usando por sintetizadores. La ejecución simultánea de estas piezas personalizadas, produciría un “sonido universal”. Townshend pretendía que, al enlazar la música de cada persona, se lograría re-armonizar a la Humanidad con el resto del Universo, ya que, después de todo, la música es una serie de vibraciones.

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La idea de que el Universo es en realidad una serie de vibraciones, es compartida por varias Filosofías y ha sido tema de inspiración para muchos artistas. J.R.R. Tolkien (El Silmarilion) o Pete Townshend, por ejemplo

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Para llevar este concepto a las audiencias, Pete estuvo trabajando en un proyecto en forma de Opera-Rock, denominado “Lifehouse”. En ella, hay un personaje de nombre “Jumbo” que controla a la humanidad a través de una especie de red cibernética (cuyo concepto es bastante similar al mostrado en las películas “The Matrix”); la canción “Behind blue eyes” es parte de la expresión del constante enojo de Jumbo, que se origina en su posición de poder.

Y el enojo extremo, la ira, es el tema de referencia de esta reseña.

La letra, aquí y allá, nos da muestras de esa ira contenida:

“No one knows what it’s like

Nadie sabe como es

To feel these feelings like I do and I blame you!

Sentir lo que siento ¡Y te culpo por ello!

No one bites back as hard on their anger

Nadie reacciona tanto a su furia como yo

None of my pain and woe can show through

Nada de mi dolor y miseria deben notarse”

De manera contrastante al tema central de la canción, la música comienza de manera muy tranquila, con una melodiosa guitarra y un canto amable a cargo del vocalista Roger Daltrey, enfatizados con las voces corales del resto del grupo. Después de 30 segundos entran el bajo y un sonido de teclados que le dan cierto aire ominoso a esa primera parte de la canción.

A partir del minuto 2 con 5 segundos, el ritmo se acelera, la guitarra acústica le cede el paso a una eléctrica con un sonido distorsionado y por aproximadamente un minuto, el tono de vocal de Daltrey se hace más energético.

Vienen a continuación tres versiones; la original, de 1971, en la que destacan la suavidad de los sonidos, la presencia de unos teclados y que ha servido como referencia para esta reseña; luego, viene la versión más conocida, grabada unos años más tarde para ser incluida en el disco “Who’s next”, que se distingue de la original por contener más partes corales y un tratamiento más pesado en la última parte de la canción que refleja mejor el tema de la misma.

Y finalmente, una versión en vivo que permite apreciar la capacidad emocional interpretativa del baterista original: Keith Moon.

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Desde la Ciudad de México.

JH

PD: El enojo, el malestar continuo, la furia, la ira, son actitudes que de no ser controladas, o incluso suprimidas, pueden destruir nuestras vidas y las de nuestro más próximo alrededor. De los siete pecados capitales, la ira es quizá el de mayor notoriedad, pues su manifestación suele ser explosiva y devastadora.

La virtud a practicar para combatir la ira es la Paciencia y dentro de la tradición Judeo-Cristiana, los demonios asociados a la ira pueden ser: Satán, Aamon o Pazazu.

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«Anger» / Ira del artista Chhitiz Kiran Shrestha

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PD 2: Desafortunadamente, el enorme alcance del proyecto “Lifehouse”, fue demasiado para Townshend y tuvo que desecharlo antes de perder su salud mental, por lo que nunca fue grabado en su totalidad, ni  presentado en teatros como estaba originalmente concebido. Varias de las canciones del fallido proyecto, aparecerían después en otros trabajos de “The Who”.

PD 3: Curiosamente, sería fácil asociar a “The Who” con la ira, pues en muchas de sus presentaciones, solían destruir violentamente sus guitarras, amplificadores y baterías; sin embargo, Pete Towshend, con el paso del tiempo, se ha ido convirtiendo en un tipo reflexivo, sereno, casi contemplativo.

PD 4: Finalmente, «Behind blue eyes» apareció en el quinto álbum del grupo: «Who’s next» que contiene algunas canciones del proyecto «Lifehouse» por lo que, por ejemplo, algún solo de guitarra es compartido entre «»Won’t get fooled again» y «Behind blue eyes» como hilo conductor entre ambas canciones que originalmente pertenecían a una sola historia…

La portada del disco, en la que destaca un monolito de concreto, es un homenaje a la película 2001: Odisea Espacial de Stanley Kubrik.

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Esta portada ha sido considerada como una de las mejores en la historia del Rock

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PD 5: Parte del disco fue grabado en el Estudio móvil de los «Rolling Stones», cuya principal característica era precisamente ser un estudio que podía llevarse a cualquier lado, permitiendo a los artistas cierta libertad en los horarios y en la elección de locaciones en donde querían grabar.

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Una más de las ideas revolucionarias alrededor de los Rolling Stones y que dejó huella en la música pop del siglo XX

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En este estudio móvil fueron grabados varios discos legendarios como: «Led Zeppelin III», Led Zeppelin IV», «Sticky fingres» y fue utilizado por músicos de la talla de Bob Marley, «Deep Purple», «Iron Maiden», «Fleetwood Mac», Santana y otros…

Esta canción se escucha mejor con audífonos Sennheiser